Les meilleurs films 2018 du Blanc Lapin – Partie 1 – N°30 à 15

C’est parti pour le classement des meilleurs films 2018 du Blanc Lapin avec un classement plus large (les 30 premiers et non les 20) car j’ai vu beaucoup plus de films, 106 très exactement contre 50 d’habitude et 70 en 2017. Dedans sont inclus les films de cinéma et les films de e-cinéma et de plateformes de streaming comme Netflix puisque certains films et auteurs auraient très bien pu les sortir en salles…et que d’ailleurs les festivals de cinéma, à part Cannes, les considèrent de la même façon.

Vous retrouverez à chaque fois la critique que j’ai rédigée, sans les notations de lapins puisqu’ils ont tous eu à minima 4 lapins.

N°30 – « La Ballade de Buster Scruggs » des Joel et Ethan Coen

J’adore les frères Coen, de leurs chefs œuvres sombres comme « Sang pour sang« , Miller’s Crossing », « Fargo », « No Country for Old men« , « The Barber » à leurs comédies déjantées comme « Arizona Junior« , « The Big Lebowski« , « O’Brother« , ou « Burn After reading« .

Et puis ces dernières années, quelquechose s’est cassé. Je n’ai pas compris « A serious Man« , assez chiant, leur western « True grit » m’a laissé de marbre, et malgré la presse dithyrambique, j’ai trouvé « Inside Llewyn Davis » horriblement long et plat. « Avé César !« , film mineur dans leur filmographie, avait le mérite de les dérider un peu.

A 63 et 61 ans, Joel et Ethan reviennent donc en cédant aux sirènes de Netflix.

Au début le projet « La ballade de Buster Scruggs » était censé se déroulé en mini série de six épisodes. Puis la surprise fut grande de voir les plus célèbres frangins du cinéma être sélectionnés à Venise 2018 pour un film ! En effet non seulement Netflix accepta de compiler leurs épisodes dans un film à sketchs mais en plus de le sortir au cinéma dans les pays où la chronologie des médias ne pose pas de difficultés, ce qui relance l’impact du mastodonte du streaming sur l’industrie.

Et en plus ils sont repartis avec le prix du scénario !

Tim Blake Nelson, James Franco, Liam Neeson, Tom Waits, Zoe Kazan se succèdent donc dans des histoires totalement indépendantes et se situant toutes dans l’ouest américain des westerns bien connus.

Et grande surprise, non seulement c’est très réussi mais en plus aucun des segments n’est en décalage qualitatif total, ce qui était souvent le cas des films à sketchs italiens auxquels les Coen veulent rendre hommage. Chaque histoire est emprunte d’une marque, tantôt un humour mordant comme on les connait tantôt la tragédie de destins assez terribles. Mais il y a toujours ce fil conducteur de la filmographie des frères Coen à savoir des losers magnifiques auxquels on s’attache forcément.

La grande qualité des récits est aussi rythmée par leur durée qu’on ne connait pas du tout, certaines histoires étant beaucoup plus courtes que d’autres et les Coen décidant de couper leur histoire au bon moment pour passer à la suivante et c’est grandement fluide. Le cynisme habituel est de retour et je retrouve enfin la vraie marque des Coen, celle qui leur avait fait défaut lors des derniers opus, à force d’étirer des concepts bons à l’origine sur des durées trop longues.

Le concept de « La ballade de Buster Scruggs » est de jouer sur la répétition avec dans chaque segment sauf les deux derniers, un va et vient qui va assurer au spectateur une surprise puisqu’on ne sait pas quand çà va couper et comment.

Bref cet hommage moqueur, nostalgique et tendre au western est à regarder, même pour ceux qui détestent le genre car ils en auront aussi pour leur compte.

 

N°29 – « First man » de Damien Chazelle

Après ses excellents « Whiplash » et « LalaLand« , le franco-américain Damien Chazelle revient avec un film totalement différent de par son style. Il s’intéresse à Neil Armstrong et à sa préparation qui lui permit de devenir le premier homme à marcher sur la lune le 21 juillet 1969.

La thématique du film aurait dû m’ennuyer profondément tant le thème a été traité de nombreuses fois en documentaires ou au cinéma. Pourtant, Chazelle réussit a raconter ce presque huit clos entre Armstrong et lui-même. On le suit pas à pas du décès de sa petite fille qu’il va intérioriser, durant huit ans d’essais, et accidents jusqu’à l’exploit.

Le film n’est pas hagiographique et montre un personnage qui se renferme à en devenir quasiment autiste vis à vis de son épouse et ses enfants. Ryan Gosling, en grand taiseux est parfait pour le rôle. La concentration sur son but et les épreuves vécues lui créeront des barrières et un isolement certain.

