Archive pour décembre, 2021

Les meilleurs films du Blanc Lapin 2021 : N°15 à N°1

30 décembre, 2021

En cette année 2021 exceptionnelle pour le cinéma, la plus riche des 12 années de blog du blanc lapin de par l’embouteillage des sorties cinés et de très nombreux films qui auraient du sortir sur deux ans, vous constaterez en tête du classement que j’ai un peu triché en mettant beaucoup de monde sur le podium.

Mais très honnêtement les films en question sont impartageables et ne pas les faire figurer juste parceque 2021 est une double année cinéma, aurait été injuste tant ils sont brillants chacun à leur manière.

Une année marquée par un cinéma français dans une forme incroyable (17 des 38 films que j’ai sélectionnés à plus de 4 lapins sur cinq) avec beaucoup de nouveaux talents et la naissance d’un cinéma de genre « à la française » (3 films français de genre fantastique dans la sélection).

Vous noterez aussi un cinéma iranien au sommet avec trois longs métrages dans la liste.

Le cinéma se renouvelle par de nouveaux talents puisque 15 des 38 films sont d’auteurs n’ayant jamais figuré dans mes classements les 11 fois précédentes !

Donc sur 125 films sortis et vus cette année 2021, voici donc la suite du classement des meilleurs films du Blanc Lapin pour 2021 après la première partie ici (classement de N°32 à N°15)

 

 N°15 – « Le discours » de Laurent Tirard

Le Discours - film 2020 - AlloCiné

Laurent Tirard avait surpris en 2018 avec le très bon Le Retour du Héros, comédie très enlevée avec Jean Dujardin et Mélanie Laurent, usant de stratagèmes théâtraux de portes qui claques avec des dialogues et un jeu d’acteurs de très bon niveau. Il faut dire que le réalisateur du Petit Nicolas ou Astérix et Obélix au Service de sa Majesté, n’était pas franchement connu pour être un artiste disruptif. Force est de constater qu’en adaptant au cinéma le livre du dessinateur de BD Fabcaro, le réalisateur a trouvé le matériau idéal pour poursuivre la démarche de son précédent film.

On y suit Adrien, attablé à un repas de famille, famille qu’il connait sur le bout des doigts et qui l’exaspère, alors qu’il attend un sms de sa copine, enfin sa peut être futur ex copine avec qui il est en pause, contre son grès.

Et alors que le repas s’éternise, son beau frère lui demande de faire un discours pour son mariage avec sa sœur. L’angoisse totale car quoi dire à part des banalités, surtout pour un mec timide et réservé.

L’une des grandes réussites du film est sa mise en scène hyper bien rythmée qui joue à fond la théâtralité en revenant toujours à l’unité de lieu de cette salle à manger familiale tout en rentrant dans la tête du héros pour des flashsbacks ou des illustrations vraiment drôles. Dès le début le coté théâtral est hyper assumé avec la présentation des acteurs et du metteur en scène par l’acteur principal, debout sur scène, tordant le cou à une habitude bien ancrée de présentation des équipes au début de chaque film depuis que le cinéma existe.

Les trouvailles et astuces visuelles sont vraiment réussies. Le fait de faire des arrêts sur image avec le héros face caméra qui exprime ses sentiments et ressentis tandis que sa famille est immobile comme sur pause, aurait pu virer au gadget fatiguant et vite lassant. C’est tout l’inverse, puisque le procédé donne du rythme à un scénario qui va chercher par ci par là des moments de vie.

Et le second tour de force de cette comédie est d’être drôle, très drôle, or c’est hyper rare de tomber sur un film intelligemment écrit, avec un scénario ne tombant pas dans le pathos lorsque les messages sont profonds et simples et arrivant à déclencher l’hilarité, oui ! L’hilarité ! Balaise !

Le film a ce coté universel en parlant des petits moments chiants du quotidien et de l’agacement des petits défauts de son conjoint, de ses frères et sœurs et parents. On y voit l’absence d’écoute des un et des autres et l’isolement lié aux habitudes, où chacun raconte sa propre histoire sans toujours parler de l’essentiel parceque c’est rassurant et plus confortable.

L’histoire est tout simplement bien écrite, avec finesse.

Évidemment, ce qui fait que le film décolle c’est son casting. Sara Giraudeau est émouvante et craquante. Kyan Khojandi, Julia Piaton, François Morel et Guilaine Londez sont excellents.

Mais la star, la star qui nait devant nos yeux c’est Benjamin Lavernhe, évidemment !

Bien que sociétaire de la comédie française, il a été découvert du grand public dans Le sens de la fête où il interprétait face à Jean-Pierre Bacri un marié exécrable mais tellement drôle. Puis il enchainait un super second rôle de meilleur copain de François Civil dans Mon inconnue. Et enfin vous l’avez peut-être vu en amant veule dans Antoinette dans les Cévennes l’an dernier.

Benjamin Lavernhe décroche ici son premier premier rôle dans un film suffisamment grand public pour qu’il se fasse un nom. Et sa carrière ne fait que commencer.

A 37 ans, il me fait penser à des acteurs comme Philippe Noiret, Jean Rochefort, Jean Pierre Marielle, Jean Pierre Bacri…des acteurs qui ont explosé sur le tard car ils n’étaient ni des jeunes premiers ni des monsieur tout le monde. Leur visage ou leur dégaine les rendaient atypiques et leur phrasé ou leur façon de jouer les rendait identifiables tant dans la comédie que dans le drame, avec toujours une sensibilité qui renversait le spectateur. Benjamin Lavernhe est exactement de cette veine là d’acteurs. Dans Le Discours, il alterne les émotions avec grâce et humour et porte le film sur ses épaules avec un talent évident. Je suis très content pour lui du succès probable du film et de la réussite artistique du long métrage. Il lui fallait un accélérateur de carrière ciné pour le plus grand bonheur des spectateurs (encore une fois en tant que sociétaire, il a du taf à vie). J’ai hâte de le voir déployer son talent dans plein d’autres rôles divers et variés. Rien que pour lui, le film vaut le coup d’être vu.

Le discours est très réussi et subtil, ce qui est rare sur de la comédie, genre complexe à tenir de bout en bout en équilibre.

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N°14 – « Matrix Resurrections » de Lana Wachowski

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Il est toujours casse gueule de reprendre une franchise presque 20 ans après. Pourtant Lana Wachowski a décidé de le faire sans sa sœur et sur un des hits de SF les plus emblématiques des années 2000, à l’époque où elles étaient frères.

Autant j’avais beaucoup aimé Matrix pour son côté révolutionnaire en termes d’effets spéciaux autant les deux suites m’avaient gonflées car je e comprenait rien à l’histoire qui se perdait dans des circonvolutions inutiles.

« Matrix Resurrections » a d’abord l’humour de se moquer de la propre saga Matrix mais aussi sur le fait de faire des suites et des reboots à Hollywood dans des scènes particulièrement drôles et surprenantes au début du film. On commence donc par un film méta qui regarde dans son propre miroir et la raison de faire une suite avec un humour qui faisait particulièrement défaut aux prédécesseurs.

Et là on comprend que Lana Wachowski ne revient pas pour le fric, pas du tout. Elle revient avec l’envie de réer de la nostalgie chez le spectateur tout en le ramenant dans la matrice via des scènes brillamment réalisées. Évidemment vous n’aurez pas l’effet de surprise et elle le sait et axe donc une bonne partie de l’histoire sur des dialogues, des climax, des jeux de dupes distrayant et intelligents. Elle fait évidemment du fan service en raccrochant tous les wagons et en expliquant les liens mais c’est léger et surtout, le film est terriblement fun, comme le premier du nom, et c’est le plus bel hommage qu’elle pouvait apporter.

Les nouveaux personnages introduits sont très bien écrits et utiles à l’histoire. On s’y attache, mention particulière à Buggs (rapport aux bugs et à Buggs Bunny.

Au delà de la virtuosité de la mise en scène que la réalisatrice n’a pas perdu, on est pris d’émotion par le retour de Carrie Anne-Moss et Keenu Reeves, excellents de classe et d’autodérision.

Le plus fascinant dans « Matrix Resurrections » est cette capacité à divertir tout en faisant réfléchir le spectateur sur la notion d’abrutissement par l’écran, les séries et tout le show produit aujourd’hui et qui au final rend le spectateur gavé de productions nouvelles comme les humains sont nourris par les machines pou qu’elles survivent elles-mêmes. Et sans cesse le film utilise des concepts de réalité qu’il introduit dans sans histoire pour les dénoncer à qui saura les déchiffrer, tel un code et tel que le font les personnages. C’est malin voir brillant dans un blockbuster. Ceci va jusque dans le fait de rire du « déjà vu » via un chat appelé ainsi, en montrant des images des précédents films et en montrant que la réalisatrice n’est pas dupe et ne prend pas ses spectateurs pour des idiots, bien au contraire.

