Les meilleurs films 2017 du Blanc Lapin Partie 1 : N°21 à N°11
Avec 70 films sortis et vus cette année 2017 et compte tenu du tri méticuleux opéré dans les sorties, post accueils en festivals, accueil presse, retours d’avant premières etc…on peut dire que la sélection du Blanc Lapin 2017 a été des plus trépidantes. Or 2017 est un excellent cru.
Voici donc la première partie du classement annuel des films qu’il ne fallait pas rater !
Avec les critiques écrites par mes mimines à chaque fois.
N°21 – « Compte tes blessures » de Morgan Simon
Ce premier film a hélas été très peu distribué dans les cinémas en janvier d’où le temps long pour enfin le voir. L’histoire suit un jeune chanteur charismatique de hard rock, qui s’est tatoué de partout et vit encore chez son père, poissonnier.
Il est jeune, beau, son groupe cartonne mais il est aussi très seul. Au lieu de profiter de la vie, il se heurte à son père insensible et froid. Et surtout, il voit arriver la nouvelle copine de ce dernier qui vient bouleverser son monde et le silence causé par la mort de sa mère quelques mois auparavant.
« Compte tes blessures » n’est pas dénué de défauts mais il est tellement généreux par sa belle humanité, par la délicatesse de l’expression des sentiments des protagonistes, qu’on lui pardonne toute le reste. Morgan Simon réalise déjà un film ultra court, 1H20 seulement et c’est probablement une très bonne idée car il évite les scènes inutiles qui auraient dilué le message.
Kévin Azaïs, qu’on avait découvert dans « Les combattants » en 2014, est brillant dans ce rôle de jeune homme qui n’est pas totalement sorti de l’adolescence, dont le regard cherche en permanence l’amour de son père. Il est perdu, blessé car son monde s’est effondré à moitié par la mort de sa mère adorée. Et il se cherche, il provoque, il doit « tuer le père » pour grandir et c’est douloureux. La partition de l’acteur est vraiment émouvante tout en étant brusque et animale. Nathan Willcocks joue lui ce père rugueux et aux propos violents et livre lui aussi une très belle prestation.
Le film traite donc de l’après-deuil et de la reconstruction entre un père et un fils qui s’aiment mais ne savent plus se parler et se sentent étrangers.
« Compte tes blessures » est un film intelligent, fin et dont le final est surprenant.
N°20 – « Neruda » de Pablo Larrain
Après les réussis « No » et « El Club« , et avant de livrer d’ici 15 jours son biopic sur Jackie Kennedy avec Natalie Portman, le réalisateur chilien Pablo Larrain se paie le luxe de sortir un autre biopic. Le metteur en scène sort donc deux films en un mois ! Et le premier est très réussi car il décide d’opter pour un biopic non conventionnel.
Comment parler d’un des immenses poètes du 20ème siècle, chilien comme lui, sans tomber dans l’hagiographie pompeuse et ennuyeuse ? Et bien Larrain choisit tout simplement de le raconter tel un poème, un conte où l’on devine que l’imaginaire est proche de la réalité telle que présentée, toujours à la limite mais jamais assez pour verser dans le surréaliste. Il donne juste une réalité déformée, embrassant la poésie et l’implication politique de l’artiste. Les dialogues permettent ainsi souvent d’énoncer des poèmes et l’histoire en tant que telle joue avec nous et la créativité de Pablo Neruda.
En 1948, le sénateur Pablo Neruda, communiste de renom et star dans son pays pour son œuvre fournie, est en opposition avec le gouvernement. Le président demande sa destitution et on arrestation et va confier la traque à l’inspecteur Óscar Peluchonneau.
Notons d’abord le jeu impeccable de Luis Gnecco en Neruda infidèle, tendre, révolté, provocateur et très imbu de lui-même. Larrain choisit d’ailleurs de montrer tant la lumière que l’ombre ou les incohérences, notamment lors de ce diner au restaurant où Neruda est confronté à une ouvrière qui lui fait remarquer qu’il est nanti et que sa révolte est facile. La table est alors très gênée et le poète choisit la fuite par l’exposé d’un idéal dont il sait qu’il n’est que mensonge mais qui redonne espoir malgré tout. Ces paradoxes de Neruda sont ainsi illustrés avec un regard bienveillant mais lucide.