Là où le film est très fort, c’est qu’il entre dans un luxe de détails sur les boutons, la mécanique comme pour montrer l’extrême complexité du métier de ces ingénieurs sportifs tout comme la fragilité des avancées technologiques. Un tâtonnement et des malchances qui couteront de nombreuses vies, ce que la performance historique a souvent tendance à obstruer.

Surtout, Damien Chazelle réussit à faire émerger l’émotion par petites touches, de façon subtile et sans utiliser la truelle et c’est d’autant plus efficace bien évidemment. Et bien sûr, il fuit tout patriotisme naïf. Son côté français probablement…

La grande intelligence du film est de donner une dimension humaine et des failles à cette aventure incroyable tout en ne rendant pas le propos ennuyeux et technique. Cet hyperréalisme est vraiment au service de l’histoire et replace l’épopée dans son contexte, avec un réel suspens.

L’épique vient de cette confrontation entre l’intime et l’infiniment grand, avec simplicité, tout en laissant le spectaculaire s’imposer comme une évidence.

Un réussite indéniable.

 

N°28 – « Blindspotting » de Carlos Lopez Estrada

Le pitch : Encore trois jours pour que la liberté conditionnelle de Collin prenne fin. En attendant de retrouver une vie normale, il travaille comme déménageur avec Miles, son meilleur ami, dans un Oakland en pleine mutation. Mais lorsque Collin est témoin d’une terrible bavure policière, c’est un véritable électrochoc pour le jeune homme. Il n’aura alors plus d’autres choix que de se remettre en question pour prendre un nouveau départ. 

Je n’avais pas du tout prévu de voir ce film et c’est en tombant sur une énorme affiche au Mk2, remplie de citations critiques enthousiastes, que j’ai décidé de tenter le coup. Et ce fut une excellente initiative car « Blindspotting » mérite tout le bien qu’on en dit visiblement depuis Sundance.

Le film traite de ce que c’est qu’un ghetto et du déterminisme social qui veut que lorsqu’un black nait dans ce milieu aux Etats-Unis, sa chance de réussite est clairement plus faible que celle de se faire butter par un flic un peu trop sensible de la gâchette.

Là où le film est très très fort, c’est qu’il opte pour un ton déconnant, adoptant des effets de style entre clip et série pour ados pour mieux abandonner tout effet et livrer des scènes poignantes et flippantes de justesse. Les deux acteurs sont très attachants.

Ce rythme cool et cet humour de tout instant font mouche mais n’en enlèvent pas moins toute la force du propos. C’est un peu comme si la surprise permanente du réalisateur était le maitre-mot du film afin d’éviter les nombreux poncifs qui s’annonçaient à lui.

Les digressions sont nombreuses mais ont toute la même finalité, celle de dresser un tableau complexe des liens entre classe et entre race dans l’Amérique d’aujourd’hui.

 

N°27 – « Nos batailles » de Guillaume Senez

Romain Duris a beau agacer pas mal de spectateurs, pour moi, c’est un très bon acteur. Je me le dis souvent lorsque je sors d’un film où il joue. Et « Nos batailles » en est à nouveau une belle preuve puisqu’il y joue un père de famille sensible, déchiré entre son quotidien au boulot où il doit assurer et ses deux enfants qu’il doit gérer lorsque son épouse disparait du jour au lendemain.

Elle ne donne aucune explication, elle est juste partie, ne supportant plus la difficulté des fins de mois, le poids d’une famille, le poids d’un milieu social.

Guillaume Senez nous fait donc un film social mais dans un style non démonstratif et plus à hauteur d’homme qu’à hauteur de lutte, ce qui évite au film de sombrer dans le grandiloquent et permet au spectateur de rester proche de cet homme laissé à lui-même.

Le film reste drôle et souvent lumineux et c’est aussi ce qui rend le long métrage attachant et poignant, à travers des seconds rôles d’une grande justesse.

La violence du travail en usine, des rapports déshumanisés, se confronte à cette vie à 100 à l’heure, où cet homme abandonné doit gérer ses enfants et les faire attendre, leur donner ou pas des explications. Guillaume Senez est donc un excellent directeur d’acteurs car son film est une réussite notamment pour le naturel avec lequel tout ce petit monde s’entrecroise.

Le réalisateur ne tombe jamais dans la facilité d’effets de mise en scène, préférant compter sur un scénario solide, qui évite le pathos et s’éloigne de la lourdeur dès que l’on craint son apparition. Cette pudeur rend au film un charme très particulier.