C’est d’ailleurs tout l’amour et le respect de la réalisatrice pour son matériau et ses fans qui transpire au visionnage de ce film que je n’attendais pas aussi réussi et mature.

Moi qui ne suis pas particulièrement fan aveuglé des trois films précédents, j’ai tout compris car la réalisatrice prend soin de résumer, expliquer et virer tout ce qui était nébuleux dans les histoires précédentes. Inutile donc de revoir les trois films, vous comprendrez très aisément.

Et puis le film est émouvant en plus d’être drôle, ce que je n’avais pas ressenti avec les trois précédents films.

Le film est déconcertant, complexe sans être inaccessible, spectaculaire tout en ayant un charme fou. Une très grande réussite.

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N°13 – « Un Héros » de Asghar Farhadi

Un héros - film 2021 - AlloCiné

Pitch : Rahim est en prison à cause d’une dette qu’il n’a pas pu rembourser. Lors d’une permission de deux jours, il tente de convaincre son créancier de retirer sa plainte contre le versement d’une partie de la somme. Mais les choses ne se passent pas comme prévu…

Le plus célèbre des cinéastes iraniens revient et clôture une année cinéma 2021 marquée par trois grands films iraniens, La loi de Téhéran, Le diable n’existe pas et donc « Un Héros« .

Car avec cette histoire à la thématique surprenante et vraiment original, le maitre iranien, Asghar Farhadi, revient à son meilleur niveau avec un film qui fait penser à l’un de ses chef d’œuvre, Une séparation.

Asghar Farhadi commence d’abord par nous décrire une histoire qui se passe très bien autour d’un personnage naïf mais solaire, à qui la chance semble sourire. On a le sourire aux lèvres devant toutes ces portes qui s’ouvrent, un peu interloqué par l’attitude des geôliers avant de comprendre le poids de l’image et le fait qu’ils utilisent son acte héroïque pour faire oublier leur mauvaise image. Car et c’est là ce qui est très surprenant, l’Iran vit aussi au rythme des réseaux sociaux, de l’immédiateté, du qu’en diras t on ? qui dépend de l’image renvoyée à la société. Ce n’est que dans la seconde partie, lorsque l’histoire s’emballe dans le mauvais sens et que le personnage s’enfonce dans ses mensonges, que l’on comprend l’envers du décors, la face sombre de cet étalage public et de ses conséquences. Au final on n’est pas très loin d’un schéma occidental sauf qu’il est passionnant de le voir appliqué à la société civile iranienne. On voit les gens vivre, se déchirer, se soutenir. On voit le rôle d’associations qui aident les condamnés à mort ou les victimes d’injustices et surendettements. L’auscultation de cet Iran de 2020 est en soit fascinante.

Mais le réalisateur créé une tension, une angoisse qui monte et étouffe le personnage avec le brio qu’on lui connaissait dans ses meilleurs opus. La mécanique kafkaïenne est terrible d’autant qu’on voit les rouages se gripper et l’histoire partir à conte sens, incapables d’agir et ayant envie de crier à cet individu gentil et naïf qu’il fait les mauvais choix.

L’idée de faire mentir un personnage aussi solaire et sympathique, juste par la facilité qu’il pense avoir à simplifier les problèmes, est géniale. Car si au début on se dit que ces mensonges ne portent pas à conséquences, le scénario nous les renvoie en pleine figure. Et le plus intéressant est que le réalisateur ne porte pas de jugement moral sauf sur la police manipulatrice et manquant de décence.

« Un Héros » est un thriller captivant de bout en bout et magistralement mis en scène et interprété.

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N°12 – « La terre des hommes » de Naël Marandin

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Le cinéma français est en très très grande forme. Après les superbes films de genre « Teddy« , « La Nuée« , le magnifique comte « Gagarine« , pour ceux qui ont accroché la Palme d’Or Titane, le tour de force de mise en scène « Annette« , l’excellent polard « Bac Nord« , voici un nouveau grand film.

Sur le papier l’histoire de « La terre des hommes«   a tout du sujet ultra casse gueule.

C’est un peu #MeToo rencontre le drame paysan et donc forcément, mélanger deux thèmes sociétaux parmi les plus médiatisés de ces dernières années aurait pu franchement vriller putassier et facile.

Il n’en n’est rien grâce d’une part à une réalisation au cordeau, qui sait alterner caméra qui suit de dos l’héroïne, la prend en plan super serré lorsqu’elle est perdue, sait s’échapper pour filmer la campagne et l’angoisse, l’isolement qui peut se dégager de certains paysages.

Bien sûr, Naël Marandin filme l’emprise avec un Jalil Lespert en prédateur sans scrupules qui piège sa victime par son pouvoir et surtout sa manipulation. Les cadres sont physiquement étouffants. Et c’est en partie la force du film, que de ne pas tomber dans une histoire de viol évidente mais dans un viol perpétré par un prédateur qui met le doute, lui insère dans la tête tout le poids de la culpabilité. La scène est d’ailleurs très importante car elle montre sur quoi le prédateur va se défendre et surtout le fait qu’il est lui-même convaincu d’avoir recueilli un consentement. Cette nuance et ce double regard de l’un et de l’autre est sacrément gonflé mais donne une force, une puissance au propos.

Diane Rouxel est prodigieuse dans ce rôle et mériterait un César pour cette prestation intériorisé, ce regard de doute, puis de détermination, puis de peur, parfois mélangés ensemble.

Car  »La terre des hommes » parle aussi de la dureté du monde payant, avec un Olivier Gourmet en père aimant mais dépassé, toujours aussi excellent ou un Finnegan Oldfield, en compagnon à fleur de peau, qui se bat pour avoir des rêves, qui croit que le couple peut faire son trou dans ce milieu d’une dureté incroyable.

On y voit des ordures, des rapaces prêts à dépecer le premier collègue qui sera mis en liquidation judiciaire, dépendant d’autorités agricoles très politiques où le pouvoir est détenu par quelques uns, dont le loup de l’histoire.

Le film a donc cette double facette, ce double intérêt de traiter de la pauvreté paysanne, de la jeunesse paysanne qui voit tout de même de l’espoir et se bat pour des projets, confrontée à la froideur d’une administration gangrénée par quelques apparatchiks qui ont droit de vie ou de mort sur leurs rêves. Et face à cela, le  réalisateur ajoute le sujet de l’emprise.

La maitrise du sujet…enfin des sujets, le scénario taillé avec justesse, le jeu des acteurs impeccable font de « La terre des hommes«   une excellente surprise de cette rentrée de septembre.

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N°12 – Ex Aequo – « Don’t Look Up: Déni cosmique » de Adam McKay

Don't Look Up: Déni cosmique - Ciné-Feuilles

Le pitch : Deux piètres astronomes s’embarquent dans une gigantesque tournée médiatique pour prévenir l’humanité qu’une comète se dirige vers la Terre et s’apprête à la détruire.

C’est donc l’un des csting les plus hype de l’année que se aie Netflix avec accrchez-vous Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Cate Blanchett, Jonah Hill, Timothée Chalamet, Mark Rylance, Ron Perlman ou Ariana Grande pour les plus connus.

Et c’est un uppercut irrévérencieux très réussi pour Adam McKay, réalisateur oscarisé de l’excellent The Big Short en 2015 et qui a depuis officié sur la série Succession.

Le réalisateur livre un film extrêmement rythmé, grâce à la bonne idée de la menace d destruction du monde et un jeu d’acteurs au sommet, tous étant au top et Di Caprio renouant avec la comédie dans laquelle il a finalement peu eu d’occasions à part Attrapes moi si tu peux de Spielberg. Mais surtout le film est extrêmement drôle et passe au vitriol toute la sottise humaine de la société d’aujourd’hui, chacun en prenant plein la gueule.

Les politiques passent pour des demeurés incompétents qui surfent sur le marketing inconscients des dangers qu’ils sont e charge de régler par des décisions courageuses. Sauf qu’ils n’y comprennent rien et s’en contrefoutent tandis que les journalistes font du sensationnalisme et du show ou alors si ils sont plus sérieux, manquent de courage face aux autorités. Quand au quidam moyen, c’est un bon gros consommateur rivé à son smartphone et complétement décérébré. Bref, il n’ a personne à sauver tant l’humanité est devenue décérébrée et l’homme ultra égocentré.

Aux Etats-Unis le film n’a visiblemnt pas fait rire tout le monde et son accueil est divisé, certains se sentiraient ils visés ? Rassurons les ! C’est une satire donc c’est exagéré, comme le Docteur Folamour en son temps… et le problème c’est que se sentir autant visés et le prendre aussi mal, c’est louche non ?

