Archive pour décembre, 2019

Jean Pierre Jeunet revient avec des robots et sur Netflix

31 décembre, 2019

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Jean Pierre Jeunet s’est fait rare dans les années 2010.  Après le carton d’Amélie Poulain en 2001, Un long dimanche de fiançailles déçut quelques peu en 2004 puis Micmacs à tire-larigot fut un échec en 2009 par sa déception critique (pas catastrophique mais lassée) et publique (1,2 millions pour un réalisateur chouchou). Et donc il ne réalisa que  L’Extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Spivet en 2013, aux Etats-Unis, pour un accueil là-aussi mitigé. Bref, le modjo était parti et à 66 ans pour Jean Pierre, j’espérais que ces 7 longues années ne signifient pas une longue retraite. Car au final, des réalisateurs français avec un tel univers et un tel talent, il y en a peu.

C’est une nouvelle fois Netflix qui va permettre à un grand nom de trouver son financement. Le nouveau projet de Jean-Pierre Jeunet s’intitulera Bigbug et sera tourné en français, 7 ans après son précédent long métrage.

On y suivra un groupe de banlieusards enfermés ensemble par  leurs robots domestiques bien intentionnés et souhaitant les mettre à l’abri d’un soulèvement des androïdes.

On espère donc un retour en grande forme de notre rêveur made in France. Il s’agira probablement de l’un des projets alléchants qui sortira courant 2021.

 

 

Les meilleurs films 2019 du Blanc Lapin : N°11 à N°1

30 décembre, 2019

Allez on termine l’année 2019 avec le classement des 11 films préférés, la première partie étant ici si vous l’avez loupée.

 

N°11 – « L’heure de la sortie » de Sébastien Marnier

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Lorsque Pierre Hoffman intègre le prestigieux collège de Saint Joseph il décèle, chez les 3e, une hostilité diffuse et une violence sourde. Est-ce parce que leur professeur de français vient de se jeter par la fenêtre en plein cours ? Parce qu’ils sont une classe pilote d’enfants surdoués ? Parce qu’ils semblent terrifiés par la menace écologique et avoir perdu tout espoir en l’avenir ? De la curiosité à l’obsession, Pierre va tenter de percer leur secret…

Porté par un excellent Laurent Lafitte, le film de Sébastien Marnier est l’une des très bonnes surprises du cinéma français en 2019. Il est en effet rare que le cinéma de genre soit traité en France de façon fine et sans tomber dans trop de clichés ou sans décevoir par son épilogue.

« L’heure de la sortie » arrive à créer une atmosphère pesante entre thriller psychologique et codes du film horrifique voire fantastique pour nous parler d’écologie. Oui, je sais, ce n’est pas évident en lisant le pitch et c’est tout l’intérêt de cet excellent film que de se laisser porter et surprendre par son récit et là où il veut nous mener au final.

La bande d’adolescents supérieurement intelligents est à baffer du début à la fin et c’est super car ceci accentue la destination des personnages que l’on peut avoir et le mélange des pistes que souhaite créer le metteur en scène.

Cette mise en scène est d’ailleurs léchée et déconcertante de par certains de ses choix, surprenante toujours. Le film nous parle de la jeunesse d’aujourd’hui ou d’une certaine jeunesse, de leur prise de conscience via une ambiance sonore et hypnotique rare.

Un film étrange qui fait réfléchir sur notre avenir.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°10 – « The Lighthouse » de Robert Eggers

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Robert Pattinson est typique du genre d’acteur qui m’a considérablement gonflé et a conquis peu à peu mon respect de cinéphile par ses choix intelligents de carrière et par son talent qu’il développe. Issu des irregardables Twilight, il a su enchainer Cosmopolis et Maps to the stars de David Cronenberg, il est passé chez James Gray dans l’excellent « The lost city of Z« , il s’est ensuite fait diriger dans le très bon « Good time » des frères Safdie, puis dans l’excellent « High life » de Claire Denis. Avant de faire partie du Tenet de Christopher Nolan en 2020 et d’être le nouveau Batman en 2021, l’acteur nous prouve ici qu’il peut aller très loin dans cet Ovni qu’est « The Lighthouse« . Il y joue un jeune homme embarqué sur un phare avec un vieil homme tiranique pour garder ce dernier. Et le duo composé par l’excellent et régulier Willem Dafoe et Pattinson offre une joute assez bluffante. Les deux vont tomber dans une spirale de folie assez prodigieuse portés par une mise en scène ultra référencée de Robert Eggers.

Au-delà de ses trouvailles visuelles, de son superbe noir et blanc, de son découpage, de sa musique, le talent de ce réalisateur prometteur éclate au grand jour et nous fait espérer la naissance d’un grand cinéaste.

Le réalisateur use certes d’artifices déjà vus par ailleurs mais bien souvent les plus grands s’inspirent de leurs prédécesseurs et les citent pour mieux créer leur propre univers. Cette démonstration est en tout cas très convaincante.

On ne sait pas si l’auteur se rapproche de Sartre et nous dépeint une allégorie de l’enfer ou simplement l’enfoncement d’un être dans la folie et dans sa propre tête malade.

La forme et l’esthétique n’empêchent pas la tension de se créer et les interrogations d’apparaitre entre fulgurances horrifiques et dialogues illuminés d’un Willem Dafoe au sommet. Le film est anxiogène mais pas plombant, jouant sur l’épouvante sans jamais s’y plonger totalement, dans le but ultime de laisser le spectateur interrogatif.

Une très grande réussite pour terminer 2019.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°9 – « Portrait de la jeune fille en feu » de Céline Sciamma

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Après « Naissance des pieuvres« , ‘Tomboy » et « Bande de filles« , la réalisatrice et scénariste Céline Sciamma est revenue en compétition à Cannes avec ce film en mai 2019.

Le film est reparti avec le prestigieux Prix du scénario même si il pouvait viser plus haut tant la presse fut excellente. Mais il y avait d’autres concurrents dont le génial Parasite.

Il est vrai que l’histoire est somme toute très originale, ce qui fait un bien fou dans cette période où remakes et reboots envahissent Hollywood.

Le pitch : 1770. Marianne est peintre et doit réaliser le portrait de mariage d’Héloïse, une jeune femme qui vient de quitter le couvent. Héloïse résiste à son destin d’épouse en refusant de poser. Marianne va devoir la peindre en secret. Introduite auprès d’elle en tant que dame de compagnie, elle la regarde.

Céline Sciamma ne fait pas que filmer la condition d’une femme et la marchandisation future de sa vie pour le bien de sa mère et de sa famille. Elle filme surtout la retenue que leur impose leur éducation et qui enserre la passion qui va s’enflammer.

Cette frustration immense qui nait devant nos yeux est dévorante et s’appuie sur grande délicatesse du découpage de son scénario sur la durée.

Voire le désir naitre, entre deux femmes du 18ème siècle qui plus est, aurait pu prendre de multiples formes mais la réalisatrice choisit une poésie et un naturalisme qui vous attachent aux personnages malgré la rigueur de leur quotidien, de leur destinée et des conventions avec lesquelles elles jouent. C’est une ode à la littérature et la peinture, à l’art tout simplement pour s’échapper de l’archaïsme social.

Le travail sur les gestes, les postures et la couleur des scènes est remarquable. Céline Sciamma capte le temps et le souvenir avec un talent évident.

« Portrait de la jeune fille en feu » est une œuvre solaire et moderne portée par deux interprètes excellentes, Adèle Haenel et  Noémie Merlant.

C’est un film élégant, esthétique et déchirant à la fois. Un des très bons films français de 2019.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°8 – « Les Misérables » de Ladj Ly

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Ladj Ly  adapte son long métrage qui avait déjà reçu de nombreux prix et a décroché le prix du jury au dernier festival de Cannes.

Le film suit les premiers jours de Stéphane, policier tout juste intégré à la BAC du 93, ,la Brigade Anti-Criminalité de Montfermeil. Ses deux co-équipiers  se font respecter étant eux mêmes aussi provocants et violents dans leurs attitudes que la population et la jeunesse qu’ils côtoient jusqu’à …

Évidemment le film force le respect par la justesse et le recul que prend le réalisateur sur l’état des cités et de leur abandon, sur la déliquescence du lien social. Son constat est sombre même si l’humour alterne avec l’extrême tension et violence qui gère les rapports entre chaque groupe. Il y montre notamment l’impact et l’enracinement d’un Islam radical qui apporte un certain cadre ou la gestion mafieuse par quelques caïds ou le climax de guerre civile entre clans. Mais le réalisateur se concentre aussi sur le rapport des policiers aux très jeunes délinquants, de plus en plus jeunes sans porter de jugement. Il n’excuse ni les adolescents ni les flics aux comportement souvent discutable mais il tente d’expliquer pourquoi ils en sont arrivés là.

Leur quotidien sous pression est évident de par l’antagonisme extrême entre leur rôle et la perception ou la haine de la population. Quant aux enfants, il ne juge pas non plus leurs parents mais fait un constat, celui que la cité enferme des enfants qui deviennent des bêtes en cage, dangereux pour eux mêmes et pour les autres et qu’il y a peu d’espoir dans l’état actuel.

L’empathie profonde de Ladj Ly pour ses personnages transparait, aucun n’étant caricaturé. Sa narration est très bien maitrisée de bout en bout, nous amenant par petites touches de ce quotidien déjà hallucinant à une conclusion sous forme d’uppercut.

L’état des lieux a beau être catastrophique, le film a le mérite de soulever des questions qu’on aborde certes depuis des décennies mais sur lesquels des visages ont plus d’impact. Le réalisateur n’a aucune solution et c’est ce qui est flippant mais il pose un diagnostic édifiant.

Un grand tour de force narratif et un talent de mise en scène évident servi par une excellente distribution.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°7 – « Marriage Story » de Noah Baumbach

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Noah Baumbach est un réalisateur de grand talent, sensible, intellectuel New-Yorkais jusqu’au bout des ongles. On se souvient de son magnifique Francès Ha.

Pour son second film produit par Netflix, il décide de nous conter l’histoire d’un divorce entre un scénariste de théâtre et son épouse, comédienne. On y voit les déchirements classiques autour de leur fils, du lieu de résidence, des petites choses et mesquineries qui s’infiltrent peu à peu, exacerbés par deux avocats horribles campés par les excellents Laura Dern et Ray Liotta. Ou comment le système judiciaire américain est une industrie de la confrontation ou les avocats coûtent une fortune et peuvent accroitre les problèmes pour justifier leurs honoraires.

Mais surtout le duo d’acteurs est exceptionnel. Scarlett Johansson est tour à tour touchante, resplendissante, furieuse et surtout particulièrement sur le fil du rasoir. Elle exprime tous les doutes qui la traversent quant à son choix et toute la difficulté de faire le deuil d’un amour et d’une vie de couple.

Face à elle, Adam Driver est brillant et confirme qu’il est l’un des acteurs qui compte désormais à Hollywood. Sa démarche masculine et sa voix rauque, les certitudes de son personnage et son incrédulité de départ face à ce qui lui arrive, face à l’évidence que son monde ne peut s’effondrer, rendent encore plus touchant ses moments de solitude comme de rage. Une scène d’insultes entre les deux époux en plein divorce est assez déchirante en soit.

Bien souvent « Marriage Story » vous tire des larmes. Parfois c’est devant la rudesse de ces combats et de la petitesse des attaques, parfois face à la nostalgie des moments heureux où le simple constat du temps qui a passé et a finis par faire son œuvre.