 

N°26 – « Jusqu’à la Garde » de Xavier Legrand

Ce premier film de Xavier Legrand est une grande réussite car sur un thème assez banal de divorce et de dispute sur la garde des enfants, le metteur en scène arrive à traiter le sujet de façon immersive et angoissante.

Pour se faire il commence par une scène inaugurale des deux ex-époux qui ne se parlent que par avocat interposé, face à la juge. Chaque avocat donne sa version et le doute est installé chez le spectateur. L’un des deux ment mais lequel ? Est-ce cette femme qui veut couper ses enfants de leur père par égoïsme et vengeance ou est-ce ce père qui est violent et dangereux comme le décrit son ex femme ?

Denis Ménochet est parfait dans le rôle car il est imposant, on l’imagine brusque et capable de s’énerver vite mais on ne peut s’empêcher d’être ému lorsqu’il s’effondre en larmes ou tente de faire comprendre à son fils qu’il l’aime.

D’ailleurs mention spéciale au petit Thomas Gioria qui exprime avec finesse un mélange d’attitude rebelle du pré-adolescent avec une vraie peur.

Léa Durcker est tellement fermée et son regard en dit tellement long qu’on ne sait pas ce qui s’est passé.

Xavier Legrand va alors construire son film comme un thriller haletant, angoissant où tout peut arriver, même le pire du pire et on le sent à chaque instant. Il utilise les codes du film d’épouvante pour bien insuffler au long métrage l’horreur que vit cette famille.

Le film est bouleversant par moments et bascule dans l’oppression en simples spectateurs d’une famille sonnée, sous le choc et qui tente de reprendre vie.

Les violences conjugales ne sont pas des thèmes qu’on a forcément envie de voir au cinéma sauf qu’ici Xavier Legrand a compris comment sortir du quasi documentaire, comment tenir le spectateur en haleine et créer un suspens.

Cet exercice de style est d’une profonde maitrise, dépassant son sujet de société pour vous clouer au fauteuil dans un final que vous ne risquez pas d’oublier.

Un grand réalisateur est né.

 

N°25 – « Pentagon Papers » de Steven Spielberg

Steven Spielberg est l’un des grands maitres du septième art, connu et reconnu tant pour ses chefs d’œuvre de divertissement (Les dents de la mer, Indiana Jones, Jurassic Park,Catch me if you Can), ses films de SF ( ET, Rencontre du troisième type, Minority Report, La Guerre des mondes), que pour ses films historiques souvent engagés (Il faut sauver le soldat Ryan, Munich, La liste de Schindler, Lincoln, Le Pont des Espions).

Ici c’est dans cette dernière catégorie que Steven, 71 ans, nous revient avant de cartonner probablement de nouveau dans le gros film SF d’ici deux mois avec « Ready Player one« .

Et que de mieux que de donner un double rôle en or à deux acteurs multi oscarisés, son ami Tom Hanks, et l’immense Meryl Streep, 68 ans et toujours aussi impressionnante.

En s’intéressant à cette histoire antérieure de 3 ans à l’affaire beaucoup plus connue du Watergates, Spielberg décrit une enquête journalistique et un courage d’hommes et de femmes qui ont permis au quatrième pouvoir de s’affirmer via la Cour Suprême et de donner la possibilité au Watergate d’éclater.

Alors certes, on est tous derrière ces journalistes courageux, cette femme victime d’un sexisme bien ancré et il y a comment dire…des bons sentiments. Mais là où ceci devrait sonner comme une évidence, les récents évènements à Hollywood ou en Amérique avec un Trump qui bafoue et attaque la presse de façon quotidienne, et bien ceci fait du bien. En démocrate convaincu qu’il est depuis toujours, Spielberg a voulu faire un film militant en regardant dans le rétroviseur. La générosité de son regard associée à son talent de mise en scène et de conteur d’histoires font de ce « Pentagon papers » un film nécessaire. On y voit une éthique et un courage qu’il faut montrer puisque ce n’est pas tant une évidence que cela.

Cette femme propriétaire du Washington Post va braver ses contraintes et pressions sociales pour autoriser la publication d’articles sur des documents classés confidentiels mais remettant en cause l’éthique des politiques, y compris de ses propres amis. Et son rédacteur en chef joué par le toujours très bon Tom Hanks, va enchainer avec elle des discussions sur la complicité avec le pouvoir, le rôle du journalisme et chacun va reconnaitre ses erreurs. De là va naitre une nouvelle idée du journalisme, désireuse de se tenir à distance du copinage avec les politiques là où tout était mélangé dans les années 60.