Adam McKay utilise la farce ironique limite nihiliste avec une telle rage que çà fait franchement du bien. Ce n’est pas démago, c’est juste faire rire à partir élèvements qui vous rappelleront des situations pathétiques hélas déjà vues en moins trash et c’est là que le film devient limite flippant. Les fake news et le complotisme, sont évidemment passés au lance flammes.

C’est comme i vous regardiez Mars Attacks en réussi, le film de Burton ayant été l’un de ses premiers pas très inspiré.

Le film est étonnamment sombre, on aurait pu remplacer la comète par les catastrophes climatiques à venir.

Une remarquable réussite dans un style très difficile, celui de faire rire en regardant en face es défis qui attendent le monde.

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N°11 – « Boîte noire » de Yann Gozlan

Boîte noire - Film (2020) - SensCritique

Six ans après « Un homme idéal« , le réalisateur Yann Gozlan retrouve Pierre Niney pour un autre thriller basé sur un concept fort et original.

Il nous immerge pour ceci dans un métier inconnu du grand public, celui de de technicien au BEA, autorité responsable des enquêtes de sécurité dans l’aviation civile. Un jour un crash aérien du vol Dubaï-Paris dans le massif alpin amène Mathieu Vasseur, joué par Pierre Niney, en tant que responsable de sur l’enquête.

Et là un cercle vicieux va commencer à tourner avec une logique d’engrenages dont sir Alfred Hitchcock n’aurait pas renié la qualité d’écriture.

Car Boite noire a un scénario excellent, qui aurait pu aller trop loin, à force de rebondissements mais qui sait garder un équilibre juste. Il nous ballade d’hypothèses en hypothèses avec une réalisation de premier ordre, qui ne tombe pas dans la facilité et impulse un suspens comme on en voit rarement dans le cinéma français.

Décidément le cinéma français est en très grande forme en cette année 2021 et Yann Gozlan y apporte tout son talent dans la catégorie film à suspens parano.

Pierre Niney trouve ici un de ses meilleurs rôles, d’une justesse impeccable entre intellectuel persuadé d’avoir raison et jeune homme ambitieux pris par l’hubris au point de semer le doute.

Car au delà d’un scénario haletant et d’excellents seconds rôles dont André Dussollier, l’acteur Pierre Niney nous montre la palette de son jeu, de ses regards épris de doutes puis de conviction à la limite de la folie. C’est très très réussi.

On est scotchés de bout en bout par ce thriller excellent où l’obsessionnel efface toutes les frontières entre conviction complotiste et réelle manipulation.

La sobriété du film alliée à une originalité de climax proche du « Chant du loup » fait de ce « Boite noire » un film à voir de toute urgence !

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N°10 – « Stillwater » de Tom McCarthy

Stillwater (2021) Film. Où Regarder le Streaming Online

En 2015, Tom McCarthy frappait fort avec Spotlight et ce film sur l’enquête sur les prêtres pédophiles au sein de l’Eglise Catholique. Son film était limite documentaire et reçu de nombreux prix à juste titre.

Aujourd’hui il revient avec un film très original puisqu’il immerge un foreur de pétrole du fin fond de l’Oklahoma en plein cœur de Marseille. Mais quelle drôle d’idée !

On se dit que çà ne va pas prendre, que ceci risque de tomber dans les clichés des américains sur la France ou dans le comparatif balourd entre une Amérique beauf et des situations défavorisées de quartiers. Sauf que pas du tout.

Le film est d’une finesse incroyable, porté par un duo tout aussi improbable.

Matt Damon retrouve un grand rôle comme il n’en n’avait pas eu depuis très longtemps dans cette stature de mâle taiseux, qui ne parle pas un mot de français et se déracine totalement de son Amérique profonde pour sauver sa fille, emprisonnée pour meurtre.

A travers son regard, ses expressions très minimalistes, il réussit à insuffler au personnage un attachement et une histoire, sans avoir besoin d’expliquer son passé. Face à lui Camille Cottin est impressionnante de naturel, avec un anglais impeccable qui lui ouvre les portes d’Hollywood puisqu’on la retrouvera bientôt chez Ridley Scott dans « House of Gucci« . Elle est tout simplement excellente de bout en bout en femme moderne, actrice de théâtre qui va aider cet américain complètement perdu qui ne sait pas à qui s’adresser. La construction de leur relation et d’un cocon de protection avec la fille du personnage de Camille Cottin, va dresser un miroir à la relation père-fille que le personnage a ratée. Cette fille jouée par Abigail Breslin est toute en nuances jusqu’au bout et ajoute une autre dimension au film, surprenante.

« Stillwater« est un grand film, ambitieux et qui aborde avec une grande subtilité la construction et déconstruction de liens familiaux, au-delà des frontières linguistiques, des murs de prison ou des océans.

Et c’est une très belle histoire, qui marque et qui reste dans la tête plusieurs jours tellement la mise en scène caméra à l’épaule, en plans serrés et le jeu des acteurs troublants de vérité et de naturel, font de cette histoire un must de 2021. L’action et le côté thriller alternent avec des scènes plus intimistes et donnent à l’ensemble une vitalité, une force qui font que les 2h20 passent très vite, avec une certaine forme d’évidence. L’évidence des très bons films.

Les nuances de « Stillwater » et ses propos plein de délicatesse en font l’une des plus belles surprises de l’année.

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N°09 – « Sound of metal » de Darius Marder

Sound of Metal en DVD : Sound of Metal - AlloCiné

Ruben et Lou, ensemble à la ville comme à la scène, sillonnent les Etats-Unis entre deux concerts. Un soir, Ruben est gêné par des acouphènes, et un médecin lui annonce qu’il sera bientôt sourd. Désemparé, et face à ses vieux démons, Ruben va devoir prendre une décision qui changera sa vie à jamais.

« Sound of metal » est porté par l’excellent Riz Ahmed, vu dans Night call, Star wars Rogue One, la série the Night Of, ou Les frères Sisters de Jacques Audiard.

Ici sa frêle silhouette de petit mec énervé va se confronter au mur du silence comme un coup d’arrêt immédiat à une vie, des rêves, une fuite en avant que le personnage orchestrait avec sa copine. Ils étaient restés adolescents et sentaient une liberté mais aussi un stress, celui de ne pas savoir vers où ils allaient. Ce mélange d’inconnu et de kif pour une musique et un art qu’ils adorent, se trouve stoppé net.

Privé de l’audition, de ce qui créait ses plaisirs, son repère au monde et guidait sa passion, le personnage voit alors tout se dérober sous ses pieds.

Dès lors que faire ? L’immersion de ce dernier dans une communauté de sourds muets va alors lui permettre de retrouver l’espoir et surtout de reconstruire un monde, des liens sociaux. Le film est à la fois très rude par la violence de ce qui arrive et cette cassure à laquelle n’importe qui peut s’identifier.

Mais il est aussi porté d’une lucidité sans pathos, et avec de la lumière malgré out, juste que ce n’est pas celle qu’aurait souhaitée le personnage, c’est un chemin imposé.

Le réalisateur, Darius Marder, dont c’est le premier film de fiction à 48 ans, décide de nous immerger dans ce monde du silence en usant des bruits, des sonorités telles que le personnage les perçoit dorénavant puis en nous faisant écouter le vrai son par les personnages extérieurs. Ceci donne au récit une dimension très particulière et au delà d’une excellente direction artistique et d’une direction d’acteur là aussi brillante, le film provoque un sentiment très étrange.

On est pendant deux heures aux côtés de ce jeune homme qui se bat pour ne pas perdre un monde dont il a été expulsé du jour au lendemain pour toujours. Son combat est très émouvant et encore une fois très sobre, pas de mélo. Mais surtout le film provoque à plusieurs reprises une émotion que je n’ai jamais ressentie de la sorte auparavant grâce au thème et au traitement de ce dernier.

Rares sont les films qui allient aussi bien le fond de leur propos et la forme.

Un des grands films de 2021 assurément.

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N°08 – « La Nuée » de Just Philippot

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Le pitch : Difficile pour Virginie de concilier sa vie d’agricultrice avec celle de mère célibataire. Pour sauver sa ferme de la faillite, elle se lance à corps perdu dans le business des sauterelles comestibles. Mais peu à peu, ses enfants ne la reconnaissent plus : Virginie semble développer un étrange lien obsessionnel avec ses sauterelles…

Le film de genre à la française revient en force avec plusieurs films acclamés en festival dont « La Nuée« , premier film de Just Philippot, qui embrasse les cauchemars de monstresmais aussi les réflexions autour du monde paysan et de la grande difficulté économique que ces derniers encaissent. Et c’est là que le film est original, son scénario, écrit par Jérôme Genevray et Franck Victor est très très bien ficelé, faisant monter la pression par strates successives et sans relâche, en intercalant des moments plus axés sur la violence sociale que vit l’héroïne, jouée par  Suliane Brahim, sociétaire de la Comédie-Française.