L’ambivalence des sentiments des deux protagonistes donne à leur lutte un côté déréglé et factice qui trouble lorsque la réalité de leurs choix refait surface. Car bien souvent, c’est cette nuance qui prédomine quant la colère s’endort.

La finesse d’écriture du scénario tout comme le choix des scènes et de leur découpage saccadés sont brillants de bout en bout, prouvant une fois de plus que Noah Baumbach n’est pas qu’un excellent directeur d’acteurs, c’est aussi un réalisateur inspiré et doué. Son film est sobre et d’autant plus puissant dans ses émotions. Il utilise des moments si criants de vérité et de simplicité que l’effet du film est forcément décuplé.

Il utilise un rythme parfois violent, faisant des allers retours entre orages et accalmies sur les sentiments des protagonistes, laissant espérer que ce fleuve n’ira pas jusqu’au bout mais la vie avance et pas toujours dans le sens voulu et c’est tout le sujet de son film, un film sur le temps et la mutabilité des sentiments face à ce dernier, voulue ou forcée.

Un grand film.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°6 – « Grâce à Dieu » de François Ozon

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François Ozon s’intéresse pour la première fois à une histoire vraie et quitte la fiction pour signer un brulot politique auquel on ne peut qu’adhérer.

Il va suivre plusieurs libérations de la parole et plusieurs combats d’hommes adultes ayant subi les sévices sexuels d’un prêtre, inspiré sans aucune précaution de l’histoire du prêtre Bernard Preynat, dont l’affaire est aujourd’hui traitée devant la justice. Ozon ne s’embarrasse pas de changer les noms puisque non seulement on le sent révulsé par l’affaire mais surtout le prédateur a avoué ses crimes. De la même façon, le cardinal Barbarin voit son nom utilisé tel quel, Ozon préférant prendre le parti des victimes et assumer jusqu’au bout, sans hypocrisie aucune. Il nous montre l’aveuglement du cardinal lyonnais et son incapacité à agir voire à minimiser les faits, axant sur le pardon de la première victime qui se manifeste en 2014 et utilisant la profonde croyance du personnage, joué par un Melvil Poupaud au sommet.

Son personnage est écartelé. Il a soif de faire éclater la vérité et surtout d’empêcher le monstre de briser d’autres enfances mais il est issu d’un milieu bourgeois très pratiquant qui ne peut se résoudre à accepter la vérité, quitte à trouver des excuses ou des simili solutions via le pardon. Certaines scènes sont d’ailleurs surprenantes car Ozon arrive à faire rire la salle de remarques complétement surréalistes d’individus vivant dans le déni total.

Denis Ménochet et Swann Arlaud vont chacun interpréter une autre facette sociologique des victimes issues de milieux sociaux différents. Leur jeu est excellent, juste, écorché pour Arlaud et empli de colère pour Ménochet. On va suivre leur combat, leur catharsis avec force et respect pour leur courage.

Le film est sidérant par l’absence de réaction de l’église, la peur de la société mais aussi porteur d’espoir et rassurant sur l’humanité de chacun grâce au combat juste et évident des personnages.

Ce film engagé et brillant fait tout de même halluciner à bien des reprises face à l’aveuglement général. On se dit que forcément les prédateurs sexuels d’enfants se portent naturellement vers ce type de métiers ou vers ceux liés à l’enfance et le malaise est présent. Combien doit-il être difficile pour un homme de pratiquer un métier au milieu d’enfants, avec cette peur sans cesse de déclencher la suspicion. Je ne pourrais que vous recommander le brillant « La Chasse » de Thomas Vinterberg pour vous donner un panel complet du sujet. Mais c’est hélas un mal nécessaire que cette suspicion et cette vérification permanente des parents. Et comme le dit le personnage de Melvil Poupaud à ses enfants, ces derniers doivent savoir que désormais ils savent qu’ils doivent parler, tout de suite.

Le propos de « Grâce à Dieu«   est donc très puissant, la narration qui suit chaque victime avant de les réunir est d’une grande fluidité et les 2h17 passent au final assez vite. Ozon a dû sacrément se documenter pour donner autant de détails sur les réactions et comportements des uns et des autres et son caléidoscope social est tout simplement brillant de vérité et de complétude.

Un grand film sur la parole et un film bouleversant.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°5 – « Once upon a time in Hollywood » de Quentin Tarantino »

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Un film de Quentin Tarantino est toujours un évènement tant le trublion cinéphile s’avère populaire, dispose de hordes de fans inconditionnels de par le monde et se trouve être l’un des rares cinéastes qui monte à Hollywood des films sur son nom et n’a aucun problème à trouver les budget et surtout trouve son public en salles.

« Once upon a time in Hollywood » est d’ailleurs bien parti pour devenir l’un des plus grands succès de sa carrière tant son démarrage est explosif aux USA et dans le reste du monde. Il faut dire que Tarantino a un don pour le casting exceptionnel.

Brad Pitt dans « Inglorious Basterds » était génial et se troube être l’un des plus grands acteurs au monde.

Léonardo Di Caprio dans « Django Unchained » était délicieux de perversité et se trouve être l’un des meilleurs acteurs au monde.

Réunir ces deux monstres sacrés d’Hollywood pour rendre hommage à une parenthèse enchantée des années 70 où un vent de liberté soufflait sur l’usine à rêves, c’était évidemment gage d’un rendez-vous immanquable.

A ce titre aucune déception n’est à pointer puisque Brad Pitt a une classe hallucinante dans « Once upon a time in Hollywood » et Léo est comme toujours au-delà du parfait. Les rôles sont taillés pour eux, leurs scènes communes sont certes rares mais excellentes et leurs scènes solo leur donnent des moments de cinéma qui resteront imprégnés dans nos rétines. Que ce soit le quotidien d’acteur raté du personnage de Di Caprio ou la dégaine cool et mâle de Pitt quand il va voir les hippies de Charles Manson ou encore quand il se bat avec Bruce Lee…c’est juste excellent et drôle.

Mais Tarantino peut décevoir sur ce flm à deux titres même si personnellement je n’ai pas du tout été déçu, bien au contraire.

D’abord son film est long et dure 2h44 et certains pourront trouver qu’il manquait des coupes. Moi je trouve qu’au contraire cette durée permet de sentir et d’ humer l’odeur de cette époque. La reconstitution des années 70 est fabuleuse et Tarantino nous fait errer avec ses personnages en prenant son temps, souvent sans dialogues, pour nous immerger dans cet Hollywood passé pour lequel une profonde mélancolie se dégage. Et c’est là le second point qui va désarçonner certains. Quentin Tarantino abandonne quasiment l’une des caractéristiques majeures de son cinéma à savoir les dialogues chelou hyper longs mais très drôles. Il s’efface dans la narration au profit de silences, de climax et c’est très très réussi. On a parlé de film le plus personnel pour son auteur lors de sa présentation à Cannes et c’est vrai. J’ai bien sur beaucoup rigolé car Tarantino garde soin  humour mordant mais il aime et adore ses deux personnages, ces deux loosers magnifiques, leur complicité et il nous envoie une superbe déclaration d’amour au cinéma. Bien sur il le fait en utilisant les tournages auquel son personnage principal participe ou les extraits de ses films, ou en montrant ce Hollywood insouciant et cool de cette époque. Mais comme bien évidemment il n’est pas dupe et nous on plus, on comprend peu à peu qu’il embellie cette image du passé et qu’il donne à ce Hollywood et au cinéma en général tout ce pouvoir de raconter les histoires différemment, de rendre la vie quotidienne plus distrayante, d’effacer ce qui est moche et laid dans la vraie vie et de donner à la fiction toutes ses lettres de noblesse.

Tarantino nous livre un conte. Il était une fois…et c’est excellent. En ce sens son film est proche de Django Unchained et de Inglorious Basterds.

Il est comme un gamin qui utiliserait son incroyable culture pop de 50 ans de cinéphilie pour nous livrer un film mature, sensible et drôle à la fois.

Merci donc à Quentin Tarantino pour ce nouvel opus, c’est un profond respect pour son public et c’est une preuve très classe de son immense talent.

La piste aux Lapins :

4,5 lapin

 

N°4 – « Douleur et Gloire » de Pedro Almodovar

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Pedro Almodovar pourrait remporter la Palme d’Or avec ce grand film, lui qui court après depuis si longtemps et s’est vu snobé si souvent.

Car « Douleur et Gloire » a un atout considérable. Il est à part dans la filmographie du maitre espagnol. Pour une fois il ne s’intéresse pas à des femmes comme personnages principaux mais à lui. En signant un film très autobiographique, il aborde sa masculinité et sa propre vie avec une grande finesse.

Almodovar parle donc d’un cinéaste célèbre qui vit reclus chez lui et a perdu l’envie et l’inspiration.

Il donne à son double fictif le visage d’un de ses plus fidèles acteurs, qu’il a fait découvrir il y a 30 ans, Antonio Banderas.

Ce dernier est d’une classe folle pour 58 ans et donne au personnage toute la fatigue d’une vie de douleurs physiques et de maladies mais surtout de dépressions chroniques. Il est parfait dans le rôle et véritablement super attachant même quant il est ignoble d’égocentrisme artistique.

Les flashs back avec son enfance sont autant de pépites qui rythment l’explication de la construction de son imaginaire de cinéaste. On y retrouve une grande nostalgie jamais mièvre. Bien au contraire, ces souvenirs sont les racines de cet être qui regarde son passé en prenant de la hauteur et fait le bilan d’une vie. Il fait également la paix avec cette mère solaire qu’il a déçue, dont il s’est éloigné avec la célébrité. Elle est interprétée par Pénélope Cruz, autre actrice phare d’Almodovar, comme une évidence.

Le personnage se réconcilie avec un ancien amant perdu de vue depuis vingt ans et se réconcilie avec son parcours. « Douleur et Gloire«   est un film extrêmement mature, moins pétillant que d’autres œuvres du cinéaste mais plus profond, tout en conservant son style connu mondialement.

Le film est généreux, intelligent, drôle parfois, il parle de l’inspiration, rend un très bel hommage au cinéma et s’offre même une conclusion de film méta qui créé une boucle et une fin excellente. Le dosage de son histoire est parfait, il n’y a aucune longueur, aucun dialogue ou personnage de trop. C’est un long métrage délicat, tout en retenue, tout simplement brillant de profondeur.

Le film marque longtemps après son visionnage et devient instantanément l’un des grands monuments de sa carrière. Parfois on parle de chef d’œuvre trop vite. Je ne le ferai donc pas même si vraiment, çà me démange. Mais je serais très surpris que le film ne marque pas sur la durée.

La piste aux Lapins :

4,5 lapin

 

N°3 – « La Favorite » de Yórgos Lánthimos

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Si The Lobster avait un pitch et une première partie très décalée, le film m’avait vite fatigué par son concept tournant à vide. Avec « Mise à mort du Cerf Sacré« , le grec Yórgos Lánthimos arrivait à poursuivre son talent sur un film entier, avec un scénario jusqu’au-boutiste implacable et glaçant. Une vraie réussite.

« La Favorite » est un cran au dessus encore et prouve qu’il va falloir compter sur ce réalisateur à l’avenir car son talent se muscle et aboutit à un très grand film.

Pour raconter la folie de la reine Anne d’Angleterre, au début du XVIIIème siècle, Lánthimos use de son talent évident de direction d’acteurs avec un trio féminin époustouflant mais il ose surtout des choix de mise en scènes radicaux qui lorgnent ouvertement vers ceux de Stanley Kubrick, et il faut être gonflé pour tenter le coup.

Alors bien sûr, la comparaison s’arrête à cette reconstitution millimétrée et ses choix de focales et de grands angles mais le résultat est d’une efficacité redoutable.