Et puis c’est un film profondément féministe sur une femme qui s’affirme alors que depuis des années elle dirige le journal pour aider, pour remplacer son défunt mari. Les hommes continuent à lui conseiller très vivement ce qu’elle doit faire et même lui conseiller de passer la main car c’est une femme. Et peu à peu sa fierté va se révéler au contact de cette affaire.

Spielberg est malin car il associe cette émancipation du journalisme par rapport au politique à cet affranchissement du diktat des hommes sur le destin d’une femme. C’est bien évidemment jouissif ! On en ressort avec de beaux principes et toujours cette luminosité et cette foi sans faille qu’a Spielberg dans l’humain. Mais le réalisateur ne verse pas dans le manifeste facile et mélo et ne perd jamais de vue que son film doit être fluide. Il le présente donc en thriller au rythme redoutablement efficace.

« Pentagon Papers » est un grand film politique, haletant, engagé et qui vise juste.

 

N°24 – « Les Veuves » de Steve McQueen

Le réalisateurs des excellents « Hunger » et « Shame » avait connu la consécration du grand public avec  son film oscarisé « 12 years a slave« .

Il revient quatre ans après avec un film totalement différent de par le style puisqu’il s’agit d’un film de braquage féministe dont le premier rôle est tenu par une actrice noire, Viola Davis. Et le moins qu’on puisse dire, c’est que son film tient la dragée haute au genre non seulement de par son rythme et son suspens que de par l’originalité du traitement.

Des veuves de quatre braqueurs qui se sont fait descendre par la police sont contraintes de terminer le travail de leur époux pour sauver leur vie.

Le pitch est simple, efficace et il ne faudrait pas s’arrêter à cela. Son film est certes un divertissement hyper bien huilé mais il y insère de la politique, une critique acerbe et désenchantée de la corruption mais surtout Steve McQueen casse les codes des archétypes du personnage de film de braquage. On est surpris sans cesse par chaque personnage dont le caractère est rarement celui qu’on pourrait anticiper. Colin Farrell en est l’exemple parfait. Son personnage est un fils à papa qui n’a jamais manqué de rien et profite du népotisme de son père joué par le grand Robert Duvall (87 ans !). Mais il est complexe dans ses questionnements, la vie et le destin qu’on lui a tracé.

Ainsi les personnages sont souvent bien écrits et ont un relief qui donne à l’ensemble du film une richesse plus forte que dans nombre de films du même style cinématographique.

Ce thriller protéiforme et féministe est porté par un casting excellent et s’avère l’un des très bons films de cette fin d’année à voir en salles.

 

N°23 – « Le Monde est à toi » de Romain Gavras

Le fils de Costa Gavras est en train de se faire un prénom et c’est tant mieux. Car c’est mérité même si le bonhomme se fait rare. Il aura fallu 8 ans pour qu’il retrouve Vincent Cassel après notre « Notre jour viendra« .

Et pour ce faire, Romain Gavras choisit de changer totalement de style. « Le Monde est toi » emprunte souvent à la comédie britannique façon Snatch ou aux frères Coen et c’est très surprenant pour une production française

On y suit François, dealer dont la mère est ultra castratrice et lui confisque ses économies. Jouée par une Isabelle Adjani au sommet, cette femme haute en couleurs et vampirique se trouve  être chef d’un gang de femmes pickpockets. Adjani est juste géniale dans son rôle et vaut à elle seule le détour pour ses répliques et le délire qui traverse son regard et sa dégaine hilarante.

Karim Leklou joue ce fils au rêve décalé par rapport à son quotidien barré mais pourtant ultra réaliste et pragmatique. Il veut devenir distributeur officiel de Mr Freeze au Maghreb !  Karim Leklou est parfait dans ce décalage de ton permanent, cette bonhommie apparente sous laquelle on sent évoluer une volonté farouche de s’en sortir. Ceci donne à la comédie un tour plus profond et ce n’est pas désagréable. Les petites frappes qui l’accompagnent de force dans son épopée sont très drôles par leur bêtise.

Quant à son homme de main, Henri, il est joué par un Vincent Cassel  qui a du s’éclater dans le phrasé de son personnage complètement à côté de la plaque. Là aussi, le sourire arrive de façon récurrente.

Et puis surtout, « Le Monde est à toi«   n’est pas qu’une série de gueules et de bon choix de casting, c’est aussi une mise en scène de très grande qualité et fluidité pour une comédie, genre où en France on retrouve souvent de la paresse et de l’image plutôt laide. Ici Romain Gavras use de tous les artifices du film de genre façon casse et met l’accent sur une bande-son entre vintage populaire et électro ou rap du moment. Ceci donne du corps au rythme.