Souvent en France, il est de bon ton qu’un réalisateur écrive aussi son scénario. Sauf que ce sont deux métiers très différents et qu’on n’a pas forcément le même talent pour les deux. En prenant ce récit via ce découpage des taches entre deux excellents scénaristes et un jeune réalisateur totalement tourné vers l’immersion dans l’étrange, le résultat est indéniablement l’une des plus belles pépites que le cinéma français sortira en 2021 !

Suliane Brahim incarne un personnage trouble dont on n’arrive jamais à savoir quelle sera sa direction entre folie ou raison, entre faire passer en premier ses enfants ou ses insectes. Le lien qui l’unit à ces bêtes est particulier car axé sur sa propre survie, celle de pouvoir vivre de son exploitation. Elle est prête à sacrifier tellement que le scénario surfe sur l’inconscient collectif que l’on a de grands psychopathes du cinéma d’épouvante. Sauf qu’ici le psychopathe travaille avec des monstres en pleine campagne. Strange.

La maitrise incroyable du récit, de la mise en scène, avec une économie de démonstration et peu de scènes horrifiques en soit, montre à quel point « La Nuée » est très original et différent de ce que l’on connait.

La spirale fantastique du film le rend fascinant et terrifiant.

On a hâte de voir la suite de la filmographie tant des scénaristes que du réalisateur et de l’actrice principale.

Un belle et forte surprise et une proposition de cinéma qui fait du bien car elle innove avec talent.

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N°07 – « The Father » de Florian Zeller

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Florian Zeller est un auteur de théâtre et un écrivain à succès devenu réalisateur de grand talent avec ce premier film, The Father, encensé par la presse et qui a valu un second Oscar du meilleur acteur à Anthony Hopkins dans le rôle d’un père perdant la mémoire sous nos yeux et étant géré par sa fille, jouée par l’excellente Olivia Colman (La Favorite, The Crown).

Un second oscar du meilleur scénario a couronné le film à très juste titre.

The Father est tout simplement bouleversant de bout en boit car il repose sur un concept brillant. Il nous fait vivre à nous, spectateurs, le perte de repères temporelle, la confusion des lieux, des dates et même des individus en nous insérant dans la tête de cet octogénaire en perdition.

Anthony Hopkins est hyper impressionnant et amène une empathie incroyable pour lui sans aucune forme de pathos ou de condescendance. Il est d’une justesse incroyable avec en face de lui une Olivia Colman tout aussi inspirée.

Le film aurait pu être uniquement lourd et angoissant. Certes le sujet est grave et ne prête à aucune légèreté mais il est amené avec tellement de talent dans le scénario à tiroirs que le film vous scotche devant l’écran et ne peut pas vous laisser indifférent.

Le film trotte d’ailleurs dans la tête un peu plus longtemps car il vous renvoie à votre propre situation, celle de vos parents, grands-parents voir la votre si vous vous projetez. Un sujet si universel méritait un traitement aussi fin, réaliste et regardant les choses en face. Amour de Michael Haneke avait aussi cette force de l’inévitable, du déterminisme de notre finitude à tous tout en charriant des flots de sentiments.

La piste aux Lapins :

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N°06 – « Le sommet des Dieux » de Patrick Imbert

Le sommet des dieux - Le Méliès - Grenoble - Cinéma art et essai

Quelle idée gonflée pour un réalisateur français que d’adapter un manga culte de Jirô Taniguchi, auteur de « Quartier lointain« , « L’homme qui marche » ou « Le journal de mon père« .

« Le sommet des Dieux » fait partie de ces œuvres fascinantes de simplicité et de beauté et la première force du film est de synthétiser 1000 pages de mangas en 1h30 et de garder toute l’essence de l’œuvre pour la rendre accessible au plus grand nombre.

Le pitch : A Katmandou, le reporter japonais Fukamachi croit reconnaître Habu Jôji, cet alpiniste que l’on pensait disparu depuis des années. Il semble tenir entre ses mains un appareil photo qui pourrait changer l’histoire de l’alpinisme. Et si George Mallory et Andrew Irvine étaient les premiers hommes à avoir atteint le sommet de l’Everest, le 8 juin 1924 ? Seul le petit Kodak Vest Pocket avec lequel ils devaient se photographier sur le toit du monde pourrait livrer la vérité. 70 ans plus tard, pour tenter de résoudre ce mystère, Fukamachi se lance sur les traces de Habu. Il découvre un monde de passionnés assoiffés de conquêtes impossibles et décide de l’accompagner jusqu’au voyage ultime vers le sommet des dieux.

L’animation est tout d’abord fidèle au roman graphique et d’une grande fluidité, permettant de toucher du doigt toute la poésie de ces aventuriers limite nihilistes qui se dépassent pour gravir des sommets quitte à y mourir et qui le font pour l’ivresse du dépassement, pour s’extirper de leur propre vie vers un idéal à la fois fascinant et qui les surpasse.

« Le sommet des Dieux » parle de l’humilité de l’homme face à la nature et se mue en réflexion philosophique sans jamais tomber dans le démonstratif ou l’explication de texte.

Patrick Imbert insuffle un rythme, un suspens qui vous prend aux tripes et vous balance une décharge d’humanité qui fait un bien fou.

La profondeur des thèmes et leur extrême pudeur font de cette adaptation l’un des grands films de 2021.

Arriver à capter le gigantisme des paysages, le danger qui se dérobe sous les pieds, le vertige des risques pris, juste avec des dessins. C’est un tour de force très très respectable.

« Le Sommet des Dieux » allie un scénario et une narration intelligente, une illustration graphique fidèle et qui capte toute la réflexion sur de grandes questions existentielles, et se termine sur l’impression d’avoir vu un très grand film.

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N°05 – « Le dernier Duel » de Ridley Scott

L'histoire vraie de Jean de Carrouges et Jacques Legris, héros du film "Le  dernier Duel" de Ridley Scott - Geo.fr

Pour ce nouveau scénario signé par Matt Damon et Ben Affleck, Ridley Scott renoue avec le meilleur de son cinéma et livre un film miroir à son premier chef d’œuvre et premier long métrage, « Les duellistes« .

Ce qui frappe d’abord est son sens aigu et clair pour filmer des scènes de batailles d’une rare violence avec brio. Papy Scott n’a rien perdu de son talent et même, ce que je pouvais lui reprocher sur Gladiator et des scènes d’action très brouillées où on ne voyait rien, ici et bien c’est l’inverse. On voit toute la brutalité du moyen âge et le peu de cas donné au sens d’une vie.

Ridley Scott use donc d’une histoire vraie, le dernier duel à mort autorisé en France par le Roi en 1386, pour décrire trois versions d’un même récit sous l’angle des trois protagonistes, le mari bafoué, joué par Matt Damon, l’épouse clamant qu’elle a été violée, Jodie Comer, et l’accusé de viol, incarné par Adam Driver.

Et là, avec la même technique que sur le Rashomon d’Akira Kurosawa, le maitre britannique livre son meilleur film depuis 15 ans. Car les scènes sont vues avec de légers décalages de points de vues et chaque personnage prend en épaisseur, en nuance ou au contraire en brutalité et veulerie.

L’évolution du récit est fascinante car l’angle change. Le personnage chevaleresque et soucieux des femmes passe à une brute obligée de faire la guerre pour gagner de l’argent. On y voit la construction d’une rivalité sur le favoritisme fait à l’un et le refus de tout ou l’humiliation infligé à l’autre. Il est alors plus question d’image que d’honneur ou de défense du bon droit. Pareil pour l’accusé violeur dont la vision propre est nuancée dans son regard même si Scott assume de le désigne coupable ou non coupable dans les faits. Il distille juste le malaise que certaines soubresaut donnent aujourd’hui comme The Morning Show.

Ridley Scott fait de son film un brulot féministe dénonçant la crasse de la culture du viol de cette époque et nous ramène au chemin encore à parcourir justement en montrant la vision du mâle et son absence de conscience.

C’est à la fois brillant et très moderne que de parler de sujets très contemporains avec autant de finesse et de recul sur notre propre histoire culturelle.

Le dernier duel est une fresque médiévale pleine de surprises, mise en scène avec brio et portée par un casting quatre étoiles au premier rang duquel Jodie Comer, héroine de Killig Eve, explose comme une énorme star.

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N°04 – « The Nightingale » de Jennifer Kent

Critique du film The Nightingale - AlloCiné

Le pitch : Tasmanie, 1825. Clare, une jeune irlandaise, poursuit un officier britannique à travers la Tasmanie pour se venger d’actes de violence qu’il a commis contre elle et sa famille, avec pour seul guide un aborigène.