Le film est donc sans concessions et pourtant rend le personnage très attachant. Mieux il choisit de nous emmêler les pinceaux avec ce policier joué à merveille par un Gael Garcia Bernal, décidément toujours aussi classe. Ce flic déterminé qui ne veut pas vraiment arrêter sa cible est un personnage littéraire en tant que tel et le plus bel hommage au poète. En miroir de l’artiste qui fuit, il donne au film une dimension poétique et d’aventure qui rend le long métrage attachant et unique.
Une très belle réussite.
N°19 – « Brimstone » de Martin Koolhoven
Si vous souhaitez voir une comédie ou un film fun, passez votre chemin. En revanche si vous appréciez les histoires de vengeance, les westerns ou tout simplement des films surprenants par leur montage et l’excellence du climax qui s’en dégage, courrez voir ce « Brimstone » !
Alors certes, le film est violent, sombre, et l’héroïne s’en prend plein la tronche. Mais il s’élève largement au dessus de la moyenne par le montage du film, par le jeu des excellents Guy Pearce et Dakota Fanning, par les surprises du scénario et par le fait qu’il ne tombe jamais dans les clichés du genre.
Guy Pearce décroche un de ses meilleurs rôles dans ce pasteur limite démoniaque et complétement fou. Une ordure, une vraie et il n’y a pas à dire, un excellent méchant dans un film, c’est rare et c’est jouissif.
Alors l’histoire ? Dans l’Ouest américain, à la fin du XIX siècle, une jeune femme mariée à un homme mur voit sa vie basculer lorsqu’un psychopathe de pasteur déboule dans son village.
On ne comprend pas au début pourquoi ce type fait une fixette sur lui mais on va l’apprendre par étapes et devenir vite scotché au dénouement de l’intrigue, très habilement menée.
Le film fonctionne davantage sur l’angoisse d’un film d’horreur que sur les concepts du western. La violence psychologique et visuelle parsème le film et créé un suspens de haut niveau.
Cette traque est fascinante car on découvre sa raison au fil de l’histoire. Le film est choquant à plusieurs reprises et s’enfonce vers les enfers de façon impitoyable.
Ça saigne, c’est brutal mais putain qu’est ce que c’est réussi !
N°18 – « La planète des singes, suprématie » de Matt Reeves
Alors que le 1er épisode avait surpris tout le monde de part la qualité des effets spéciaux, de l’intrigue et de la mise en scène, le second film de cet immense préquel au chef d’oeuvre de 1969, m’avait un peu déçu. Matt Reeves, qui reprenait le flambeau avait livré un très bon divertissement hélas trop centré sur l’action et surtout terriblement manichéen dans l’archétype des personnages.
Ce défaut est toujours présent dans ce troisième volet mais il devient secondaire grâce à la mise en scène peut être moins épileptique et surtout une histoire bien plus écrite.
Comment César devient la légende des singes qui les amène et se libérer des derniers hommes ? Tout un programme et aussi une explication logique à la montée en puissance d’une race au détriment d’une autre.
Le film s’inspire des nombreux bijoux du genre film de prison et évasion et apporte même une touche d’humour totalement absence auparavant. Il va même jusqu’à citer balourdement Apocalypse Now et faire référence plus finement à la Shoa.
Enfin, Andy Serkis donne encore une fois à la technique de motion capture toutes ses lettres de noblesse tant son César transpire le réalisme.
« La planète des singes, suprématie » est surtout un film de SF qui ne prend pas ses spectateurs pour des demeurés et leur apporte divertissement et réflexion sur la place de l’homme sur cette planète et son bref passage à l’échelle du temps.
La mise en scène est inspirée et suit des singes désespérés et totalement mus par leurs émotions. Il est d’ailleurs assez bluffant de s’attacher aux personnages à ce point alors que le rôle des humains est basique, et les dialogues rares et remplacés par des traductions de langage des signes.