Le film peut cependant décevoir par le fait qu’il ne plonge pas toujours à fond dans le gros délire, alors qu’il en a toutes les clés. D’autres y verront un dérivé de meilleure qualité des productions Besson des années 90-2000. Ce côté faussement provoque du film est la limite de la réussite du film et c’est dommage.

Le contre-emploi des acteurs compense l’aspect faussement déjanté du scénario et livre au final un divertissement plutôt original dans le paysage français, que j’encouragerai d’un « petit » 4 lapins…

 

N°22 – « Cold War » de Pawel Pawlikowski

Pendant la guerre froide, entre la Pologne stalinienne et le Paris bohème des années 1950, un musicien épris de liberté et une jeune chanteuse passionnée vivent un amour impossible dans une époque impossible.

L’un des chocs du dernier festival de Cannes et prix de la mise en scène mérite vraiment son accueil excellent.

Pawel Pawlikowski use d’un superbe noir et blanc et d’un duo d’acteurs très incarné en la présence de la solaire Joanna Kulig et du ténébreux Tomasz Kot.

Le réalisateur choisit une grande simplicité une épure pour raconter cette superbe histoire d’amour fou impossible, où les amants ne peuvent ni vivre l’un sans l’autre ni l’un avec l’autre. A travers le années, il parcourt la guerre froide, l’instrumentalisation par la propagande d’artistes qui préfèrent la restriction de libertés au fait d’être séparés.

Le film est romantique dans sa définition la plus évidente et a le mérite d’être ramassé sur 1h27, ce qui donne à cette aventure sur 15 ans un rythme où il est impossible de s’ennuyer. On ne comprend pas au début pourquoi ces ellipses nous propulsent plusieurs années après, à faire des bonds de temporalité en temporalité, de pays en pays. Mais c’est pour mieux nos faire toucher du doigts cette force de la passion sur la durée.

La mélancolie et le plaisir se côtoient dans une même scène. Cette tragédie est un beau poème, à ne pas louper.

 

N°21 – « Les Garçons sauvages » de Bertrand Mandico

Curieux film que ce premier film où cinq adolescents de bonne famille commettent un crime et sont punis en devant suivre le Capitaine dans une croisière dont le but et de les transformer. Sauf qu’ils se mutinent et que l’île sauvage sur laquelle ils échouent n’est pas qu’une île.

Je préfère avertir tout de suite, « Les Garçons sauvages » devrait déplaire à bon nombre dès lors qu’il nécessite d’accepter de lâcher prise et d’entrer dans l’univers de Bertrand Mandico. Pour incarner ces jeunes hommes, il prend des actrices et on comprendra vite pourquoi. Son film est à la fois queer et fantasmagorique.

Il mêle poésie et sensualité autour de certaines scènes certes symboliques mais plutôt osées. Là où cet univers aurait pu tomber dans le ridicule, le film d’auteur aux imageries douteuses, au contraire le déroulé du film se suit étonnamment sans aucun ennui et même une curiosité. Car le film est lui-même un OVNI.

Les évènements surnaturels sont en technicolor et la créativité de l’ensemble de cette imagerie force le respect. On évolue dans un long rêve éveillé,  on est surpris par la technicité et les trouvailles pour étonner l’œil. On en ressort comme en se réveillant, un peu entre le perplexe des incohérences et la fascination pour ce que le cerveau est capable de mixer.

Le film est onirique et c’est souvent casse gueule de tenter ce style car le risque est de rejeter le public en rendant l’objet opaque. Au contraire, le punk assumé de la thématique, entre féminisme et discours LGBT en sous textes, est assez curieux. D’habitude, ce type de cinéma se veut revendicatif et porteur de messages. Là, il évolue vers des hallucinations tout en suivant un conte initiatique.

Cette liberté et cet érotisme pas banal font de ce film romanesque une des belles réussites du cinéma hexagonal en 2018.

 

N°20 – « Une affaire de famille » de Hirokazu Kore-eda

La Palme d’Or 2018 revient donc au japonnais Hirokazu Kore-eda qui comme à son habitude (Notre petite sœur, Tel père tel fils), nous parle de son thème de prédilection, la cellule familiale.

Au retour d’une nouvelle expédition de vol à l’étalage, Osamu et son fils recueillent dans la rue une petite fille qui semble livrée à elle-même. Très rapidement l’ensemble de la famille va adopter l’enfant et s’en prendre d’affection.

Kore-eda choisit la fable sociale avec ces affreux, sales et méchants japonais, pour nous raconter que la famille n’est pas forcément liée u sang mais qu’une famille choisie est bien plus forte. Il dépeint le portrait de roublards qui volent et arnaquent mais ont un cœur. Le couple central de la famille ne peut pas avoir d’enfants mais aime les enfants même si ce qu’il leur inculque est le vol et non les bonnes manières.