Disponible sur OCS depuis le 09 mars 2021

OCS : forces, faiblesses, un concurrent sérieux pour Netflix ? Ce qu'il  faut savoir avant de s'abonner - CNET France

 Avec Aisling Franciosi, Sam Claflin, Baykali Ganambarr
On reconnait un grand film assez rapidement. Lorsqu’au bout de cinq minutes, on est happé par la mise en scène, le scénario, le jeu, l’ambiance.
« The Nightingale » est une totale réussite. La réalisatrice Jennifer Kent, repérée avec le film d »épouvante Mister Babadook en 2014, revient avec un film qui parle de condition féminine (ou plutôt d’absence de condition) dans une Australie d’une violence inouïe au 19ème siècle.
Elle décrit le racisme à l’état brut et pur. La violence des morts et des situations est forte mais impactante. On comprend toute l’horreur d’un comportement génocidaire de colons anglais bas du front et capables du pire, de nier l’humanité d’une femme ou d’un autochtone. La bêtise, la cruauté et la stupidité humaine, de ces blancs se sentant supérieurs et civilisés mais détruisant un autre peuple et s’abaissant à l’état de bêtes, c’est hélas le lot commun des envahisseurs sur tous les territoires du monde tout au long de l’histoire de l’humanité.
Jennifer Kent le montre crument et nous fait toucher du doigt la fragilité de la vie, l’absence de valeur donnée à cette vie par ces connards qui ont pavé notre histoire commune et l’ont façonnée. Alors forcément, on ne s’étonne pas de la violence actuelle car l’homme est un loup pour l’homme et encore le loup vit en meute. Ici bien des personnages sont immondes mais mention spéciale est à adresser à celui joué par Sam Claflin, qui trouve enfin un bon rôle. C’est d’ailleurs une bonne idée de confier ce rôle de sadique sans aucune conscience à part celle de son égo, à un beau mec, plastiquement séduisant mais à gerber de par son comportement.
Puis la réalisatrice nous plonge en pleine nature et jungle sauvage, hostile mais non du fait des animaux mais plutôt des hommes blancs qui la traversent avec brutalité. D’ailleurs le symbolisme de l’arrivée à la ville et de l’immersion dans un monde encore plus dangereux est extrêmement réussi.
Aisling Franciosi campe cette jeune femme pleine de rage et qui n’a plus rien à perdre. Mais là où plein de réalisateurs auraient transformé ce film de vengeance en thriller rythmé par une musique omniprésente, Jennifer Kent apporte tant un regard de femme vraiment nouveau sur le genre que des choix de mise en scène radicaux.
La violence n’est pas embellie ou scénarisée avec des choix de couleurs, de ralentis ou autres astuces. Non, elle est brutale, arbitraire et on ne l’attend pas, on la subit. Par ailleurs, l’absence de musique ancre encore plus le long métrage dans une absence d’artifice. C’est ce qui permet au film d’atteindre un niveau supérieur à la moyenne artistique, via également son choix de format d’image carrée, très resserré.
Cette guerre entre Aborigènes et britanniques en Tasmanie est un sujet relativement inédit et une période, un lieu de l’histoire rarement évoqué au cinéma.
Le film est nuancé quant à la psychologie de ses deux protagonistes, la femme et l’aborigène, interprété magnifiquement par Baykali Ganambarr, au regard inoubliable d’humanité, de révolte et de dignité. Leurs mentalités meurtries vont apprendre à se comprendre et à s’associer pour faire naitre une amitié. C’est là que « The Nightingale » décolle littéralement par le souffle de l’émotion qu’il apporte. La grande dignité du récit, âpre et de la volonté de survie pour se venger puis pour l’autre, c’est ce qui fait que le film devient très beau, très fort sans aucun sentimentalisme.
La puissance de « The Nightingale » est qu’il fonctionne comme un uppercut drainant des thématiques sociales très fortes, brulot pour la tolérance entre les peuples autant que divertissement rempli de suspens teinté de déterminisme voire de nihilisme. Cette dimension de vengeance d’une femme et d’un homme à qui on a tout pris sans aucune retenue, sans aucun contrôle, en leur marchant dessus, en niant leur existence, fait du film un objet cinématographique marquant.
Une grande réalisatrice est née, signant un excellent film à voir de toute urgence !
La piste aux Lapins :

4,25 lapins

 

 

ET ET ET …LA TETE DU CLASSEMENT 2021 AVEC PAS MAL D’EX AEQUO CAR CE SONT DES FILMS EXCEPTIONNELS :

 

3ème ex aequo – « Drive my car » de Ryusuke Hamaguchi

Drive My Car - film 2021 - AlloCiné

Il faut faire un certain effort pour vouloir voir ce « Drive my car« , film japonnais de 3 heures soit une complexité à trouver ce temps dans un agenda. Le film était l’un des chocs du dernier festival de Cannes et il est reparti avec le prix du scénario alors qu’on le voyait dans les favoris pour la Palme d’Or après son accueil critique unanimement dithyrambique.

Et c’est vrai que « Drive my car » est un très grand film, une réussite majeure qui fait exploser à l’international un grand cinéaste japonnais, Ryusuke Hamaguchi.

Moi qui déteste les films longs, j’ai trouvé le film fluide et certes baigné d’un rythme particulier mais sans scènes en trop.

Le réalisateur arrive à nous parler du deuil, de l’acceptation de la disparition de l’être aimé avec une très grande finesse dans son scénario justement, d’où cette récompense cannoise hyper logique.

On y suit un acteur de théâtre reconnu qui vit avec son épouse scénariste de télévision, qu’il adore avant qu’un drame le pousse loin de chez lui pour la mise en scène d’Oncle Vania à Hiroshima, avec des acteurs parlant des langues différentes dont la langue des signes. Et afin de ne prendre aucun risque d’accident, le festival qui l’accueille exige qu’une jeune chauffeur conduise sa voiture pendant toute la durée des préparatifs et de la représentation.

Bien sur la durée du film est utilisée pour développer divers personnages secondaires qui donnent énormément d’humanité et de touches fines au tableau que dresse l’auteur.

Surtout il fait se croiser deux être extrêmement seuls qui n’arrivent pas à faire un deuil, à passer à autre chose et qui sont emprisonnés tant dans leur vie passée, leurs souvenirs que l’absence de mots mis sur leurs erreurs, sur les regrets qui les dévorent, ce qu’ils auraient voulu dire au disparu, comment ils auraient pu éviter le drame. Le déterminisme et la fatalité qui se sont abattues sur ces personnages aboutissent à un message de vie et surtout un recul brillant sur comment exister dans un monde où l’être qui était tout pour soit n’est plus là.

Le film réussit à construire cette relation devant nos yeux sur la base de l’écoute. L’écoute de l’auteur dont l’épouse lui raconte ses histoires avant d’en faire des scénari et on comprendra pourquoi plus tard, l’écoute d’une cassette audio pour apprendre son texte, l’écoute par le chauffeur de tout ce qui arrive à son client avant d’interagir, l’écoute de l’acteur lorsqu’elle se confie, l’écoute des sept acteurs de théâtre qui lisent leur texte encore et encore afin d’atteindre une perfection de jeu…le scénario se renvoi des références, des clins d’œils et fonctionne de façon incroyable lorsqu’il explique les scènes passées et redéploie des scènes vues plus tôt qui prennent tout leur ses à la lumière de l’évolution de l’histoire.

Quel hommage aux conteurs et à la force de la parole pour panser les blessures et renaitre. Quel hommage à l’art en tant que tel, à cette pièce de théâtre d’Anton Tchekhov dont le héros dit à un jeune acteur que le texte lui répond quand on se l’approprie et qu’on lui parle, comme un être fascinant et vivant. Et là où « Drive my car » est très très fort c’est qu’il illustre ce propos qui pourrait être ultra théorique via quelques scènes plus loin qui ouvrent l’histoire et vous font dire « ouha, sacré dispositif scénaristique !« .

« Drive my car » est donc un film brillant d’intelligence, à la fois envoutant, sensuel et limpide. Et non le film n’est pas du tout chiant, loin de là. Il s’y passe de nombreuses choses même si elles sont souvent racontées mais c’est justement tout le thème et le tour de force du film.

La suggestion provoquée par les mots et le récit que font les personnages, récits qui s’enchevêtrent, est d’une ampleur assez bluffante, et d’une profondeur assez rare.