L’image est belle, léchée et ces personnages poudrés et décadents sont excellents.

La reine est incarnée par une Olivia Colman complètement barrée qui mérite l’Oscar de la meilleure actrice pour sa composition riche, drôle, monstrueuse et pathétique à la fois. Le rôle de sa carrière probablement. Un rôle inoubliable.

Pour s’arracher ses faveurs, une favorite historique va devoir lutter contre un petit ange qui se trouve être une arriviste. Rachel Weisz et Emma Stone se livrent une guerre de manipulation dont les joutes politiques rappellent toute la perversité des Games of Thrones et autres House of cards. Il y a la même violence contenue dans un guant de velours, les mêmes sourires carnassiers qui font froid dans le dos. Il y a surtout le côté jubilatoire du jeu à mort entre deux êtres qui luttent pour leur survie dans un royaume dirigé par une folle à lier.

Le film est irrésistiblement comique à bien des reprises et joue la digression et l’humour décalé à fond. La scène de danse est juste complètement dingue et hilarante et c’est loin d’être le seul moment où la salle est pliée en deux.

C’est un grand tour de force que de livrer un film esthétiquement de grande qualité, intelligent, drôle et souvent triste par la solitude inhérente à ces personnages rongés par le pouvoir et la survie. « La Favorite » est un film de monstres assez fascinant et l’une des premières grandes réussites de 2019.

La piste aux Lapins :

4,5 lapin

 

N°2 – « Parasite » de Bong Joon-Ho

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Bong Joon-Ho est l’un des plus grands réalisateurs au monde, issu de la nouvelle vague sud-coréenne avec Kim Jee Woon et Park Chan Wook. Son style si particulier est celui du polymorphe, à même de mélanger les genres tout en réalisant un cinéma souvent porteur de messages et grand public. Très inspiré par le cinéma européen, Bong Joon-Ho a livré quelques bijoux avec « Memories of Murder« , « The Host« , « Mother » ou « Okja » et a moins bien réussi le passage Hollywoodien avec « Snowpiercer« .

Lui décerner la Palme d’Or cette année est une bouffée d’oxygène pour Cannes et l’élitisme que l’on reproche trop souvent au festival.

« Parasite » est une très grande Palme d’Or populaire. Comme à son habitude le maitre sud-coréen mixe les genre mais un peu moins que d’habitude, donnant à l’ensemble une couleur très sociale sous forme de domination d’une classe sociale par une autre. Le début du film verse dans la comédie d’arnaque et s’avère brillant dès le début, soutenu par d’excellents acteurs et un sens du découpage et du comique de répétition subtil. Une famille pauvre arrive à se faire embaucher par un jeune couple vivant dans l’opulence et ayant deux enfants rois. Puis Bong Joon-Ho distille tout au long du film les germes du dénouement en montrant que cette famille bourgeoise en apparence bienveillante et bien sous tout rapport a un mépris de classe sidérant qui se distille par petites touches.

Le réalisateur change alors de code et surprend passant du thriller horrifique au film catastrophe pour revenir à son sujet de base, l’exclusion de classe et le déterminisme implacable.

La mise en scène est excellente de bout en bout, pas une scène n’étant de trop. Les rouages de ce brillant exercice fascinent encore après être sorti du film. Le génie de Bong Joon-Ho vient de son sens du rythme et de la puissance de sa satire sociale. Il va jusqu’à se moquer de lui-même et de l’image qu’on a des réalisateurs suds-coréens si malins et qui ont toujours des plans extraordinaires pour leurs personnages en faisant expliquer clairement au personnage principal qu’il est inutile d’avoir des plans car la vie se charge de les dénouer et que tout est imprévisible…sauf le milieu dans lequel on nait et qui s’impose. Et justement, le réalisateur arrive même à imager cette lutte décuplée d’individus issus des milieux pauvres pour contrecarrer ces plans tout tracés par le destin ou plutôt, le hasard.

A partir d’un film de genre (le film d’intérieur), Bong Joon-Ho pousse les murs pour y faire entrer différents styles et rendre son propos universel, tout en restant hyper accessible. C’est en celà que le cinéma peut traiter de thématiques universelles avec une efficacité fascinante.

Cette parabole de lutte des classes est un film à voir absolument, un film puissant sur la forme et dans le fond et une Palme d’Or qui fera enfin  l’unanimité !

La piste aux Lapins :

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N°1 Ex aequo – « Ad Astra » de James Gray

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James Gray est l’un des très grands réalisateurs américains des 25 dernières années. Même si les européens reconnaissent davantage son talent que ses propres concitoyens, « Little odessa« , « The yards« , « La nuit nous appartient » ainsi que « Two lovers » sont très bons. « The immigrant« , avec Marion Cotillard et Joaquin Phoenix a été accueilli plus froidement mais reste un bon film. Et il est revenu avec son arlésienne de 10 ans de gestation, « The Lost City of Z » en 2017, un bijou. Et alors que ce projet devait se faire avec Brad Pitt et que ce dernier a finalement co-produit « The Lost City of Z » sans y jouer, les deux artistes se retrouvent pour un film de SF !

James gray qui sortait de ses contrées New-Yorkaises pour faire un film historique sur la recherche d’une cité en Amazonie, c’était énorme et ceci lui libérait encore plus ses thématiques autour du lien père-fils.

Mais avec Ad Astra, le réalisateur signe un nouveau chef d’œuvre de science fiction, un nouvel étalon et c’est suffisamment rare pour le noter.

Son personnage principal est joué admirablement par un Brad Pitt qui force le respect par sa filmographie très impressionnante, ses choix intelligents et son doublé de cette année avec le Quentin Tarantino, « Once upon a time in Hollywood« .

Je ne connais pas d’acteur hollywoodiens qui soit resté au top aussi longtemps et qui puisse aligner une quinzaine de très grands films.

Son jeu minimaliste donne à son personnage d’astronaute toute la rigueur de sa mission et tous les sentiments dont s’est coupé le personnage. Il s’est enfermé dans une profonde solitude que l’on ressent à chaque instant et qui donne à ses moments d’émotion une force encore plus puissante.

C’est donc l’histoire d’un homme qui part à la recherche de son père, qui est parti trente ans plus tôt dans une mission pour Neptune dont il n’est jamais revenu.

Il vit l’image de ce père qui l’a abandonné comme un exemple car il est considéré comme un héros par l’humanité et comme une souffrance car il s’est retrouvé seul. Seul au point de ne pas vouloir faire d’enfants, juste se concentrer sur son métier d’astronaute comme son père et marcher dans ses pas. Dans le genre de trauma et de symbolisme du nœud œdipien on peut difficilement trouver plus énorme. Et pourtant, ceci fonctionne car Gray n’est pas du genre pathos, il le fuit.

La grande maitrise de son scénario permet donc au film d’alterner entre grandes réflexions sur le sens d’une vie, de la solitude, tout en y insérant de vrais éléments de science fiction à grand spectacle. Pas moins de cinq scènes très impressionnantes ponctuent la quête de Roy McBride, qui cherche à rejoindre son père. Et ces scènes sont fascinantes car elles semblent réelles. James Gray use de la colorimétrie de la lune , de l’espace et de Mars puis Neptune avec des images somptueuses. Mais il use surtout d’un travail sur le son remarquable. Les scènes de violence sont comme empaquetées dans l’absence de son qu’il y a parfois dans l’espace ou l’incidence de la pesanteur. C’est non seulement novateur en SF mais ce choix narratif donne un parfait mélange entre grand film d’auteur et aventure spatiale.

Le scénario est limpide, sans délire méta comme certains films SF peuvent le tenter parfois pour le meilleur et parfois pour un résultat navrant.

La mise en scène de James Gray est d’une élégance folle, alliant l’intimiste du personnage à l’infiniment grand.

Que son personnage soit dépressif en pleine quête spirituelle est une excellente idée. La dimension vertigineuse de sa mission se confronte à sa psyché et James Gray nous le montre avec de simples images et une voix off qui ne s’avère ni plombante ni prétentieuse. Elle se confond avec le personnage et nous lie à lui vers cette plongée vers le néant dans laquelle on ne peut deviner quel sera l’épilogue.

Ce résultat est tout simplement brillant d’intelligence. Cet éloignement du monde des vivants pour renouer à ses sentiments est une superbe Odyssée.

Les plans de planètes contemplatifs concurrencent la vision épurée des intérieurs de vaisseaux. Le film est vraiment très beau d’un point de vue visuel.

Le découpage du scénario est très bon, ne laissant jamais place à des longueurs.

Le réalisateur signe un film précieux, ambitieux et d’une grande humilité. Brad Pitt est quant à lui d’une classe magnifique et trouve l’un de ses plus grands rôles.

James Gray signe un chef d’œuvre sur la quête de soi et la recherche de son identité, montrant qu’en tutoyant les étoiles, l’essentiel, à savoir l’humanité et la terre n’en deviennent que plus précieux.

La piste aux Lapins :

5 étoiles

 

 

N°1 Ex aequo – « Joker » de Todd Philips

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L’annonce du projet était curieuse puisque, initialement, Martin Scorsese devait le co-produire. En tant que lecteur assidu de comics books et de BD, je n’ai jamais compris pourquoi le génial personnage du Némésis de Batman n’avait jamais eu droit à son film. J’étais méfiant sur le résultat tant DC Comics et la Warner se sont perdus ces dernières années après la fin de la trilogie Batman de Christopher Nolan. Leur volonté de copier Marvel m’a laissée de marbre tant je trouve ces personnages colorés lisses et unidimensionnels alors que ceux de DC sont plus sombres et potentiellement profonds.

Le fait de voir Joaquin Phoenix entrer dans la danse m’avait rassuré car c’est l’un des meilleurs acteurs au monde et qu’il choisit intelligemment ses projets toujours pour leur qualité scénaristique.

Les bandes annonces avaient vendu un rêve de fan de Batman à savoir voir ENFIN le Joker exploité dans ce qui fascine sur son personnage, à savoir le chemin vers sa folie. Le Lion d’Or obtenu à Venise en septembre a fait exploser les attentes et aujourd’hui le succès au box office est incroyable pour un film aussi adulte. C’est une petite révolution pour les studios que de voir un tel Ovni rencontrer critique et public.

Car oui, « Joker » est le chef d’œuvre annoncé et oui, Joaquin Phoenix aura l’oscar du meilleur acteur. Ne pas lui accorder serait une insulte au bon goût.
Le film est un uppercut fortement inspiré de « La valse des pantins » et de « Taxi driver » de Martin Scorsese, ce qui explique l’implication du réalisateur dans la première phase de production. On y retrouve non seulement les thèmes mais aussi l’ambiance et l’acteur, Robert de Niro, dans un très bon second rôle comme on ne l’a pas vu depuis longtemps.
Quant à l’histoire, elle brasse divers thèmes en collant à Arthur Fleck, un looser à l’esprit fragile, qui n’a rien réussi dans cette société violente où les laissés pour compte voient des ultra riches leur tenir des discours complètement éloignés et perchés par rapport à leur quotidien. Cette société qui fait croire que quelqu’un parti de rien peut devenir une star de télévision, un showman et se sortir de sa condition et que quelques part tout le monde peut tenter sa chance. Mais ce discours s’accompagne d’une grande violence, celle de la réalité, celle du rêve qui se fracasse sur le mur du constat. Et Arthur Fleck n’a aucun talent comique et a tous les feux sociétaux au rouge, depuis toujours. Or cette société américaine parle des winners et raille les loosers, leur donnant accès à des armes car c’est du business mais refusant un minimum de protection sociale au nom de cette même liberté chérie mais sauvage pour les plus faibles.
Se déroule alors un film très politique par son discours et donc dérangeant par ce qu’il véhicule. Sans empathie face à lui et avec pour seule réponse le cynisme d’un ultra libéralisme sans gardes fous, quel choix a ce personnage qui sombre dans l’isolement et la folie, à part la violence et l’apologie de l’anarchie ?