Le réalisateur choisit de filmer en quasi documentaire ces personnages hauts en couleur, souvent drôles et qui n’ont rien à perdre car la vie ne leur a rien donné.

Le film est solaire et très positif, axé sur le côté généreux des personnages, même des plus sombres comme cette grand-mère dont on se méfie et qui semble cacher de lourds secrets. Mais Kore-eda ne nous en montre que les aspects sympathiques, laissant le côté sombre s’expliquer en quelques scènes. Surtout, il rend attachant chacun d’entre eux et nous donne envie de croire en leur bonne fortune, en leur idéal de vie, hors des lois qu’un Etat peut tolérer.

Son film est simple et émouvant et touche juste. Il fait fi de la morale pour mieux décrire ce quotidien de bric et de broc d’une famille composée de toutes pièces qui accède au bonheur d’être ensemble.

Cette chronique sociopolitique a su toucher le jury du festival de Cannes et ne pourra pas vous laisser insensibles de part sa minutie et la justesse de son message.

 

N°19 – « Shéhérazade » de Jean-Bernard Marlin

Zachary a 17 ans et sort de prison. Sa mère ne veut pas de lui et on comprend vite qu’elle ne l’a pas éduqué du tout d’où le résultat. Il s’échappe de la résidence pour jeunes adultes où il est censé rester sous surveillance, et retrouve ses vieux potes dealers de Marseille. Il rencontre Shéhérazade, jeune prostituée dont il va devenir le protecteur puis le mac tout en tombant fou amoureux.

Ce premier film est une excellente surprise de part son thème et la justesse de ses acteurs. On y vit le quotidien violent et dangereux de ces adolescents qui s’expriment dans un français parfois approximatif ou parsemé d’argot et expressions de leur quartier. Et c’est con mais çà rend la chose carrément plus crédible. Le fait que les acteurs soient des non professionnels est l’une des clés de l’impact émotionnel du film. Car loin de tomber dans un voyeurisme, Jean-Bernard Marlin arrive à faire naitre devant nos yeux une histoire d’amour aussi touchante et désarmante qu’elle est spontanée et vive. 

C’est probablement parcequ’il trouve les mots et les situations pour insuffler du romantisme dans un milieu sordide et une histoire qui ne s’y prête pas du tout.

Le film est puissant car il allie naturalisme quasi documentaire et ficelles du thriller sans que l’on se rende compte du glissement. Cette mise en abimes sobre qui ne cherche pas la démonstration de mise en scène, permet au film d’être d’autant plus beau dans sa conclusion.

C’est assurément la surprise de cette rentrée de septembre à ne surtout pas louper.

 

N°18 – « L’île aux chiens » de Wes Anderson

Wes Anderson est l’un de mes réalisateurs chouchous pour son univers reconnaissable entre mille, empli de nostalgie pour l’enfance et d’un humour décalé entre l’absurde et le livre d’images pour enfants. Son « Fantastic Mr. Fox« , première incursion dans l’animation en stop motion (image par image) de marionnettes avait ravi critiques et fans tant son univers s’y trouvait transcrit de manière épique et drôle.

Avec « L’île aux chiens« , il retrouve une seconde fois cette technique pour rendre vivants des toutous que le vilain maire d’une grande ville japonaise a parqué sur une île à cause du virus qui les affecte. Son neveu décide lui d’aller récupérer son chien Spots. Son avion s’écrase sur l’île et il va tomber sur une bande de chiens, des mâle Alpha qui vont l’accompagner dans sa quête.

Ces explorateurs canins sont immédiatement empathiques avec leurs cas de conscience typiques du cinéma d’Anderson. Ce qui frappe, c’est cette histoire perchée, emplie de folie douce et très très loin du cynisme ambiant qui traverse souvent les comédies. Ici, l’histoire est tendre sans être mièvre, marrante sans être sombre. L’esthétisme du film est assez bluffant, regorgeant de trouvailles comme ce mélange de 2 D et de marionnettes selon que nous avons à faire à des retranscriptions télévisuelles ou à la vraie vie.

Le film a surtout un rythme assez soutenu qui empêche toute baisse de régime. Le propos est humaniste, écologique et étonnamment politique. La poésie qui se dégage de l’ensemble du long métrage est aussi touchante que celle qu’on pouvait ressentir dans « Moonrise Kingdom« .

La fantaisie et l’originalité se font reines à travers ces êtres inanimés auxquels Wes Anderson et ses équipes ont donné une incroyable dose d’humanité et de souffle canin.