Pour une fois, la reprise d’une franchise culte est digne et même supérieure à l’original. Le blockbuster n’est alors jamais aussi bon que lorsqu’il parle en miroir de notre société où l’empathie est moquée et où l’entraide laisse la place à des peurs primales, à travers des évènements quotidiens que l’actualité nous démontre.
Le film est sombre et très réussi.
N°17- « Seule la terre » de Francis Lee
Pour cette histoire d’amour homosexuelle en plein Yorkshire, Francis Lee aurait pu tomber dans le méga cliché et nous pondre un « amour est dans le près » agaçant.
Il n’en n’est rien car son choix de mise en scène est âpre, filmant la rudesse de la vie rurale et d’un quotidien de labeur. Il donne aux personnages de cette famille une agressivité liée à la pauvreté qu’ils tirent de leur vie harassante, où il n’y a pas de place pour la tendresse et les sentiments. Ce côté autiste est assez surprenant mais compréhensible.
L’arrivée d’un travailleur roumain pour soulager leur quotidien va bouleverser la vie de Johnny, qui ne vivait son homosexualité que bestialement à de rares occasions. Il va découvrir pour la première fois le sentiment amoureux et la bienveillance.
Sa grand-mère et son père ne lui donnent que réprimandes et aucun amour. Il vit seul et reclus sur lui-même. Il se saoule dès qu’il peut afin d’oublier l’enfer d’un quotidien où il n’a aucun avenir et la responsabilité de faire survivre une exploitation agricole obsolète.
Francis Lee fait donc murir cette histoire comme un apprivoisement d’un animal farouche et blessé par un garçon lumineux. Ceci manque peut être de réalisme mais c’est une très belle histoire, émouvante à plus d’un titre. On pense évidemment au cinéma social britannique dans ce qu’il fait de meilleur, de façon simple et efficace.
Surtout, le réalisateur fait émerger un romantisme premier degré qui fait du bien. Son film va vers la luminosité avec une très belle fluidité.
Cette histoire d’éveil et de prise de conscience de soi, de l’autre, de la beauté de construire un couple est à la fois subtile et dénuée d’une quelconque niaiserie, ce qui rend le final d’autant plus émouvant.
N°16- « Mother ! » de Darren Aronofsky
Darren Aronofsky est certes l’un de mes chouchous, il est certes extrêmement doué…mais il a le don pour se faire des détracteurs qui le critiquent avec animosité. On lui a reproché son « Requiem for a dream » tape à l’oeil, son « The fountain » complètement perché où une partie de la presse considérait qu’il se masturbait intellectuellement et de façon pompeuse. Moi personnellement, j’adorais. Puis « The Wrestler » et « Black Swan » furent mieux accueillis… »Noé » fut un ratage partiel que pour le coup, je partage…et voici son nouvel opus qui divise à son tour public et critique.
« Mother! » est un film somme de l’œuvre d’Aronofsky, d’une ambition tant formelle que thématique assez délirante. C’est un film sans concession, qui pousse très loin le délire en se référençant très largement au « Rosemary’s Baby » de Polanski pour pousser les thèmes chers au cinéaste, la création, la réincarnation, l’addiction, la religion etc…
Avec autant d’universalité et d’ambition dans un propos volontairement ultra radical, il est normal qu’il provoque autant de haine chez les critiques qui n’ont rien capté à sa démarche et préfèrent le traiter de tous les noms, le parer de snobisme surfait et de pas s’attarder sur l’une des réussites majeures de cette année.
Aronofsky n’a pas peur du ridicule et fonce droit dans une horreur fantastique bourrée à mort de symboles. Car oui, il faut un certain courage pour livrer une fable à multiples lectures et risquer la volée de bois verts qu’il vient de se manger. Le film est dément et dévore le spectateur de son angoissante thématique. On est perdu entre cauchemar et symbolisme, ne sachant pas vraiment où veut nous emmener le metteur en scène. Certains diront « tout çà pour cela ? », oui mais justement, Aronofsky déchaine les passions comme son écrivain égotique joué par l’immense Javier Bardem intrigue autant qu’il fascine. Est-il un démon ? un Dieu ? un simple artiste ? Le réalisateur donne certaines clés mais pas toutes pour laisser à son film protéiforme le soin de gangréner son interprétation par le spectateur.