Alors bien sûr Arthur Fleck a un problème psychiatrique mais le film ne met pas tout sur le compte de la maladie mentale qui s’envenime. Et c’est ce qui rend le film fascinant. Joker montre que la sédition des laissés sur le coté peut être le résultat d’un aveuglement idéologique et d’une société qui refuse de prendre du recul.

Car face aux excès de l’idéologie ultra libérale, le risque n’est il pas l’absence d’idéologie tout court ? Après les gilets jaunes et le déferlement de colère et de violence, on ne peut pas regarder ce Joker de la même façon. Et quelles que soient vos idées politiques, le film vous fera réfléchir.

Pour un film DC comics basé sur le plus grand méchant et le plus connu des comics books, c’est tout simplement un parti pris brillant et qui prend le spectateur pour un adulte responsable capable de discernement et de recul. Faire du Joker un symbole de l’absence de solution, une conséquence d’un cynisme sociétal, c’est l’idée géniale du long métrage.

Que Todd Philips, un réalisateur pas très côté, connu pour ses comédies « Very bad trip » nous réalise ce chef d’œuvre sur ce thème, c’est également une énorme surprise. Sa mise en scène est hyper découpée, sèche et sans une scène de trop. Il alterne l’évolution d’Arthur vers le Joker de cinq scènes de courses poursuites où le futur Némésis de Batman cours dans les rues ou les couloirs à toutes enjambées. D’abord c’est par peur, ensuite pour fuir ce qu’il devient puis parcequ’il enfreint de nouveau les règles et s’en émancipe, puis parcequ’il est poursuivi et trouve celà fun, et enfin parcequ’il est devenu un autre pour qui rien n’a de valeur et tout n’est que comédie. Il cours toujours comme un clown mais le rire a changé de signification et surtout, il a changé de camp…
Et puis évidemment, il y a l’acteur, ce type dont je n’aime pas la gueule et qui me bluffe à chaque fois. Ce type qui à 44 ans, a une filmographie impressionnante (Walk the line, the Master, les James Gray dont Two Lovers, Her, A beautiful day, Les frères Sisters).

Sa prestation en Joker est prodigieuse. Il danse avec une souplesse et une agilité qui font froid dans le dos tout comme son regard. Il nous amène avec lui comme spectateurs d’une conquête du rêve américain vouée à l’échec et il s’explose avec nous sur le bitume.

Entre temps il a rendu son personnage attachant et non pathétique puis effrayant car sa folie guette à tout instant.

Comme possédé par son personnage, son rire a plus des airs de cris de douleur, douleur d’être né ainsi et d’en être prisonnier.

Le spectateur accompagne ce glissement de l’autre côté de ce que la société peut tolérer, choc après choc, jusqu’à ressortir bouleversés par ce naufrage impossible à éviter du fait du déterminisme social allié à la fragilité psychiatrique. On en sort également fascinés par cette renaissance car le personnage en quête de figure paternelle et en quête d’identité finit par se la construire dans le mal absolu, dans un monde qu’il se créé plutôt que d’accepter de le subir.
Joker est un grand film car il allie le génie d’un acteur à un scénario imparable et profond ainsi qu’un personnage complexe qui ne peut que provoquer le malaise.

Ce chef d’œuvre nihiliste est tout aussi surprenant que dérangeant.
Un très grand film.

La piste aux Lapins :

5 étoiles

 

 

Et le podium pour la dixième foix sur le Blanc Lapin et nul par ailleurs :

 

2019

« Marriage Story » de Noah Baumbach – critique du Blanc Lapin

30 décembre, 2019

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Noah Baumbach est un réalisateur de grand talent, sensible, intellectuel New-Yorkais jusqu’au bout des ongles. On se souvient de son magnifique Francès Ha.

Pour son second film produit par Netflix, il décide de nous conter l’histoire d’un divorce entre un scénariste de théâtre et son épouse, comédienne. On y voit les déchirements classiques autour de leur fils, du lieu de résidence, des petites choses et mesquineries qui s’infiltrent peu à peu, exacerbés par deux avocats horribles campés par les excellents Laura Dern et Ray Liotta. Ou comment le système judiciaire américain est une industrie de la confrontation ou les avocats coûtent une fortune et peuvent accroitre les problèmes pour justifier leurs honoraires.

Mais surtout le duo d’acteurs est exceptionnel. Scarlett Johansson est tour à tour touchante, resplendissante, furieuse et surtout particulièrement sur le fil du rasoir. Elle exprime tous les doutes qui la traversent quant à son choix et toute la difficulté de faire le deuil d’un amour et d’une vie de couple.

Face à elle, Adam Driver est brillant et confirme qu’il est l’un des acteurs qui compte désormais à Hollywood. Sa démarche masculine et sa voix rauque, les certitudes de son personnage et son incrédulité de départ face à ce qui lui arrive, face à l’évidence que son monde ne peut s’effondrer, rendent encore plus touchant ses moments de solitude comme de rage. Une scène d’insultes entre les deux époux en plein divorce est assez déchirante en soit.

Bien souvent « Marriage Story » vous tire des larmes. Parfois c’est devant la rudesse de ces combats et de la petitesse des attaques, parfois face à la nostalgie des moments heureux où le simple constat du temps qui a passé et a finis par faire son œuvre.

L’ambivalence des sentiments des deux protagonistes donne à leur lutte un côté déréglé et factice qui trouble lorsque la réalité de leurs choix refait surface. Car bien souvent, c’est cette nuance qui prédomine quant la colère s’endort.

La finesse d’écriture du scénario tout comme le choix des scènes et de leur découpage saccadés sont brillants de bout en bout, prouvant une fois de plus que Noah Baumbach n’est pas qu’un excellent directeur d’acteurs, c’est aussi un réalisateur inspiré et doué. Son film est sobre et d’autant plus puissant dans ses émotions. Il utilise des moments si criants de vérité et de simplicité que l’effet du film est forcément décuplé.

Il utilise un rythme parfois violent, faisant des allers retours entre orages et accalmies sur les sentiments des protagonistes, laissant espérer que ce fleuve n’ira pas jusqu’au bout mais la vie avance et pas toujours dans le sens voulu et c’est tout le sujet de son film, un film sur le temps et la mutabilité des sentiments face à ce dernier, voulue ou forcée.

Un grand film.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

Les meilleurs films 2019 du Blanc Lapin : N°25 à N°12

29 décembre, 2019

Cette année 2019 se termine et le Blanc Lapin a vu plein de films, 90 très exactement sortis cette année soit au cinéma soit sur plateforme mais ayant été produits comme un film de cinéma. C’est moins que l’an dernier (103 films en 2018) et plus que les années précédentes (70 maximum).

Grosse année donc, d’autant plus que vous vous en doutez, je sélectionne beaucoup les films pour en connaitre un bon nombre depuis l’annonce du projet jusqu’à suivre les sélections en festivals et les accueils critiques.

Alors commençons le classement que je commence à partir du 25ème cette année soit minimum 4 lapins sur cinq ! Et oui, 25 films tout à faits conseillés à voir si vous les avez loupés !

 

N°25 – « Rocketman » de Dexter Fletcher

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Je me fout complètement de l’histoire d’Elton John, dont je ne suis pas particulièrement fan. Souvent je trouve les biopics ratés et encore davantage lorsqu’il s’agit de biopic sur des chanteurs. Le « Bohemian Rhapsody » commencé par Brian Singer et terminé par Dexter Fletxcher après que Singer se soit fait virer du plateau, m’a moyennement convaincu. Heureusement il y avait la musique de Queen et un bon acteur pour interpréter Freddy Mercury. Et bien justement, c’est ce même réalisateur appelé en rescousse pour terminer le film sur Queen qui s’est chargé de ce « Rocketman » !

Et vous savez quoi ? C’est très très réussi !

Il y a plusieurs raisons à cela. D’abord Elton John a collaboré en tant que producteur et n’a pas été particulièrement tendre sur son addiction à toutes les drogues possibles et inimaginables, à l’alcool, au sexe débridé des années 70/80 mais aussi à son caractère mégalo suite à son succès fulgurant.

Et cette liberté de ton est non seulement bienvenue mais elle s’exprime dès les premiers instants lorsque le film explose en comédie musicale ! JE DÉTESTE AUSSI beaucoup de comédies musicales !!!!!! Sauf si elles surprennent comme La La Land pour les dernières réussies. Et bien là, non seulement je me fout d’Elton John, je n’aime pas trop sa musique, je suis rétif aux comédies musicales, et pourtant, c’est très bon. C’est coloré, sans concessions sur le personnage et le milieu du show bizz tout comme sur les parents du chanteur, absolument flippants.

Ce qui ressort c’est une mise en scène inventive qui frôle avec le cinéma fantastique, un film généreux qui ne prend pas le spectateur pour un fan aveugle et un Taron Egerton décidément très bon et qui prouve qu’après Kingsman, on devrait le revoir souvent. Il avait besoin d’un rôle construit de la sorte pour s’émanciper de la franchise. C’est chose faite.

Et puis on sait que le film ne couvre pas tout et n’est pas fidèle, surtout avec le chanteur en producteur mais justement, on sent qu’il s’en amuse et nous envoie justement un message simple, il a galéré personnellement et a été très seul une bonne part de sa carrière. Et c’est surtout un survivant parmi les pop stars de cette époque.

Ce conte au regard cynique et tendre à la fois, bourré d’autodérision est probablement le plus beau cadeau qu’Elton John pouvait offrir à ses fans et aux autres dont moi, à savoir un film qui a LA classe et c’est énorme.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°24 – « Edmond » de Alexis Michalik

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Décembre 1897, Paris. Edmond Rostand n’a pas encore trente ans mais déjà deux enfants et beaucoup d’angoisses. Il n’a rien écrit depuis deux ans. En désespoir de cause, il propose au grand Constant Coquelin une pièce nouvelle, une comédie héroïque, en vers, pour les fêtes.

J’ai vu toutes les les pièces d’Alexis Michalik. Ce type est brillant par ses mises en scène à tiroirs, du « Cercle des Illusionnistes » au « Porteur d’histoire« . Son « Edmond » était LE carton de fin 2017. Est-ce que son art se traduira avec la même fougue sur grands écran ?

Et bien la réponse est clairement OUI !

Alexis Michalik arrive a retrouver la même joie communicative de ses personnages et de ses enchevêtrements, en faisant voler en éclats les incongruités et passages de scènes à scènes peu réalistes. Ce n’est pas grave car il nous raconte une histoire de théâtre sur le théâtre et donne non seulement envie de lire ou relire la pièce d’Edmond Rostand mais aussi de revoir certaines adaptations célèbres comme celle avec Depardieu.

Il livre un hommage sincère aux acteurs et au plaisir de créer et d’inventer pour le spectacle. Certains personnages sont caricaturaux et proches de personnages de Georges Feydeau, dont il fait un personnage, qu’il campe lui-même à l’écran. Il se moque ainsi de lui-même, de sa propre exagération comique dans le trait de ses personnages et c’est plutôt malin et humble. Il cabotine certes mais c’est enlevé et donc çà passe.