La mélancolie d’Anderson frappe encore avec justesse et éblouit le long métrage qui s’avère un excellent opus de sa filmographie.

 

N°17 – « Guy » d’Alex Lutz

J’aime beaucoup Alex Lutz comme comique, plus pour ses spectacles que son personnage de Liliane qui l’a rendu célèbre. Mais comme une malédiction suit nombre de comiques qui quand ils veulent devenir cinéastes, se plantent et perdent toute inspiration. Ce fut le cas de sa première réalisation, « Le talent de mes amis« , sorti en 2015 dans la plus grande indifférence tant il était raté. Mais Lutz aime monter à cheval depuis quelques années et s’est remis en selle d’une façon des plus classes en trouvant un pitch excellent.

Gauthier, un jeune journaliste décide de proposer à Guy Jamet, un artiste de variété française à la gloire passée, de le filmer pour tourner un reportage sur lui. Il le fait car il a  appris de sa mère qu’il était son père, sans le savoir.

Pour interpréter Guy, Alex Lutz a eu droit à 5 heures de maquillage par jour et çà se voit. Incroyable résultat car on le reconnait bien évidemment mais il n’a pas l’air grimé, il est juste un vieil homme. Ensuite Alex Lutz donne à son personnage une densité tragique véritablement touchante.

Il est égoïste, coureur de jupons, il vit dans le passé de sa gloire mais pas uniquement. Guy est conscient de sa décrépitude qu’il accepte, il profite juste des derniers moments de gloire, des derniers concerts, de son cheval, de sa femme plus jeune que lui. On le voit se confier face caméra et là où l’exercice aurait pu tourner à un très mauvais sketch, on se prend à s’attacher au personnage, à ses fêlures, ses regrets jusqu’à le trouver sympathique. Il est assez seul au final, il a raté sa paternité avec son seul fils officiel et Alex Lutz arrive à nous émouvoir entre deux blagues, deux sourires.

En fait Lutz réussit brillamment son film car il ne cherche pas à en faire une comédie. Rassurez-vous, il est drôle à maintes reprises mais toujours teinté de bienveillance pour son personnage et de nostalgie pour une époque seventies où tous les excès étaient possibles. Il renvoie aussi à notre inconscient collectif, à ces stars mortes ou has been qui ont baigné notre enfance et s’éloignent peu à peu. Des figures tantôt rassurantes tantôt synonymes d’une culture populaire qu’il est de bon ton de snobber même si plusieurs générations ont dansé dessus.

Avec Guy, Alex Lutz réussit un très bel exercice d’équilibriste et prouve qu’il est un artiste complet, et un excellent acteur.

 

N°16 – « Un Couteau Dans le Coeur » de Yann Gonzalez

« Un Couteau Dans le Coeur » est typiquement le genre de film qui divise entre ceux qui détestent et ceux qui adorent. Je fais partie des seconds pour de multiples raisons bien que je comprenne tout à fait ceux qui ont trouvé le nouveau film de Yann Gonzalez proche du navet.

Car ce réalisateur très prometteur donne au cinéma français une respiration libertaire qui lui manquait depuis quelques temps, en forçant énormément le trait stylistiquement. Vanessa Paradis est particulièrement touchante dans le rôle de cette productrice de porno gay, dans les années 70, qui cherche à reconquérir la compagne qui vient de la quitter et dont les acteurs se font assassiner les uns après les autres. Nicolas Maury, qu’on a découvert dans la série 10%, apporte au film une touche décalée supplémentaire aux nombreux atouts du film. Il est la révélation du film et excelle dans chacune de ses scènes avec un mélange d’humour et d’autodérision qui font mouche.

Quant à Yann Gonzalez, il décide d’utiliser une bande-son mélancolique pour accompagner tant ses scènes de meurtre que les scènes de tournage de film de cul, mais choisit aussi de coller tellement à l’esthétique seventies et pop qu’il en devient caricatural. Et loin de me gêner, cette caricature créé une atmosphère, une bulle en dehors du temps qui renforce l’aspect mélancolique et libertaire de l’ensemble.

Ces individus n’ont rien à perdre et vivent en parias certes et au moment où un meurtrier les prend pour cible, une espèce de naïveté les maintient tels des animaux en pleine nuit surpris par les phares d’un véhicule. Ils restent incrédules face au destin et le film avance ainsi tel un rêve, baigné entre réalité, cauchemar et fantasmes. Des instants oniriques ou complétement perchés parsèment de temps en temps le film comme cette fin magnifique.