Le film est effrayant, fascinant que vous le détestiez ou que vous en sortiez bluffé, en tout cas il ne laisse pas indifférent. Et c’est aussi pour cela qu’on se bouge dans un cinéma. Pour être surpris, de colère ou d’admiration, et c’est au final le but du film…vous provoquer en espérant que vous tombiez du bon côté.
Les visions radicales du réalisateur forcent le respect.
15 – « Thelma » de Joachim Trier
Le réalisateur norvégien Joachim Trier, remarqué avec son « Oslo, 31 août », est de retour avec un film très réussi.
Il choisit en effet un récit de science fiction pour conter l’émoi amoureux et les premières pulsions sexuelles. Mais non seulement il fait de son héroïne une jeune lesbienne que toute son éducation catholique culpabilisent, mais en plus cette dernière a un super-pouvoir qu’elle découvre.
Trier choisit une mise en scène méthodique pour instaurer une curiosité palpitante pour ce que va devenir son héroïne et surtout nous faire craindre ce que l’on va découvrir.
En ces temps de blockbusters Marvel et DC Comics, c’est une excellente idée que d’en prendre le contrepied par un sujet multiple utilisant la coquille souvent vide des grosses productions américaines.
Le refoulement et le poids de cette éducation étouffante sont bien entendu au cœur du récit mais le récit est forcément émaillé de scènes fortes visuellement, faisant la part belle à l’onirisme.
Et pourtant l’humain est au cœur de ce drame alternant terreur et émotions pour cette jeune femme tiraillée entre son désir et le carcan idéologique qu’on lui a inculqué. Le tout est illustré par des métaphores et par une quête fantastique menée avec un excellent rythme.
Ce mélange des genres, du thriller au drame, donne à l’ensemble un rendu assez captivant, souvent surprenant et malin.
Le refoulement est un thème souvent traité au cinéma mais cette approche a le mérite d’être originale et rigoureuse dans son déroulé et sa mise en image.
Un très bon film.
N°14 – « Trainspotting 2″ de Danny Boyle
Danny Boyle a donc tenu promesse, il a donné suite à son chef d’oeuvre pop des années 90, 20 ans après ! Et pourtant le projet est une sacrée arlésienne de cinéma qui a été annoncée des tas de fois en 20 ans puisque cette suite est inspirée en grande partie de « Porno » que le romancier Irvine Welsh écrivit comme suite à son livre « Trainspotting« .
Réconcilié avec son acteur fétiche des débuts, Ewan McGregor, brouille qui dure depuis « La PLage« , Boyle peut enfin donner cette suite. Si ce n’est qu’elle a été remodelée puisque 20 ans se sont écoulés et qu’il va surprendre avec un film plutôt…émouvant !
Celles et ceux qui n’ont pas vu « Trainspotting« , d’abord vous devriez corriger rapidement cette lacune histoire de parfaire votre culture car ben oui, il faut avoir vu Trainspotting. Car si le film est générationnel, il n’a rien perdu de sa force, de sa provocation, de sa vitalité et de son désespoir.
Danny Boyle, après avoir livré un excellent « Steve Jobs » curieusement défait de ses tics clipesques que personnellement j’adore, nous fait un gros doigt en direction de ses détracteurs pour retomber dans le style qui l’a fait connaitre avec brio.
Alors certes, çà pulse moins, çà ne s’envole jamais dans des trips puisque l’histoire n’est plus celle de junkies mais plutôt d’ex junkies qui ont eu une histoire commune depuis l’enfance et se sont fait trahir par Renton. Et d’ailleurs, le réalisateur a l’excellente idée de redémarrer le début des titres les plus cultes de la BO d’origine pour les couper net, histoire de bien faire comprendre qu’il rend hommage mais pas avec facilité. Non, il utilise des images du premier film, fait des tonnes de clins d’œils mais à chaque fois c’est justifié, c’est pour illustrer cette amitié qui lie les personnages et pour mieux mettre un miroir entre un passé de paumés sans avenir et un présent de pauvres types en galère.