La piste aux Lapins :

4,5 lapins

 

 

3ème ex aequo – « La main de Dieu » « The Hand of God » de Paolo Sorrentino

La Main de Dieu - film 2021 - AlloCiné

Le Pitch : Naples dans les années 80. Fabietto Schisa, adolescent mal dans sa peau, vit avec sa famille excentrique et haute en couleurs. Mais son quotidien est soudain bouleversé lorsque Diego Maradona, légende planétaire du football, débarque à Naples et le sauve miraculeusement d’un terrible accident. Cette rencontre inattendue avec la star du ballon rond sera déterminante pour l’avenir du jeune homme. Avec La Main de Dieu, Sorrentino revient dans sa ville natale pour réaliser son film le plus personnel, qui mêle le destin et la famille, le sport et le cinéma, l’amour et les illusions perdues.

Paolo Sorrentino est l’un des grands réalisateurs italiens du moment, qui tourne à l’international et nous a livrés L’Ami de la famille (2006), puis Il Divo (2008) sur l’homme politique italien Giulio Andreotti, This Must Be the Place avec Sean Penn, La Grande Bellezza sur un écrivain romain désabusé, qui reçoit l’Oscar et le Golden Globe du Meilleur Film étranger en 2014 et enfin le sublime Youth où Michael Caine et Harvey Keitel interprètent deux amis artistes au crépuscule de leur existence, un film magnifique. Puis il va marquer les critiques avec sa série en deux saisons géniales sur un Pape jeune mais ultra conservateur joué par Jude Law avec The Young Pope puis THe New Pop tout aussi excellente avec en plus le trop rare John Malkovich.

De par ses thématiques variées, sa mise en scène fluide et très esthétique, usant de bande son toujours originale et de scènes surréalistes venant agrémenter des rêves des personnages, Sorrentino a trouvé son style, assez vite reconnaissable.

Vous retrouverez tout ceci dans cette production Netflix, prête à conquérir de nombreux prix début 2022 après son Lion d’argent à Venise en septembre dernier, car c’est probablement l’un de ses meilleurs si ce n’est son meilleur film.

« La main de Dieu » raconte son histoire à lui, totalement autobiographique, d’un jeune adolescent qui trouva sa voie après un drame familial d’une violence que je ne connaissais pas avant de lire sa bio, après le visionnage. En se livrant ainsi, Paolo Sorrentino nous offre un magnifique hommage à la création, à la liberté et l’insouciance de son adolescence et surtout à ses parents.

Toni Servillo et Teresa Saponangelo sont à tomber par terre et ne pourront que vous rendre fans absolus de leurs personnages, de leurs trahisons, leurs mensonges, leurs fêlures. Le regard sur ses parents de Sorrentino est tendre sans être trop mélancolique car il leur rend vie à travers ces deux portraits iconoclastes. Cette mère blagueuse qui fait des canulars est géniale, ce père volage communiste et banquier est excellent et haut en couleurs. Et toute la familia italienne autour donne lieu à des scènes où l’on est hilares.

Le film est au début très lumineux et très drôle et bien sur le réalisateur choisit la nuit pour les scènes de drame et post drame et le crépuscule pour son entrée dans l’âge adulte.

Filippo Scotti crève l’écran dans le rôle du réalisateur, à la fois naïf et solaire, qui découvre la vie peu à peu. On peut lui prédire une belle carrière.

Je rassure les non fouteux, Maradona n’est qu’un prétexte à un superbe film sur les illusions perdues de l’adolescence, la fin de l’enfance forcée avec toute une galerie de personnages denses, complexes ou tout simplement tellement originaux que le film passe à une vitesse incroyable.

On touche du doigts la solitude et le manque qui ont amené à façonner l’artiste qu’est devenu Paolo Sorrentino aujourd’hui.

Et c’est d’autant plus émouvant qu’avec ce film, il semble parler à ses parents et leur dire « voyez ce que vous m’avez transmis ! voyez ce que je suis devenu grâce à vous ! Pour tout cela je vous aime « . Il est difficile de ne pas être ému par ce message après avoir tant croqué la vie avec lui dans ce Naples magnifié.

Un film sublime.

La piste aux Lapins :

4,5 lapins

 

3ème ex aequo - »Nomadland » de Chloé Zaho

Nomadland - film 2020 - AlloCiné

Voici enfin le film multi récompensé d’un lion d’Or à Venise, Oscar du meilleur film, 3ème Oscar de meilleure actrice pour Frances McDormand (Madame Joel Coen) et Oscar de la meilleure réalisatrice pour Chloé Zaho, seconde réalisatrice oscarisée, d’origine asiatique qui plus est.

A tous ces titres le film est mémorable mais il serait limitatif de le considérer uniquement par ce biais prestigieux. Car si Nomadland a autant séduit, c’est surtout parceque c’est un grand film, d’une puissance rare.

Chloé Zaho avait déjà montré avec The Rider son attachement aux grands paysages montagneux et désertiques d’Amérique. Elle en fait ici un quasi personnage à part entière et s’intéresse à un thème et une population dont on ne parle jamais.

Nous allons suivre durant près de 2h une femme d’une soixantaine d’année qui a perdu son travail et son mari (elle est veuve) dans une région désindustrialisée d’une cité ouvrière du Nevada, rayée de la carte lorsque l’usine a fermé.

Mais plutôt que de tenter de se reconvertir sur place, elle a préféré prendre la route avec son van et vivre sans domicile fixe, en alternant des petits boulots au fil de son voyage.

On ne comprend qu’à la fin la raison de ce chemin et de ce (non) choix de vie. Car si le personnage vit de peu et s’est vue contrainte de tout abandonner pour des raisons d’argent, son périple s’avère aussi être une échappée qui l’empêche de faire le deuil et lui permet de ne pas couper totalement avec le passé. Ces paysages sont autant d’occasions de s’intérioriser.

Le film n’est ni misérabiliste ni bourré de pathos, à l’image de son actrice principale, au regard qui évoque à la fois la tristesse et la ténacité, Nomadland nous fait découvrir des vies brisées qui se sont trouvées un mode de vie empreint de liberté et de volonté de ne pas trop s’attacher au matériel des choses, voire aux souvenirs. C’est toute l’ambiguïté du film que de voir ces personnages tenter de s’en sortir, se serrer les coudes et créer une vrai communauté, mais aimer également ce mode de vie comme une réponse à la société qui les a jetés sur le côté et comme une déclaration de vie face à un passé qui les a brisés à un moment ou un autre.

Le fait d’embaucher des non acteurs, des personnes qui vivent vraiment en nomades rend le film particulièrement authentique. Chloé Zaho aime les silences et illustre la grande solitude de ces âmes vagabondes tout en montrant le lien qui les unit, les fragilités qui créent leur communauté et ce besoin immense de s’oublier dans les étendues désertiques et les paysages à couper le souffle, plus grands qu’eux mêmes. Ils donnent évidemment une résonance toute particulière à leur solitude. C’est comme si les personnages s’abandonnaient à la nature, préféraient l’absence d’attache, fuyant le monde normé des vivants sédentaires car il est derrière eux… avec de très bons souvenirs mais une absence d’envie d’en accumuler d’autres sans les proches qui sont désormais disparus. La vie n’aura plus le même goût alors pourquoi tenter de la recréer de façon factice ?

Le message est très beau et fait pleurer à plusieurs reprises par son extrême simplicité naturaliste.

On est sidéré par tant d’humanité blessée, de résilience et de force qui imprègne le personnage de Frances McDormand. La modestie de la réalisation rend le film encore plus fort et plus attachant envers ces personnages fantomatiques que l’Amérique a oubliés depuis longtemps.

Mais surtout le film se veut un hymne à la vie et à la commuions avec la nature, moins désespéré que le thème ne le laisserait penser, avec une nuance de couleurs crépusculaires où la lumière est encore présente et c’est très très beau.

La piste aux Lapins :

4,5 lapins

 

3ème ex aequo – « A Sun » de Mong-Hong Chung

 

Résultat de recherche d'images pour ""A Sun" de Mong-Hong Chung"

Surprenant que Netflix diffuse ce type de film, comme quoi la plateforme diversifie son offre et ne pense pas qu’aux séries de qualités diverses ou aux gros films d’auteurs.

Je viens donc de découvrir un nouveau grand nom du cinéma asiatique. Mong-Hong Chung est taïwanais, il n’est pas à son premier long métrage mais ses films ne traversaient pas les océans. Merci donc à la plateforme au N rouge.

Car je me suis pris une vraie claque de cinéma avec cette histoire de famille déchirée par un drame, qui va se déconstruire et se reconstruire sous nos yeux.

Ne vous fiez pas aux 2h30 de durée, ils passent très vite tant le talent de mise en scène rappelle les plus grands, de la finesse de Wong Kar Wai et l’action plus énervée des grands réalisateurs sud coréens.

Le film fascine dès ses premières minutes lorsque le jeune cadet de la famille participe à une vengeance auprès d’une petite frappe. Il se retrouve emprisonné pour trois ans. Sauf qu’il vient de mettre enceinte une gamine de 15 ans, que sa mère tente comme elle peut de gérer, que son frère ainé, beau et intelligent est le chouchou du père qui méprise son autre fils qu’il considère comme un raté…ambiance.