Thomas Solivérès décroche son premier rôle d’envergure et fait oublier Les aventures de Spirou…fort heureusement pour lui. Olivier Gourmet excelle comme à son habitude et donne toute sa générosité à ce rôle d’acteur égocentrique mais au final très constructif.

Il est réjouissant de voir que Michalik ne se plante pas et arrive à donner le même souffle à son travail tant à l’écran que sur les planches.

Le film est empathique, enthousiaste, optimiste, émouvant à plusieurs reprises. Il est rare de voir des comédies élégantes au cinéma.

Il semble que le panache de Cyrano ait inspiré Alexis Michalik jusque derrière la caméra et c’est tant mieux.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°23 – « Hors normes » de Eric Toledano, Olivier Nakache

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Eric Toledano et Olivier Nakache signent toujours des films où l’humour côtoie un dessin relativement fin d’un univers social. Ici on se rapproche davantage d’ »Intouchables« , le film étant plus engagé que « Le sens de la fête« .

Vincent Cassel et Reda Kateb incarnent Bruno et Malik , qui chacun ont monté une association pour former des jeunes des cités en difficulté à encadrer des  adolescents autistes complexes, que le système de soins public ne peut plus ou ne veut plus prendre en charge.

Forcément le thème est compliqué à développer et probablement ne fera pas l’unanimité tant le film dénonce en creux l’impuissance des pouvoirs publics, par faute de moyens notamment, à gérer des enfants autistes lourds quand ces derniers grandissent.

Le duo de réalisateurs a réussi  à faire un constat certes partial mais qui a le mérite de poser le problème, avec humour et beaucoup d’émotion. Comme toujours le pathos est évité avec une grande classe et les réalisateurs préfèrent se marrer lorsque çà coince un peu.

Le duo d’acteurs est parfait, très bien entouré d’enfants autistes et de jeunes tous au diapason. On y vit donc une immersion dans un milieu où se cumule insertion sociale de jeunes de banlieue et gestion d’adolescents forcément complexe. Ou quand deux éducateurs font prendre conscience à des adolescents en difficulté scolaire qu’ils ont de la chance et qu’ils peuvent donner aux autres et non toujours se recroqueviller sur eux-mêmes. Le message peut sembler facile mais il est délivré dans un sens positif et constructif. Car « Hors normes » ne choisit pas une description idyllique de ces deux intégrations parallèles et au contraire décrit parfois avec humour et parfois avec gravité le combat qui doit être mené pour ne pas exclure totalement ces derniers.

Comme tout film du duo, le long métrage se veut optimiste et porteur d’espoir, partant du principe qu’il ne faut rien lâcher, bouger, agir et capitaliser sur la différence.

Le courage des personnages à gagner petite victoire par petite victoire donne du baume au cœur et le sourire tout en faisant prendre conscience d’un sujet qu’on préfère cacher ou auquel on préfère ne pas s’intéresser.

Les dialogues du duo sont comme toujours très bien ciselés et d’un humanisme qui fait du bien.

« Hors nomes » fait partie de ces films utiles car il touchera un large public sur une thématique pas évidente.

Un très beau film.

La piste aux lapins :

4 étoiles

 

N°22- « Mon chien stupide » de Yvan Attal

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Yvan Attal signe un très bon film adapté du grand John Fante, écrivain unique que je ne peux que vous recommander de lire (Bandini, Demande à la poussière, Pleins de vie).

Attal joue donc Henri, écrivain qui a eu un succès il y a 25 ans puis n’a fait que de la merde. Il s’est acheté une superbe maison au bord de la mer et y vit avec son épouse et ses quatre enfants qui vivent à leurs crochets à 20 ans passés. Il n’en peut plus de les supporter et va trouver un échappatoire dans un chien idiot qu’il va recueillir.

La transposition du livre en France ne pose aucune difficulté et l’acteur réalisateur trouve un rôle sur mesure dans cet homme qui ne croit plus en rien et veut juste qu’on lui foute la paix. La description de sa famille et des conneries que déclenche son chien stupide sont souvent très drôles et d’un cynisme juste bien équilibré.

On y retrouve la noirceur de Fante et son humour grinçant, loufoque et caustique à la fois. Mais cette crise de la cinquantaine est surtout touchante. Charlotte Gainsbourg est comme à son habitude excellente de justesse et le parallèle qu’on ne peut s’empêcher de faire avec leur vrai couple à la vie, renforce les effets du long métrage.

La mélancolie du film vous attrape alors et vous cueille dans une émotion inattendue après avoir bien rigolé de cet humour froid et sec. Le rythme des saillies pourfendeuses des clichés sur la famille laisse place à un recul sur la vie et son but, sur comment et avec qui vieillir et pourquoi. S’ouvre alors une profondeur insoupçonnée au début qui laisse un goût doux amer. Un très beau film.  Intelligent et fin.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°21 – « A couteaux tirés » de Rian Johnson

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Après s’être pris des insultes pour des générations pour son Star Wars, les derniers Jedi, le réalisateur Rian Johnson revient avec un film hyper malin inspiré de Cluedo et d’Agatha Christie.

Son casting est au top porté par un Daniel Craig à contre emploi qui parait parfois limite concon, ainsi que Chris Evans, Ana de Armas, Jamie Lee Curtis, Michael Shannon, Don Johnson, Toni Collette.

Il débute son film sur un mode classique pour ce genre d’enquête sur un meurtre dans un vieux manoir avec tous les codes du genre, titillant et installant le spectateur dans un certain confort et plaisir coupable.

Et c’est alors qu’il choisit de tordre son scénario et de dynamiter la logique habituelle, un peu comme dans son Star Wars.

Le résultat a le mérite de surprendre et souvent de faire rire. La mécanique du film évite tout doute sur l’issue de l’intrigue malgré les révélations qui semblent tout clôturer très vite.

Rian Johnson signe un super divertissement, malin et bourré de rebondissements dont l’objectif est de jouer avec les codes d’un style ultra balisé.

Une éclatante réussite jubilatoire à souhait !

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°20 – « El Reino » de Rodrigo Sorogoyen

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Je n’ai pas pu voir le film à sa sortie en avril 2019 et fort heureusement j’ai pu réparer ce visionnage.
El Reino fait en effet partie des très bons film du cru 2019.

Les premières minutes, on a du mal à savoir si l’homme qu’on suit est un mafieux ou un homme politique.

Très vite on comprend qu’il est bien un homme politique respecté et qu’il est amené à prendre des fonctions importantes au niveau national. Sauf qu’une affaire de corruption l’éclabousse et que ses petits camarades le lâchent un à un et décident d’en faire un bouc émissaire.

Une spirale infernale se met alors en route et s’accélère sans savoir jusqu’où la chute vertigineuse de cet Icare politique s’arrêtera. Cette plongée dans les marécages de la corruption est menée tambour battant, se glissant peu à peu vers un mode thriller/

Le suspens vous tient à la gorge et l’on se prend de compassion pour cet homme qui a cru tout dominer et s trouve aux abois. On est happés par la noirceur de cet effondrement et le film se transforme sous nos yeux en cauchemar comme celui que vit le protagoniste.

Un parti pris brillant pour un résultat tout aussi efficace.

La piste au Lapins :

4 étoiles

 

N°19 – « Mon inconnue » de Hugo Gélin

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Raphaël rencontre Olivia au lycée et c’est le coup de foudre. Ils emménagent ensemble et lui va connaitre le succès littéraire en devenant écrivain de science fiction ultra connu tandis qu’elle se passionne pour le piano mais sa carrière ne décolle pas. Elle se consacre à lui, qui devient de plus en plus autocentré jusqu’à devenir imblairable. Le soir où elle le quitte, il est transporté dans une dimension parallèle où Olivia est une pianiste renommée, lui est professeur de français et n’a pas connu le succès mais surtout…elle ne le connait pas et il doit la reconquérir.

 » Mon inconnue » est une formidable surprise dans le genre comédie romantique qui d’habitude est un cimetière de poncifs et clichés donnant envie de butter les tourtereaux plutôt que de sourire béatement.

Et bien François Civil et Joséphine Japy vont vous faire sourire, rire et même vous émouvoir. Le scénario est super bien ficelé et François Civil prouve une nouvelle fois qu’il va devenir la futur star française masculine. Notez le ! On en reparle dans deux ans. Il joue bien, il a une belle gueule et il est drôle. Face à lui Joséphine Japy assure grave et je suis content de découvrir ce nouveau talent. Mais surtout, pour compléter ce casting, il y a le référent, le tuteur qui fait office de centre de gravité du scénario et lui permet de rester les pieds sur terre. Ce tuteur c’est Benjamin Lavernhe (le mari dans « Le sens de la fête« ) et il est prodigieux !

Il vous fait éclater de rire à bien des reprises et vous cueille dans la minute qui suit en étant super émouvant. Vraiment le casting est excellent et donne au tout une dynamique très réussie. Leur spontanéité fait plaisir et les rend attachants.

Et puis bien sûr il faut saluer le travail d’Hugo Gélin qui dirige parfaitement ses comédiens et nous livre une image léchée, ce qui là aussi n’est pas une évidence quand on parle comédie française.

Cette comédie aborde au final des sujets universels comme le sacrifice d’un conjoint pour la carrière de l’autre, la distance que les années peuvent créer à cause de l’investissement dans le travail ou une passion, les petits rien qui font basculer une vie.

« Mon inconnue » est un film qui a du charme et une fantaisie salvatrice. Une très grande réussite.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°18 – « Le Chant du loup » de Antonin Baudry

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L’auteur de la Bd « Quai d’Orsay » passe donc à la réalisation pour un projet très original dans le paysage cinématographique français.

Il s’attaque en effet au film de genre, de sous-marin et a eu accès à des lieux de tournage exceptionnels de l’armée française.

Porté par un casting excellent, Antonin Baudry arrive à créer une crédibilité et une rigueur immédiate au climax de son film.

Le suspens est réel et monte crescendo sans virer jamais à du déjà vu et il est clair qu’il faut faire preuve d’un certain sens du rythme pour intéresser votre blanc lapin serviteur qui s’est mangé des centaines de films à suspens et qui est plutôt rétif au film de sous-marin justement.

François Civil est parfait en premier rôle et prouve que le cinéma français va pouvoir compter sur lui dans les années à venir pour la relève. Mathieu Kassovitz est une nouvelle fois excellent avec son visage émacié et son rôle est vraiment intéressant, écartelé entre la bienveillance et le poids de la charge de responsabilité qui pèse sur lui. Reda Kateb incarne un rôle surprenant pour lui et Omar Sy est sobre et çà lui va très bien.

Ce drame géopolitique est donc d’une grande intelligence et permet de comprendre de façon vulgarisée la mécanique millimétrée de ces sous-marins de combat nucléaires.

La psychologie des personnages est soignée, le son est très bien utilisé pour faire toucher du doigt tous les enjeux. La dramaturgie du film surprend.

« Le Chant du loup » est donc un ambitieux pari, totalement relevé et ceci fait du bien au cinéma français.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°17 – « J’accuse » de Roman Polanski

J'accuse : Affiche

Voici enfin le film sur l’affaire Deyfus que Roman Polanski tente de réaliser depuis une dizaine d’années. Sa thématique retentit selon lui avec sa propre histoire et ce qu’il estime comme un harcèlement à son encontre. Loin de vouloir polémiquer sur ce sujet, n’étant ni juge moral ni  partisan d’une différentiation totale et aveugle entre la vie d’un auteur et son œuvre, je ne saurais que vous renvoyer vers cet excellent article publié sur Ecran Noir, qui résume bien le dilemme et les réactions possibles à avoir : voir ou ne pas voir J’accuse.