Vingt ans se sont passés mais en fait, ils ont peu changé. Sick Boy ne tourne plus qu’à la coke et non à l’héroïne mais il poursuit ses petites combines sans avoir rien construit. Quant à Renton (McGregor), je vous laisse découvrir. Spud est quant à lui bien plus présent que dans le premier volet et son personnage est très attachant.
En fait on a l’impression de retrouver de vieux copains vingt ans plus tard, les personnages étant très bien interprétés mais surtout très bien écrits. Et Danny Boyle use de l’auto-citation jusqu’à en faire un art en soit. Trainspotting 2 n’est pas un film sur la perte des illusions puisque les personnages n’en n’avaient déjà pas à 25 ans. Mais c’est un film à la fois triste et mélancolique tout en étant très divertissant. C’est l’histoire de retrouvailles jouissives entre des personnages cultes et surtout un exemple très réussi de suite qui ne soit ni inutile ni facile et c’est rare ! Le film ne veut jamais être incisif comme le premier et c’est tant mieux. Enfin la BO est très bonne, encore une fois.
Ce constat sur le vieillissement est traversé d’une nostalgie cynique et d’un regard mature et affectueux de Danny Boyle sur ses personnages. Il en profite également pour tacler les »progrés » de la société en 20 ans à savoir réseaux sociaux, télé réalités et autres choses ultra utiles qui n’existaient pas en 1996, sans pour autant tomber dans des remarques de vieux con.
Un des films de 2017 à bien évidemment aller voir.
N°13 – « On the Milky Road » d’Emir Kusturica
Après 10 ans d’absence et presque 20 ans après son dernier chef d’oeuvre, « Chat noir, chat blanc« , le maitre serbe revient enfin ! Si la presse est divisée et que Kustu a perdu sa place de chouchou des critiques, il n’a rien perdu de son univers, bien au contraire.
C’est vrai qu’un réalisateur à l’univers fort et reconnaissable immédiatement, c’est non seulement assez rare (Terry Gilliam, Guillermo Del Toro, Tim Burton, Wes Anderson, David Lynch, Wong Kar Wai, Pedro Almodovar…) mais surtout, çà ne vieillit pas toujours très bien.
« On the Milky Road » n’est pas au sommet de la carrière de Kusturica mais il convoque un imaginaire débordant et oh combien salvateur dans une époque si normée. Ses délires sont peut être moins jouissifs mais tout autant désespérés, autour de personnages hauts en couleurs qui boivent et font la teuf en plein milieu des bombardements.
C’est surtout que son film est plus tendre, plus porté sur une belle histoire d’amour impossible que la folie suicidaire d’ « Underground » ou la contemplation et les délires du « Temps des gitans ». Mais l’esprit est le même.
J’ai adoré replonger dans cet univers où le fantastique s’immisce dans la nature, permet aux mariées de voler et aux héros de jouer à saute moutons avec des explosifs.
C’est délirant sans l’être trop, d’une créativité jouissive, souvent très poétique et c’est déjà beaucoup.
Non, Kusturica vit encore et il en a sous la pédale et c’est sans doute l’une des excellentes nouvelles de cette année ciné.
N°12 – « Kingsman, Le cercle d’or » de Matthew Vaughn
Matthew Vaughn a donc décidé de faire une suite à son succès surprise, Kingsman, lui qui se refusait jusqu’alors à se prêter à l’exercice de capitaliser sur un succès comme son Kick Ass ou X-Men Le commencement.
« Kingsman Le Cercle d’Or » respecte l’esprit barré et too much du 1er, gavé de gadgets délirants et de répliques so british clin d’œil à James Bond façon 10èle degré. En ceci cette suite est réussie puisqu’elle ne déçoit ni par son rythme ni par ses personnages.