A cette histoire de famille qui s’est construite sur des déceptions, une absence de dialogue, des culpabilités, va se rajouter tour à tour un fantôme, un thriller noir, une histoire de rédemption et d’acceptation, et au final un chemin vers la lueur.

Mong-Hong Chung a une immense tendresse pour ses personnages auxquels on s’attache immédiatement, qu’ils soient dans l’aveuglement, la violence stérile ou qu’ils soient paumés.

Peu à peu les fils entre eux vont se démêler et devenir d’une limpidité confondante, d’une beauté assez remarquable. A de nombreuses reprises l’émotion arrive là où on ne l’attend pas, avec sobriété mais avec l’effet que font les grands films, ceux qu’on ne voit pas venir et qui vous emportent.

Les messages du film sont universels et au final d’une grande simplicité. Mais aussi A sun reste un objet de cinéma divertissant malgré l’alternance de minimalisme formel et de ruptures émotives qui prend garde à ne jamais laisser le spectateur se perdre. Il prend certes le temps de décrire les relations et d’instaurer une ambiance très particulière formée de tension et d’espoir. Mais il ne prend pas trop le temps, usant d’ellipses et d’effets d’accélérateurs de l’histoire pour éviter au spectateur de s’appesantir et l’accrocher à l’étape d’après.

Œuvre à l’esthétique parfois radicale, A Sun use parfois de violence graphique mais toujours au moment opportun, jamais pour de l’esbroufe. A Sun alterne le romanesque et d’autres genres de cinéma avec une fluidité étrange.

Forcément, après ce coup de maitre, je ne peux qu’avoir envie de voir ce que Mong-Hong Chung nous réservera pour la suite de sa carrière.

La piste aux Lapins :

4,5 lapins

 

 

2ème ex-Aequo – « Gagarine » de Fanny Liatard, Jérémy Trouilh

Gagarine de Fanny Liatard, Jérémy Trouilh (2020) - UniFrance

Youri, 16 ans, a grandi à Gagarine, immense cité de briques rouges d’Ivry-sur-Seine, où il rêve de devenir cosmonaute. Quand il apprend qu’elle est menacée de démolition, Youri décide de rentrer en résistance. Avec la complicité de Diana, Houssam et des habitants, il se donne pour mission de sauver la cité, devenue son  » vaisseau spatial « .

Fanny Liatard et Jérémy Trouilh signent leur premier film et c’est une énorme claque !

Comment parler de banlieue sans verser dans les clichés, sans ressasser les sempiternels constats et en positivant. Gagarine n’est pas un feel good movie mais une métaphore surprenante dont vous sortirez des étoiles plein les yeux car le film est très beau.

Il a ce qui est rare au cinéma, quelques fois par an, la grâce !

En choisissant de suivre ce jeune homme à peine sorti de l’adolescence qui rêvait de devenir cosmonaute et tente à tout prix de réparer sa cité pour éviter qu’on la détruise, les réalisateurs ont choisi un angle de vue totalement original et différent. Ils rendent un merveilleux hommage à tous les rêveurs, ceux qui pensent que l’imaginaire est plus fort que le réel et permet de tenir. Forcément, je ne peux qu’être touché par cela, moi qui adore Terry Gilliam et tous les fous capables de s’évader avec trois bouts de ficelles et un carton, juste en se projetant dans leurs fantasmes et en laissant leurs créativité intérieure panser tout le reste.

Car Gagarine n’en demeure pas moins un film social. Mais c’est plus sur la communauté de vies que le film insiste. Sur ces familles reliées par un même lieu, une cité qui tombe en ruines mais qui est leur vrai chez eux car ils y ont noué des liens humains, des souvenirs et bien sur, des rêves. La solidarité des uns et le jamais content des autres donne à l’ensemble une vie de village explosé et de vrais gueules.

Le héros gère sa propre solitude et l’abandon par sa mère par cet objectif totalement fou, celui de réparer sa cité voir de s’envoler comme Youri Gagarine.

Alséni Bathily, Lyna Khoudri, Jamil McCraven et Finnegan Oldfield forment un quatuor de jeunes gens absolument renversants de sensibilité, d’amitié et de solitudes qui s’entrechoquent et s’apprivoisent parcequ’ils ne sont rattachés à rien d’autre que cette cité « Gagarine« .

Celà faisait très longtemps que je n’avais pas vu autant de douceur, de poésie d’une simplicité confondante qui donne le sourire et un message ultra positif sans être naïf pour autant.

Le film est qui plus est superbement mis en scène, entre travelling exposant tout l’urbex de ce batiment en ruines et les idées d’images très originales qui illustrent ce poème salvateur et onirique.

Bouleversant et en apesanteur. Un très grand film.

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4,5 lapins

 

 

2ème ex-Aequo – « Annette » de Léos Carax

Annette - film 2021 - AlloCiné

Le pitch : Los Angeles, de nos jours. Henry est un comédien de stand-up à l’humour féroce. Ann, une cantatrice de renommée internationale. Ensemble, sous le feu des projecteurs, ils forment un couple épanoui et glamour. La naissance de leur premier enfant, Annette, une fillette mystérieuse au destin exceptionnel, va bouleverser leur vie.

Léos Carax est un réalisateur très rare, adulé mais qui ne sort que son sixième film à 60 ans. Le réalisateur de « Mauvais sang », « Les amants du Pont neuf » et le merveilleux « Holy Motors » était attendu au tournant avec cette comédie musicale, maintes fois repoussée et basée sur un travail étroit avec le groupe Sparks.

Le film a divisé à Cannes et va diviser le public entre ceux qui trouvent le film ridicule et ceux qui adorent et crient au génie.

C’est sur que voir Marion Cotillard en cantatrice qui meurt à la fin de chacune de ses pièces de théâtre, çà peut faire penser à sa mort ratée dans The Dark Knight Rises. Ok, mais ce serait vraiment stupide de s’arrêter à cela. C’est vrai que la voir chanter en cantatrice grimée ceci peur agacer certains. Et enfin c’est vrai que le choix gonflé de Carax de représenter l’enfant du couple de la sorte (surprise, je ne vous dis pas) peut désarçonner une partie du public mais il y a une raison, évidente, que vous comprendrez à la toute fin.

Et bien moi je fait partie de l’autre catégorie qui s’est pris une énorme claque de cinéma !

Le cinéma n’est pas mort, il revient à Cannes et de quelle plus belle manière pouvait-il le faire ?

Léos Carax a l’idée géniale de présenter son film par lui même, muet qui lance le générique avec les Sparks et une chanson qui invite à intégrer le show, « So may we start ?« …et là le film décolle dès le début en chansons et ne quittera jamais le concept. Cà chante tout le temps du début à la fin.

Adam Driver de sa voix grave est juste génial de bout en bout et mériterait un prix d’interprétation.

Certaines scènes sont des moments de fulgurance narrative assez incroyables. La scène à moto, les scènes du comique qui s’adresse au public sont tout simplement brillantes.

Driver est confondant de talent et Carax confondant d’inventivité et de fluidité de sa mise en scène.

Il lie l’histoire de ce couple star d’artistes et leur destin à la construction d’un grand Opéra. Jusque dans les décors, somptueux qui rappellent la scène de théâtre, tout est pensé, millimétré avec une intelligence incroyable.

Léos Carax m’a surpris par un film comme je n’en n’ai pas vu auparavant, pas comme çà.

Annette est d’une poésie sombre, rythmée par une BO des Sparks qui colle au récit avec virtuosité.

Ce récit sur le mal profond né de la jalousie et de la passion, sur l’enfance volée, sur la célébrité est d’un lyrisme impressionnant.

Ce chef d’œuvre instantané est qui plus est très accessible.

Un film sublime et déchirant, d’une beauté rare.

La piste aux Lapins :

5 lapins

 

1er ex-aequo 2021 

 

« La loi de Téhéran » de Saeed Roustayi

 

La Loi de Téhéran - film 2019 - AlloCiné

Le pitch : En Iran, la sanction pour possession de drogue est la même que l’on ait 30 g ou 50 kg sur soi : la peine de mort. Dans ces conditions, les narcotrafiquants n’ont aucun scrupule à jouer gros et la vente de crack a explosé. Bilan : 6,5 millions de personnes ont plongé. Au terme d’une traque de plusieurs années, Samad, flic obstiné aux méthodes expéditives, met enfin la main sur le parrain de la drogue Nasser K. Alors qu’il pensait l’affaire classée, la confrontation avec le cerveau du réseau va prendre une toute autre tournure…

Pour son premier film, l’iranien Saeed Roustayi scotche tout le monde et se fait un nom aux côtés des plus grands dont Asghar Farhadi ou Jafar Panahi.