Polanski signe un grand film en s’intéressant aux dessous de cette célèbre affaire qui bâtit et triât certaines idéologies à la gauche de l’échiquier politique français pour le siècle suivant. L’antisémitisme latent et pas du tout caché présent dans l’armée, l’appareil d’Etat et le peuple est alors très virulent.

Le maitre choisit de raconter l’enquête de l’intérieur menée parle colonel Picqart, interprété sobrement par Jean Dujardin. Cette figure du héros moralement droit sans ses botes impose le respect par son courage et la machine  qu’il a dû affronter pour ses valeurs et l’idée de l’Etat qu’il se faisait lui-même.

Le réalisateur nous livre un film historique à suspens, très bien découpé et réalisé avec rigueur et âpreté.

Les évènements qui ont jalonné l’affaire Dreyfus sont incroyables et Polanski en tire tout l’aspect cinégénique évident, dans une ambiance paranoïaque fidèle à l’ensemble de sa filmographie.

Le casting est impressionnant et au service de cette grande histoire nationale.

A 85 ans, Roman Polanski réalise de nouveau un grand film soigné là où on pensait l’avoir perdu sur ses dernières tentatives.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°16 – « Une vie cachée » de Terrence Malick

Une vie cachée : Affiche

Terrence Malick est un immense réalisateur. A chaque fois que j’en parle au sein d’un groupe, je trouve minimum une personne pour me dire que c’est trop chiant, trop contemplatif, que « La Ligne rouge » c’est complètement perché, que « Le Nouveau Monde » on s’ennuie ou que « Tree Of life » oh oui, la scène avec le diplodocus…je l’ai bien entendu 20 fois celle là…

Que dire ? Que dire sans passer pour un snob ? Malick a signé deux chefs d’oeuvre au début de sa carrière avec La Balade sauvage et Les Moissons du ciel en 1978. Il faudra attendre 20 ans d’absence où personne ne savait ce qu’il était devenu pour qu’il sorte cette fameuse « Ligne rouge » qui fascine de nombreuses personnes et en exclue d’autres. Tout simplement parceque c’est un cinéaste de la nature et du temps et que le temps il le prend, ainsi que les silences. Les mêmes reproches sont faits au superbe « Le Nouveau monde » qui suivit. Sa palme d’Or « Tree of life » est pour moi son point d’apothéose et de rupture. Il abandonne certains critères formels ainsi que les dialogues pour entrer dans la tête des personnages et de ce qu’ils pensent et se libérer de la parole. C’est un parti pris radical qui a lâché une bonne partie des personnes ayant vu les deux films précèdent et je comprend la difficulté d’être patient dans le monde de zapping et d’immédiateté d’aujourd’hui. Mais cette patience est le prix d’une certaine délicatesse du propos.

Je trouve ceci juste dommage que cela se fasse au détriment de la possibilité de rester éveillé, ouvert à la mise en place d’un univers cinématographique par son auteur. Ce manque de patience du public tue la capacité à être contemplatif et à se poser. Les trois films suivants furent il est vrai carrément perchés voir ennuyeux car poussé à l’extrême, Malick sortait totalement d’un cadre narratif.

Avec ce très beau « Une vie cachée » , Malick trouve un bel équilibre entre sa période anté et post Tree of life. Il retrouve une narration facile à suivre et des dialogues sans abandonner l’introspection des personnages. Le seul écueil de son film est sa longueur. 2h50 ce n’est pas ennuyeux, c’est juste qu’il aurait pu couper une heure et il aurait réalisé un chef d’oeuvre à la hauteur des films précédemment cités.

Malick s’inspire de faits réels pour nous présenter le combat d’un héros, d’un vrai, Franz Jägerstätter, paysan autrichien, qui refusa d’intégrer l’armée nazie. Le réalisateur trouve son Christ, son personnage qui manquait à ses précédents longs métrages et qui donne une force incroyable à son récit ou plutôt à son chemin vers sa foi et son choix. Le personnage est d’une grandeur, d’une noblesse et d’un courage qui vous fait pleurer, pour de vrai. Car au milieu du chaos, alors que l’être humain est lâche et se fond très vite dans le pire régime et les pires infamies sans penser même à résister, lui se dresse simplement contre ce qui lui parait être contre la nature, contre-nature.

Cette morale chrétienne peut gonfler les non croyants mais ici elle est d’une beauté vraiment touchante. La simplicité de sa vie familiale et de son bonheur quotidien, pourtant de dur labeur est l’alpha et l’omega de son existence. Malick filme cette mère nature à nouveau avec des plans prodigieux et arrive à lier ses personnages à leur morale par ce biais, avec une sincérité et une évidence qui désarçonnent. Mais il filme aussi l’inhumain, la bête sale et haineuse, la peur et la brutalité avec nous comme témoins effondrés de tant de beauté et tant d’horreur dans une même espèce.

Ce chemin spirituel se révèle malgré sa durée, que l’on oublie sorti du film, tant l’impact est profond.

« Une vie cachée«   est un très grand film pacifiste dont l’impact dure longtemps après la projection.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°15- « Brooklyn Affairs » d’Edward Norton

Brooklyn Affairs : Affiche

Edward Norton est un excellent acteur très connu des quarantenaires et plus puisqu’il a explosé il y a 20 ans avec Fight Club et American History X. S’en sont suivis 10 ans de carrière plutôt riches avec pas mal de bon rôles avant qu’il ne tente l’aventure Marvel et se plante dans le second Hulk, avant que la firme ne fasse des milliards avec sa nouvelle stratégie. Est-ce la raison pour laquelle il s’est fait si rare ou juste qu’on l’a de moins en moins appelé. En tout cas comme de nombreux brillants acteurs, il y a eu un creux de 10 ans avec trois apparitions géniales en second rôle chez Wes Anderson (Moonrise Kingdom et The grand Budapest Hotel) ou chez Inarritu (Birdman).

Quelle grand classe pour cet homme, à défaut d’avoir de bon premiers rôles proposés que de s’en créer un aussi touchant pour sa seconde réalisation, particulièrement réussie.

« Brooklyn Affairs« est certes de facture très classique et rend hommage aux polars noirs avec un académisme assumé. Mais son scénario est vraiment intelligent et ses personnages bien trouvés et bien castés de Alec Baldwin en magnat de l’urbanisation de New York (personnage réel d’ailleurs) à Willem Dafoe en idéaliste au mystérieux passé et toute une galerie de seconds rôles excellents. La bande-son jazzy berce et imprègne le film.

Mais là où le film brille c’est par sa thématique de l’acceptation de la différence, la couleur de peau ou le syndrome Gilles de la Tourette qu’a le personnage principal. On y accompagne des losers magnifiques qui croient en une morale et se battent contre plus forts qu’eux. Le film se veut réaliste et pragmatique. L’existence des personnages est broyée par un système plus puissant, sans pour autant verser dans le glauque, ou la facilité de dénonciations béates et naïves des dérives d’un pouvoir. Au contraire, on y voit un prisme final surprenant. Il fait preuve d’une belle nuance de tons.

Edward Norton est un acteur de grande finesse et un réalisateur très élégant. Une des très belles surprises de cette fin d’année.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°14 – « The Irishman » de Martin Scorsese

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Voici donc LE film, l’évènement de fin d’année à savoir un vrai film de cinéma du maitre Martin Scorsese qui sort sur Netflix et exclusivement sur Netflix. La plateforme aurait déboursé environ 150 M de dollars pour réunir Robert de Niro et Martin Scorsese 24 ans après Casino, leur dernière collaboration ensemble.

Mais le budget a explosé par le rajeunissement numérique de plusieurs acteurs. Si on sent bien que la technique n’est pas au point pour rajeunir de façon crédible des acteurs jusqu’à de jeunes âges, elle fonctionne pour ce rajeunissement limité à un âge d’environ 4o ans.  C’est certes perfectibles mais très honnêtement, l’artifice ne gène pas le visionnage.

Au delà de cette prouesse, Martin Scorsese renoue avec l’un de ses genres majeurs, le film de mafieux et retrouve également Harvey Keitel et Joe Pesci. Ce dernier surprend par son rôle calme de vieux parrain loin des excités qu’il a joués dans Casino et Les Affranchis. Il est excellent et rendons grâce à de Niro d’avoir convaincu son copain de revenir faire un dernier tour de piste. Pour notre plus grand plaisir de cinéphile, De Niro retrouve un rôle en or de tueur à gage pour la mafia qui va gravir les échelons. Son personnage est à la fois un exécutant qui ne se laisse pas dévier sentimentalement mais aussi un père raté et un homme qui s’attache à Jimmy Hoffa, le patron des syndicats. Pour l’incarner, un autre monstre sacré joue pour la première fois de sa carrière pour Martin Scorsese. Le concurrent et ami de de Niro débarque donc et Al Pacino nous livre, à 79 ans, une immense prestation, celle d’un homme bulldozer que jamais personne n’a arrêté et qui s’aveugle dans son passé tout puissant.

L’élégance crépusculaire de ce 25ème long métrage de Scorsese est envoutante. Et pourtant le film dure 3h29 ! Alors certes, il aurait pu faire plus court mais sincèrement jamais l’ennui ne pointe tant Scorsese tient son film, ses acteurs et son histoire. Et puis le maitre nous dit adieu, non à son cinéma car on espère qu’à 77 ans, il a encore une dizaine d’années devant lui pour livrer quelques autres bon films. Mais il dit adieu à un genre de films qu’il a modernisé et popularisé et à qui il a livré plusieurs chefs d’œuvres, Mean Streets, Les Affranchis ou Casino.

On parle de film testament parfois, là effectivement, ceci y ressemble furieusement et la bande de potes qui a conquis Hollywood nous livre une sortie très classieuse.

Si le film n’est pas pour autant un sommet de la filmographie du maitre, notamment pour sa fin quelques peu alambiquée ou parfois sa durée, on gardera The Irishman comme un de ses très bons films, dont les personnages marquent de leur singularité., avec un talent de mise en scène toujours au sommet.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°13- « Les invisibles » de Louis-Julien Petit

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Le Blanc Lapin profite du mois d’août pour rattraper quelques oublis. On commence par « Les invisibles » de Louis-Julien Petit, sorti en janvier 2019.

Suite à une décision municipale, l’Envol, centre d’accueil pour femmes SDF, va fermer. Il ne reste plus que trois mois aux travailleuses sociales pour réinsérer coûte que coûte les femmes dont elles s’occupent : falsifications, pistons, mensonges… Désormais, tout est permis !

Voici un feel good movie excellent sur un thème rarement abordé, celui du traitement des femmes SDF. Les actrices non professionnelles et professionnelles (Audrey Lamy, Corinne Masiero, Noémie Lvovsky) sont fabuleuses dans cette tragi-comédie que Ken Loach aurait très bien pu signer à sa grande époque.

Louis-Julien Petit choisit de rester léger et de ne pas plomber son sujet en donnant de l’espoir sans pour autant être aveugle sur la situation désespérée de ces femmes pour qui la vie s’est brisée. Il donne aussi toutes ses lettres de noblesse aux femmes qui se dévouent corps et âmes dans ce centre d’accueil pour réinsérer leurs protégées.

Le film est très drôle à plein de moment par un sens des répliques hyper bien écrit et joué. La simplicité du jeu et des rires alternent avec quelques bons moments sans aucun pathos.

C’est un très bel hommage aux travailleurs sociaux qui donnent de leurs temps ou acceptent des boulots mal payés pour aider les exclus, sans aucun moralisme ou discours plombant.