Le film mélange ainsi les genres, voire les sous-genres et la série B pour notre plus grand plaisir. Le mélo est attachant mais se transforme en comédie puis parfois en slasher, mais toujours en prenant des risques. Il marche sur un fil super casse gueule et çà fait plaisir de voir cette prise de risque et cet équilibre fragile fonctionner jusqu’au bout.

Le film dégage tant de la sensualité que des évocations poétiques sur un ton totalement décalé et donc rafraichissant. On voit rarement de l’audace dans la mise en scène dans les productions nationales du moment. Là il y en a une.

Alors oui, on peut trouver le film surfait, trop maniéré, trop clipé parfois ou on peut aussi se laisser porter par cette proposition de cinéma vraiment originale et gonflée, stylée. Un film étrange et lyrique à la fois extrêmement réussi.

 

N°15 – « Blackkklansman » de Spike Lee

C’est donc à 61 ans que Spike Lee, qui s’était un peu dilué dans des productions plus conventionnelles, revient en force et remporte le prestigieux Grand Prix du festival de Cannes 2018.

Il faut dire que pour ce retour détonnant, le réalisateur choisit de parler de nouveau de racisme mais use d’un ton humoristique et narquois d’une efficacité redoutable. Et ce qui est le plus réussi, c’est le décalage qu’il entretient en permanence entre le côté sarcastique et le fait que c’est l’adaptation d’une histoire vraie. On reste incrédule devant la crasse intellectuelle des membres du Klu Klux Klan que l’on entend et voit à l’écran. Il arrive à faire sourire de ces dangereux  fascistes pathétiques tant ils sont ridicules ou idiots puis à nous glacer le sang dans la foulée tant ils sont déterminés et sans aucune limite. A ce titre la fin du film joue à fond ce chaud froid et vous cloue au fauteuil.

« Blackkklansman » choisit donc la charge victorieuse contre Donald Trump et une partie de son électorat en revenant aux sources du mal. L’histoire se déroule donc au début des années 70, en pleine lutte pour les droits civiques. Ron Stallworth est noir et devient le premier officier noir américain du Colorado Springs Police Department. Il subit alors le racisme quotidien et ultra répandu de ses collègues blancs. Lui prend alors une idée saugrenue, il appelle le Ku Klux Klan et se fait passer pour un blanc. Sauf que sa façon ironique et caricaturale de déverser une haine sur les noirs marche tellement bien que le nazi à l’autre bout du fil n’y voit que du feu et lui propose d’intégrer le Klan. Ses supérieurs vont donc l’autoriser à les infiltrer via un collègue blanc qui jouera son personnage.

L’histoire du film est tellement absurde et les personnages infiltrés tellement hallucinants, que « Blackkklansman » ne peut que vous marquer par la justesse et la simplicité de son propos. Et Spike Lee a l’intelligence de le faire sans grande démonstration théorique. Son pamphlet politique use du rire et de invraisemblance de l’histoire pour dérouler sa mise en scène extrêmement fluide.

Mais il sait aussi rester dans sa thématique du thriller pour garder le suspens jusqu’au bout et ne jamais trop s’éloigner de l’horreur et de la bouillie conspirationniste qui flotte dans les cerveaux malades de ces  membres du KKK.

Le résultat est juste d’une efficacité imparable car il mêle action et réflexion tout au long du film. Il réussit à pondre un divertissement à partir d’une thématique qui ne s’y prête pas forcément et qui peut s’avérer pompeuse et casse gueule. Ce coup de poing militant fait du bien et c’est rassurant de voir Spike Lee revenir à ce niveau. Il nous manquait. La farce est féroce et pugnace, elle a un goût bien flippant sur la fin mais c’est de cette façon qu’on évite aux consciences de s’enkyloser. C’est l’un des rôles d’un cinéaste que de témoigner et s’en est un autre de divertir. C’est très fort de lier les deux. Et c’est d’autant plus fort de lier l’Amérique encore ségrégationniste des années 70 à une certaine Amérique fasciste de Trump.

 

Voilà pour la première partie du classement mais vous allez voir, la seconde partie réserve des surprises et vous ne serez probablement pas d’accord avec tout )

Mais l’année 2018 a été particulièrement riche en bons films, peut-être pas en chefs d’œuvres mais en excellentes réussites et en surprises.

En attendant la suite du classement, joyeux Noël !

 

 

Cet article a été publié le 23 décembre, 2018 à 12:05 et est catégorisé sous Dossiers, Films - critiques perso, Les meilleurs films du Blanc Lapin. Vous pouvez suivre les réponses à cet article par le fil RSS 2.0. Vous pouvez laisser un commentaire. Les trackbacks sont fermés.