Évidemment le réalisateur devait faire revenir l’immense Colin Firth dont le rôle avait imprégné le 1er volet. Et là où c’est réussi, c’est qu’il joue sur un registre inattendu, celui de l’émotion et ça fonctionne très bien.
Les nouveaux personnages sont peut être trop nombreux, Halle Berry, Channing Tatum ou Jeff Bridges faisant de la quasi figuration. En revanche Pedro Pascal (Narcos, Games of Thrones) et Julianne Moore en méchante complétement perchée excellent et cabotinent certes mais c’est drôle. Quant à Elton John, il a plusieurs scènes marrantes dont un plan très drôle qui vaut le détour à lui seul.
Le bémol de ce Cercle d’Or est que derrière son indéniable efficacité et les plaisirs régressifs qu’il procure, il manque deux éléments du 1er film. D’abord l’effet de surprise n’est pas toujours là puisqu’on connait l’univers même si Vaughn n’hésites pas à torpiller des personnages pour rendre son scénario imprévisible. Ensuite l’originalité a fait place parfois à de la surenchère d’action et d’effets spéciaux au détriment des dialogues…de l’irrévérence et du délire débile.
Entendons nous, Kingsman Le Cercle d’Or reste jouissif et l’un des excellents blockbusters de 2017. Mais le 3ème volet devra trouver une idée géniale si la saga ne veut pas rapidement tomber dans de la ressucée. Mais il est normal que l’on soit exigeant avec des réalisateurs aussi réjouissants que Matthew Vaughn !
N°11 – « Au revoir là-haut » d’Albert Dupontel
Il est long le chemin qu’a parcouru ce déménageur devenu comique de stand up avant de devenir peu à peu, depuis Bernie, l’un des cinéastes respectés quoique toujours à la marge du cinéma français. Il faut dire que son amour du burlesque et des cartoon transpirait dans ses dernières réalisations, « 9 mois fermes » lui ayant permis d’atteindre un succès critique et public au-delà de son cercle habituel de fidèles.
En adaptant le prix Goncourt de 2013, « Au revoir là-haut » de Pierre Lemaitre, Dupontel s’attaque à un plus gros projet en terme de budget mais aussi en adaptant pour la première fois l’histoire d’un autre. Le film en costumes peut souvent s’avérer balourd et ici le réalisateur réussit à filmer avec un plus grand soin, une image léchée faisant penser à « Un long dimanche de fiançailles« . Mais là où le film de Jeunet était un peu chiant, celui de Dupontel est touchant. Touchant parceque son histoire de père et fils et d’éducation manquée est très belle mais aussi parceque ses interprètes sont tous excellents.
La révélation de « 120 battements par minute« , le jeune Nahuel Perez Biscayart, joue à merveille de son corps frêle et de ses yeux très expressifs un rôle pas facile car muet. Il donne à cette gueule cassée une dimension poétique portée par de superbes masques. Il est rare de voir l’après guerre et là où l’histoire se mêle parfaitement à l’univers de Dupontel c’est dans Dupontel bien sûr, qui apporte dans son personnage gauche sa dose d’humour et de délicatesse, d’humilité de l’homme du peuple dépassé par les évènements, toujours du côté des exclus, des gens qu’on ne considère même pas, anar comme on l’aime. Mais il le fait avec intelligence, par petites doses. Laurent Lafitte joue décidément les salauds merveilleux, Philippe Uchan, fidèle de Dupontel rajoute une dose perchée à l’ensemble.
Niels Arestrup est impérial dans le rôle de ce bourgeois solitaire qui a fait fortune toute sa vie et regrette au seuil de sa mort d’avoir raté son fils, la beauté de ce qu’il exprimait, à savoir l’inverse de lui, l’art plutôt que l’argent, l’imaginaire plutôt que le concret.
« Au revoir là-haut » est un bijou de créativité, mêle poésie, tragédie et aventure tout en restant populaire. Certains seront déçus par la réalisation plus sage de Dupontel, moins épileptique, moins barrée. Mais le film demeure un récit picaresque de haute volée et l’un des meilleurs films de cette année.
Voilà, on réfléchit encore un peu avant de vous sortir le top 10 de 2017…
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