Une excellente réussite de cette année cinéma 2019.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

N°12 – « Adults in the Room » de Constantin Costa Gavras

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Qui de mieux que le réalisateur grec culte pour s’attaquer à un tel sujet politique ? Depuis « Le couperet » en 2005, le réalisateur de « Compartiment tueurs« , « Z« , « L’Aveu« , « Etat de Siège« , « Section spéciale« , « Missing« ou « Amen » avait plutôt perdu de son inspiration. Il faut croire que ce que le diktat financier a fait subir à son peuple a réveillé le vieux maitre, âgé de 86 ans, et livrant son meilleur film depuis 40 ans !

Le pich : Après 7 années de crise le pays est au bord du gouffre. Des élections, un souffle nouveau et deux hommes qui vont incarner l’espoir de sauver leur pays de l’emprise qu’il subit. Nommé par Alexis, Yanis va mener un combat sans merci dans les coulisses occultes et entre les portes closes du pouvoir européen. Là où l’arbitraire de l’austérité imposée prime sur l’humanité et la compassion.

Il fallait oser raconter une histoire de négociation de dette et de relations avec la bureaucratie européenne. C’est non seulement complexe d’intéresser le spectateur mais surtout casse gueule d’en tirer des traits dramaturgiques et des enjeux suffisamment clairs.

Yanis Varoufakis, célèbre ministre des finances et héros du film est interprété brillamment par Christos Loulis tandis que Alexandros Bourdoumis joue un Alexis Tzipras empli de doutes et de convictions de façon tout aussi convaincante.

Costa Gavras nous parle d’hommes sincères politiquement et mandatés par leur peuple, qui se confrontent à la brutalité de fonctionnaires européens obtus mais aussi de politiques dont le ministre des finances allemand, qui ne croient qu’à une seule doctrine et sont totalement sourds à tout dialogue. Il y montre un courage politique de David contre Goliath, d’individus d’extrême gauche au départ qui tentent de trouver des compromis face à la réalité mais n’arrivent pas à trouver la moindre envie d’échange de la part d’une Europe unie et inflexible.

Les conséquences sociales pour le quotidien des grecs est alors le dernier souci des « partenaires » européens qui vont traiter leurs homologues avec déférence, mépris, suffisance et colonialisme. On peut en effet s’émouvoir du n’importe quoi et des mensonges des politiques grecs durant des décennies. Mais rester sourd à la souffrance des individus pour de sacro saintes règles financières vire à l’absurde, surtout lorsque le ministre Varoufakis apporte des débuts de plans pour s’en sortir, rééchelonner la dette et faire repartir le pays. Le cercle vicieux d’étouffement du pays est très bien expliqué tout comme le caractère vautour de prêteurs tirant sur un ambulance en prêtent à des taux usuraires à un pays en plein naufrage. On y voit également comment des fonctionnaires de grandes instances exigent que le pays brade ses aéroports et autres entreprises à de vils prix.

Le cauchemar de l’hypocrisie et de la manipulation politique puis du lynchage médiatique font froid dans le dos.

On peut certes ne pas être d’accord avec la vision partisane du réalisateur mais on peut difficilement ne pas trouver dangereux le poids de certains individus européens zélés sur les choix démocratiques. Pourtant très pro européen, je ne peux que constater l’impact de cette suffisance et cette certitude d’avoir raison face à des politiques publiques qui ne fonctionnent pas toujours et la montée des extrêmes. Costa Gavras nous montre une Europe qui s’éloigne des peuples et refuse d’évoluer, de se remettre un tout petit peu en question et même de dialoguer, au nom de dogmes qui n’ont pas fait leurs preuves.

Ce récit palpitant et éminemment politique est à la fois drôle, courageux et d’une grande pédagogie.

Merci Costa Gavras de poursuivre votre enragement à votre âge vénérable et j’attends de pied ferme votre prochain film.

La piste Lapin :

4 étoiles

 

Et la suite arrive ….

 

 

 

« The Lighthouse » de Robert Eggers – critique du Blanc Lapin

29 décembre, 2019

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Robert Pattinson est typique du genre d’acteur qui m’a considérablement gonflé et a conquis peu à peu mon respect de cinéphile par ses choix intelligents de carrière et par son talent qu’il développe. Issu des irregardables Twilight, il a su enchainer Cosmopolis et Maps to the stars de David Cronenberg, il est passé chez James Gray dans l’excellent « The lost city of Z« , il s’est ensuite fait diriger dans le très bon « Good time » des frères Safdie, puis dans l’excellent « High life » de Claire Denis. Avant de faire partie du Tenet de Christopher Nolan en 2020 et d’être le nouveau Batman en 2021, l’acteur nous prouve ici qu’il peut aller très loin dans cet Ovni qu’est « The Lighthouse« . Il y joue un jeune homme embarqué sur un phare avec un vieil homme tiranique pour garder ce dernier. Et le duo composé par l’excellent et régulier Willem Dafoe et Pattinson offre une joute assez bluffante. Les deux vont tomber dans une spirale de folie assez prodigieuse portés par une mise en scène ultra référencée de Robert Eggers.

Au-delà de ses trouvailles visuelles, de son superbe noir et blanc, de son découpage, de sa musique, le talent de ce réalisateur prometteur éclate au grand jour et nous fait espérer la naissance d’un grand cinéaste.

Le réalisateur use certes d’artifices déjà vus par ailleurs mais bien souvent les plus grands s’inspirent de leurs prédécesseurs et les citent pour mieux créer leur propre univers. Cette démonstration est en tout cas très convaincante.

On ne sait pas si l’auteur se rapproche de Sartre et nous dépeint une allégorie de l’enfer ou simplement l’enfoncement d’un être dans la folie et dans sa propre tête malade.

La forme et l’esthétique n’empêchent pas la tension de se créer et les interrogations d’apparaitre entre fulgurances horrifiques et dialogues illuminés d’un Willem Dafoe au sommet. Le film est anxiogène mais pas plombant, jouant sur l’épouvante sans jamais s’y plonger totalement, dans le but ultime de laisser le spectateur interrogatif.

Une très grande réussite pour terminer 2019.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

« Star Wars : L’ascension de Skywalker » de JJ Abrams – critique du Blanc Lapin

28 décembre, 2019

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Voici donc le 9ème film d’une série SF culte reprise par Disney il y a 10 ans, rachetée 4 milliards à son créateur, Georges Lucas. Si ce dernier avait été très critiqué pour sa prélogie, balourde et bâclée initiée en 1999 et terminée en 2005 par une Revanche des Sith tout juste potable, on peut dire que Disney a bien saccagé un mythe.

Le Réveil de la force était un copier coller de l’épisode IV, le 1er film historique mais avait le mérite de faire revenir Han Solo et Chewbie et d’assurer le fan service. On pouvait laisser le bénéfice du doute et attendre de voir comment les nouveaux personnages relativement insipides allaient évoluer. Finn (John Boyega) avait la palme du consensualisme mou des studios à vouloir absolument mettre un black au centre de l’histoire. Sauf que Disney n’a pas été foutu de dessiner un personnage et que son côté unidimentionnel s’est accru au fil des épisodes, malgré les tentatives d’amourettes ridicules développées dans l’épisode suivant pour arriver à la catastrophe de ce dernier épisode. On aurait pu enlever le personnage sans rien faire bouger à l’intrigue.

L’épisode VII tant décrié par certains fans haineux, Les Derniers Jedi, avait le mérite de tenter de nouvelles pistes narratives et de surprendre. Et pour le coup, il avait énervé certes mais bousculé également, avec en plus un visuel plutôt classieux. C’était sans compter sur le manque de couilles de Disney qui avec son faiseur JJ Abrams décida de tout bousiller dans ce terrible « L’ascension de Skywalker« , l’un des plus mauvais films de la saga, « La Menace fantôme » et « La Guerre des Clônes » étant pires…quoique.

JJ Abrams m’a toujours gonflé par son côté Yes man fadasse et je n’ai aimé aucun de ses films sauf Le réveil de la force, pour lequel je cédais à la nostalgie. Ici il nous ramène Palpatine, l’empereur, de façon ultra lourde, dès le départ, dès le texte qui apparait et tue tout suspens dès les cinq premières minutes, un comble scénaristique. Cet artifice pour récréer un grand méchant et effacer le film précédent est très mal géré. Le scénario enfile ensuite une succession de scènes d’actions à une rapidité frénétique fatigante qui ne laisse pas une seconde de répit aux personnages et utilise la moindre occasion pour torpiller le film précédent et se renier. C’est minable de s’aplatir de la sorte face aux fans enragés qui n’avaient pas aimé et c’est surtout renoncer à toute idée nouvelle pour enfoncer des portes ouvertes et terminer les neufs films sur une note qui ressemble plus à un pudding indigeste qu’à une apothéose. Les personnages peu développés dans les deux précédents films n’ont donc pas le temps de se développer dans ce film là et à part Kylo Ren et REY, les autres sont inutiles et horriblement chiants. Pire, Abrams nous rajoute de nouveaux personnages tout aussi fadasses ce qui est scénaristiquement complétement con !

Le manque d’ambition et de vision scénaristique de l’ensemble donne envie de vomir tant le résultat donne un spectacle dénué de personnalité, escamoté de partout, inconsistant et surtout donnant à cette trilogie une absence totale de sens et de raison d’être. Les personnages sont inintéressants, peu empathiques, fades, il n’y a aucun humour et les idées de départ contestables en soit s’avèrent toutes de mauvaises idées.

Cet épisode est un gâchis total et une honte pour Disney. Avec cet épisode la firme risque fort d’avoir sacrément altéré la poule aux oeufs d’or et n’a certainement pas réussi à faire traverser la saga à une autre génération. La bonne nouvelle est qu’ils en ont terminé avec les Skywalkers, la mauvaise est qu’ils feront d’autres longs métrages. Sauront-ils apprendre de leurs erreurs ? Le box office du film et très décevant et les critiques relativement mauvaises mais la faute revient au cynisme des équipes, au scénario et à l’arc narratif inconsistant. Je ne comprend pas que l’on puisse dépenser autant de pognon pour livrer un résultat aussi mauvais alors que l’histoire devait être au centre de tout et qu’ils bénéficiaient de l’aura extraordinaire d’une mythologie existante.

C’est consternant.

La piste aux Lapins :

Mauvais

 

« Les deux papes » de Fernando Meirelles – critique du Blanc Lapin

28 décembre, 2019

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Le réalisateur de « La cité de Dieu » et « The Constant Gardener » réalise pour Netflix ce biopic déguisé du Pape François en expliquant comment le pape Benoît XVI et lui, radicalement opposés sur à peu près tout, se sont trouvés et compris.

Le film a pour lui une reconstitution plus que crédible du Vatican, ainsi qu’un duo d’acteurs fabuleux. Jonathan Pryce (Brazil, Les Aventures du baron de Münchhausen, Le temps de l’innocence, Pirates des Caraïbes, Taboo, Games of Thrones,  L’Homme qui tua Don Quichotte) est un cardinal  Jorge Mario Bergoglio taquin, fantasque et progressiste. Il lui donne toute la malice et l’anticonformisme qu’on lui prête tout étant grave et tiraillé lorsque le passé obscur du religieux durant la dictature argentine rejaillit. En ce sens Fernando Meirelles a l’intelligence de ne pas totalement verser dans l’hagiographie même si il montre clairement sa préférence et fait du personnage un futur pape particulièrement sympathique.

Évidemment Anthony Hopkins est génial comme d’habitude et trouve un excellent rôle à 81 ans, ce qui n’est pas si fréquent et ce qui fait rudement plaisir à voir. Tout comme Pryce, sa ressemblance avec l’original est assez bluffante en terme de mémoire collective. Il donne à son personnage toute la rigidité d’une éducation et d’une vie consacrée à Dieu et à la théologie, fervent gardien d’un ordre immuable face au monde en évolution permanente. On y comprend les raisons de sa rigueur même si on ne les partage pas mais surtout on comprend les raisons de sa démission du poste de Pape, chose rarissime puisque pour la seconde fois, 700 ans après son prédécesseur.

C’est toute la force du film que d’expliquer les joutes idéologiques des deux prélats et la force du pardon ou du renoncement au profit de leur croyance.

Le film est souvent drôle de par ses dialogues mais les flashbacks sur la vie de Bergoglio sont un peu longs et auraient pu être coupés.

Enfin le film est donc très conciliant avec le Pape François.

Cependant vous passerez un excellent moment grâce à l’interprétation au sommet de ces deux grands acteurs.

La piste aux Lapins :

3,5 lapins

Ba de « TENET » de Christopher Nolan avec Robert Pattinson, John David Washington (BlacKkKlansman)

26 décembre, 2019

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Christopher Nolan est l’un des maitres du septième art aujourd’hui, qui a l’immense luxe de faire ce qu’il veut et de rameuter le public sur son seul nom.

Après le très réussi « Dunkerque« , il s’inspirera d’un de ses maitres, l’immense Alfred Hitchcock.

Il s’agira d’un thriller romantique intitulé TENET et faisant penser à « La Mort aux trousses » mais aussi à « Inception », l’une des plus brillantes réussites de Christopher Nolan.

Robert Pattinson campera l’un rôles principaux. Il est vrai que depuis Twilight, ce dernier s’est efforcé de construire une filmographie exigeante chez David Cronenberg (Cosmopolis, Map to the stars), chez l’excellent David Michôd dans le non moins excellent « The Rover« , dans le  « Life » d’Anton Corbijn, « The Lost City of Z » de James Gray ou le plutôt réussi « Good Time » ou l’excellent « High life » de Claire Denis. Sa filmographie est donc exigeante et commence à avoir une sacrée gueule.

John David Washington, qui a explosé dans BlacKkKlansman de Spike Lee sera l’autre tête d’affiche masculine.

Kenneth Branagh retrouvera le réalisateur après Dunkerque et Michael Caine, à 86 ans, tournera pour la huitième fois chez le réalisateur Anglais. Assez impressionnant tant par l’âge de ce grand acteur culte que par cette fidélité. Clémence Poésy, Dimple Kapadia et Aaron Taylor-Johnson complètent le casting.

La sortie est déjà fixée au 17 juillet 2020 et sera probablement l’un des évènements de l’an prochain !

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Sortie le 22 juillet 2020

« La vérité » de Hirokazu Kore-eda – Critique du Blanc Lapin

26 décembre, 2019

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Juliette Binoche et Catherine Deneuve sont donc réunies par le palmé de 2018, Hirokazu Kore-eda (Une affaire de famille) dans une comédie grinçante sur une vieille actrice égotique qui a délaissé sa fille toute sa vie pour sa carrière.

Catherine Deneuve est impériale comme d’habitude mais ce rôle est particulier car elle joue le rôle d’une icône de cinéma qui a tout donné à sa carrière, comme elle dans sa vie. Forcément Kore Eda s’en amuse et installe de l’ironie partout dans film avec ce duo d’actrices au sommet complété par un Ethan Hawke un peu touriste.

On ne sait pas ce qui est inspiré du personnage de Deneuve et c’est tout ce qui fait le sel du film. Le personnage est dur et pas franchement sympathique. Un monstre froid qui joue toujours, même dans sa vie et ne vit que pour les films qu’elle laissera.

On espère que ce n’est pas le cas de notre Catherine nationale sinon ce serait triste et pathétique. Kore Eda filme aussi bien le rapport écrasant et étouffant d’une mère sur sa fille que la douleur de cette dernière de ne pas avoir eu de vraie mère. L’aveuglement de l’artiste est celui d’un ogre égocentré au détriment de ses proches. Kore eda n’est pas complaisant et souvent provoque le sourire et l’effroi dans une même scène.

Mais le réalisateur dépeint cet atroce personnage avec humour et légèreté et surtout le tandem fonctionne très bien. Le film se fait parfois mélancolique ou fantasque, brouillant les repères et présentant une vision assez ambiguë du milieu du cinéma et des acteurs. On y voit le revers de cette vie de conteurs professionnels où le jeu peut finir par couper du réel.

La piste aux Lapins :

3,5 lapins

« Une vie cachée » de Terrence Malick – critique du Blanc Lapin

15 décembre, 2019

Une vie cachée : Affiche

Terrence Malick est un immense réalisateur. A chaque fois que j’en parle au sein d’un groupe, je trouve minimum une personne pour me dire que c’est trop chiant, trop contemplatif, que « La Ligne rouge » c’est complètement perché, que « Le Nouveau Monde » on s’ennuie ou que « Tree Of life » oh oui, la scène avec le diplodocus…je l’ai bien entendu 20 fois celle là…

Que dire ? Que dire sans passer pour un snob ? Malick a signé deux chefs d’oeuvre au début de sa carrière avec La Balade sauvage et Les Moissons du ciel en 1978. Il faudra attendre 20 ans d’absence où personne ne savait ce qu’il était devenu pour qu’il sorte cette fameuse « Ligne rouge » qui fascine de nombreuses personnes et en exclue d’autres. Tout simplement parceque c’est un cinéaste de la nature et du temps et que le temps il le prend, ainsi que les silences. Les mêmes reproches sont faits au superbe « Le Nouveau monde » qui suivit. Sa palme d’Or « Tree of life » est pour moi son point d’apothéose et de rupture. Il abandonne certains critères formels ainsi que les dialogues pour entrer dans la tête des personnages et de ce qu’ils pensent et se libérer de la parole. C’est un parti pris radical qui a lâché une bonne partie des personnes ayant vu les deux films précèdent et je comprend la difficulté d’être patient dans le monde de zapping et d’immédiateté d’aujourd’hui. Mais cette patience est le prix d’une certaine délicatesse du propos.

Je trouve ceci juste dommage que cela se fasse au détriment de la possibilité de rester éveillé, ouvert à la mise en place d’un univers cinématographique par son auteur. Ce manque de patience du public tue la capacité à être contemplatif et à se poser. Les trois films suivants furent il est vrai carrément perchés voir ennuyeux car poussé à l’extrême, Malick sortait totalement d’un cadre narratif.

Avec ce très beau « Une vie cachée » , Malick trouve un bel équilibre entre sa période anté et post Tree of life. Il retrouve une narration facile à suivre et des dialogues sans abandonner l’introspection des personnages. Le seul écueil de son film est sa longueur. 2h50 ce n’est pas ennuyeux, c’est juste qu’il aurait pu couper une heure et il aurait réalisé un chef d’oeuvre à la hauteur des films précédemment cités.

Malick s’inspire de faits réels pour nous présenter le combat d’un héros, d’un vrai, Franz Jägerstätter, paysan autrichien, qui refusa d’intégrer l’armée nazie. Le réalisateur trouve son Christ, son personnage qui manquait à ses précédents longs métrages et qui donne une force incroyable à son récit ou plutôt à son chemin vers sa foi et son choix. Le personnage est d’une grandeur, d’une noblesse et d’un courage qui vous fait pleurer, pour de vrai. Car au milieu du chaos, alors que l’être humain est lâche et se fond très vite dans le pire régime et les pires infamies sans penser même à résister, lui se dresse simplement contre ce qui lui parait être contre la nature, contre-nature.

Cette morale chrétienne peut gonfler les non croyants mais ici elle est d’une beauté vraiment touchante. La simplicité de sa vie familiale et de son bonheur quotidien, pourtant de dur labeur est l’alpha et l’omega de son existence. Malick filme cette mère nature à nouveau avec des plans prodigieux et arrive à lier ses personnages à leur morale par ce biais, avec une sincérité et une évidence qui désarçonnent. Mais il filme aussi l’inhumain, la bête sale et haineuse, la peur et la brutalité avec nous comme témoins effondrés de tant de beauté et tant d’horreur dans une même espèce.

Ce chemin spirituel se révèle malgré sa durée, que l’on oublie sorti du film, tant l’impact est profond.

« Une vie cachée«   est un très grand film pacifiste dont l’impact dure longtemps après la projection.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

« Brooklyn Affairs » d’Edward Norton – critique du Blanc Lapin

15 décembre, 2019

Brooklyn Affairs : Affiche

Edward Norton est un excellent acteur très connu des quarantenaires et plus puisqu’il a explosé il y a 20 ans avec Fight Club et American History X. S’en sont suivis 10 ans de carrière plutôt riches avec pas mal de bon rôles avant qu’il ne tente l’aventure Marvel et se plante dans le second Hulk, avant que la firme ne fasse des milliards avec sa nouvelle stratégie. Est-ce la raison pour laquelle il s’est fait si rare ou juste qu’on l’a de moins en moins appelé. En tout cas comme de nombreux brillants acteurs, il y a eu un creux de 10 ans avec trois apparitions géniales en second rôle chez Wes Anderson (Moonrise Kingdom et The grand Budapest Hotel) ou chez Inarritu (Birdman).

Quelle grand classe pour cet homme, à défaut d’avoir de bon premiers rôles proposés que de s’en créer un aussi touchant pour sa seconde réalisation, particulièrement réussie.

« Brooklyn Affairs« est certes de facture très classique et rend hommage aux polars noirs avec un académisme assumé. Mais son scénario est vraiment intelligent et ses personnages bien trouvés et bien castés de Alec Baldwin en magnat de l’urbanisation de New York (personnage réel d’ailleurs) à Willem Dafoe en idéaliste au mystérieux passé et toute une galerie de seconds rôles excellents. La bande-son jazzy berce et imprègne le film.

Mais là où le film brille c’est par sa thématique de l’acceptation de la différence, la couleur de peau ou le syndrome Gilles de la Tourette qu’a le personnage principal. On y accompagne des losers magnifiques qui croient en une morale et se battent contre plus forts qu’eux. Le film se veut réaliste et pragmatique. L’existence des personnages est broyée par un système plus puissant, sans pour autant verser dans le glauque, ou la facilité de dénonciations béates et naïves des dérives d’un pouvoir. Au contraire, on y voit un prisme final surprenant. Il fait preuve d’une belle nuance de tons.

Edward Norton est un acteur de grande finesse et un réalisateur très élégant. Une des très belles surprises de cette fin d’année.

La piste aux Lapins :

4 étoiles

 

Ba « L’histoire vraie du Gang Kelly » avec Russell Crowe, Nicholas Hoult et Charlie Hunnam

15 décembre, 2019

 

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Charlie Hunnam (Sons of Anarchy, Crimson Peak, The Lost City Of Z) rejoint le casting du western « L’histoire vraie du Gang Kelly« .

Il y retrouve l’excellent Nicholas Hoult, Russell Crow et George MacKay (Captain Fantastic, 22.11.63).

Justin Kurzel, qui s’est planté avec “Assassin’s Creed” mais avait plutôt un respect des critiques avec « Les Crimes de Snowtown » et divisé avec « MacBeth« , saura t-il saisir ce film pour se refaire ?

Basé sur un livre de Peter Carey, George MacKay jouera le célèbre hors la loi Ned Kelly, brutal, et viscéral, qui mourut à l’âge de 25 ans en 1880 dans un assaut de la police Australienne.

Présenté à Toronto, le film a reçu un accueil excellent.

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