Dès les premières scènes il dévoile l’ampleur de sa mise en scène extrêmement fluide et qui use du symbole sans en faire des caisses. On y voit des policiers qui arrêtent des centaines de consommateurs de drogue dure, entassés dans un terrain vague entre des silos de bétons, de tous âges par c’est la pauvreté qui les a amenés là. L’exode des cette foule d’anonymes vers d’immenses prisons est juste bluffant car il dit tout de ce fléau ingérable sur place car sa racine est la misère. La première scène est une course poursuite à pied dans Téhéran entre un policier et un dealeur et le final est juste excellent tant il va jouer sur le reste de l’histoire à un moment inattendu.

Roustayi aurait pu être considéré comme ultra classique et peu critique de la société (le film est sorti en Iran et a cartonné) mais justement il montre « les bons », ces policiers qui traquent les dealeurs et tentent de démonter un réseau, avec un regard distant.

Le policier, anti héros joué par la star Payman Maadi (vu chez Asghar Farhadi) est jusque boutiste et d’une dureté incroyable. Alors qu’on apprend très vite que les peines peuvent aller rapidement à la peine de mort.

Il nous parle de corruption de la police comme une chose commune mais fait de ses personnages de bons policiers. Pourtant il n’existe pas de vraie solidarité entre ces flics et la cohésion n’existe pas car le régime l’empêche, chacun a peur des conséquences de ne pas être plus blanc et sans reproches que le voisin. C’est raconté avec suffisamment de finesse pour que le régime ne puisse rien redire au propos du film. Mais c’est bien là comme une déconstruction du lien social.

Puis à la moitié du film, le réalisateur renverse la vapeur et va nous parler du dealer, de l’énorme poisson qu’ils recherchent, après avoir décrit avec méthode et suspens les interrogatoires psychologiques et la façon de remonter la filière. Le personnage qui entre en jeu donne alors une dimension différente au film qui passe d’excellent polar à une introspection du milieu carcéral et d’où viennent ces anonymes dealeurs ou consommateurs. Il ne cherche pas d’excuses au mal, il l’explique juste avec humanité et des petites scènes toutes simples qui emportent autant l’émotion qu’elle révèlent une grande maturité de ce grand cinéaste qui nait devant nos yeux.

Après un film haletant, complexe, qui passe à toute allure telle la première scène de course poursuite, le cinéaste brosse un portrait édifiant et d’une efficacité redoutable, sans aucun pathos, juste factuel.

« La loi de Téhéran« est un très grand film politique et social tout en étant surprenant et en tenant en haleine du début à la fin.

Grosse claque !

La piste aux Lapins :

5 lapins

 

 

1er ex-aequo 2021 

 

« Dune » de Denis Villeneuve

Un nouvelle affiche pour Dune montre la maison Atréides

Dire que j’attendais le film de Denis Villeneuve est un euphémisme tant je suis fan absolu de l’œuvre de Franck Herbert, agacé par la version pudding de David Lynch ou le niveau pathétique auquel la saga Star Wars a pu atterrir. Il faut dire que le cycle de Dune est tout ce que l’on peut rêver sur grand écran. Le scénario orchestre une lutte de pouvoirs à la Games of Thrones avec un sous texte écologique d’une planète dont on exploite les ressources au point de l’avoir transformée en planète de sable. Par ailleurs on y voit naitre une résistance et un fanatisme religieux autour d’un messie vengeur. Dune est incroyablement contemporain des maux de notre monde actuel, ce qui est le propre d’un grand récit de science-fiction que de faire réfléchir sur nous mêmes.

On a beaucoup parlé de l’impossibilité d’adapter ce roman, de la tentative folle d’Alejandro Jodorowsky avec Salvador Dali, Orson Welles, Alain Delon et Mick Jagger et puis du film boursoufflé et frustrant de Lynch et de la série cheap des années 2000.

Denis Villeneuve a donc eu une riche idée de couper le premier livre en deux. Certes, il ne développe pas tous les personnages, le docteur Yueh et Peter de Vries sont très peu présents et certains personnages ont été effacés du récit comme Feyd Rautha, le neveu Harkonnen qu’incarnait Sting ou l’empereur Shadam IV. De même, le Baron Vladimir Harkonnen n’est vu que sur quatre petites scènes, Villeneuve choisissant de le montrer de loin, de ne pas s’attarder et de ne pas en faire un méchant caricatural. C’est plutôt bien vu car il est effrayant à la manière de l’empereur dans les premiers Star Wars historiques. Et le temps gagné sur certains personnages est attribué au climax du film et à plusieurs membres des Atreides comme Duncan Idaho (Jason Momoa), le véritable héros de la saga de Franck Herbert, que l’on devrait retrouver (lui ou une version plus jeune) si les films sont un succès et que la saga est adaptée sur ses six tomes, espérons !!!

C’est donc une totale réussite que cette adaptation dont le casting cinq étoiles est pertinent, chaque personnage étant facilement identifiable de par son physique à son caractère. Oscar Isaac est un Duc Léto parfait de bienveillance et de tragédie, Rebecca Ferguson est une dame Jessica peut-être plus humaine que dans le livre mais ceci permet d’amener une émotion que certaines critiques trouvent trop peu présente. Javier Bardem en Stilgar, Josh Brolin en Gurney Halleck, Charlotte Rampling en révérende mère Bene Gesserit. C’est parfait et c’est classe. Surtout ceci permet de poser les nombreux personnages avec une grande fluidité et simplicité.

Mais surtout, Timothée Chalamet est impressionnant dans le rôle de Paul et trouve son meilleur rôle de sa jeune carrière et porte le film. Sa jeunesse physique rend le personnage de jeune prince qui se cherche (et a 16 ans au début du livre) particulièrement crédible.

Ce qui impressionne également dans ce space opéra c’est le visuel monumental des vaisseaux, des palais, d’une imposante sobriété en terme d’imagerie SF mais surtout qui renouvellement cette imagerie comme l’avait fait Villeneuve avec Premier Contact. Les décors sont d’une beauté confondante qui créé instantanément un monde ultra crédible et à la fois assez proche de nous. On peut croire à la réalité de ce monde tant le côté minéral et simple des palais et des vaisseaux est savamment pensé. L’une des grandes réussites du film est son ampleur qui n’étouffe pas les personnages. On les voit évoluer dans des espaces immenses mais jamais ces monuments n’écrasent l’intimité, la proximité des personnages.

Le visuel du fameux vert des sables comme des yeux bleus des Fremen ou même de l’épice, source de la guerre, sont tous très réussis.

Ensuite, à cette beauté et cette sobriété, Denis Villeneuve va nous présenter des scènes cultes déjà vues mais avec la même précision clinique, libérée du kitch des adaptations précédentes, pour mieux se concentrer sur le décalage entre la planète des Atreides (qui ressemble à la terre) et la planète des sables. Il passe du temps à nous immerger dans ce choc de culture et de civilisation pour mieux expliquer le déracinement de la famille de Paul puis sa confrontation aux résistants Fremen. On y parle alors de surexploitation de ressources naturelles, de colonisation brutale, ce qui place Dune très au dessus de n’importe quelle saga de SF par sa maturité et l’ampleur de ses sujets abordés. Clairement, Dune n’est pas un film avec du comique mais quand on voit la stupidité des tentatives de Disney ou Lucas (hello Jar Jar) de renouer avec Han Solo et se vautrer lamentablement, je préfère l’absence d’humour.

L’humain est au cœur de cet engrenage complexe qu’arrive à restituer de manière limpide Denis Villeneuve. La confrontation est presque plus entre le destin/le jeu politique et une famille sincère qui cherche à gouverner avec sagesse, entre des infrastructures immenses et la proximité avec ces personnages qui paraissent nus. D’ailleurs une scène avec Leto joue à fond sur la nudité comme pour amplifier l’impuissance et l’écrasante petitesse de l’homme par rapport au complot qui s’abat sur lui.

Villeneuve est un cinéaste éminemment visuel qui sait user de l’atmosphère qu’il créé pour simplifier la parole. Et c’est vrai que ce Dune est beaucoup plus contemplatif car moins ramassé que son prédécesseur mais aussi moins bavard. Exit les longues explications en voix off ou les discours trop longs. Ici, une bonne partie passe par les lieux, les lumières et c’est bluffant d’intelligence.

Ce dépouillement s’allie à la bande-son du cultissime Hans Zimmer, qui signe là de nouveau un score envoutant.

La réussite incroyable de ce Dune, part one est donc tout autant dans son casting impeccable et la psychologie des personnages respectée que le design des lieux et des vêtements qui rend le tout organique et ultra réaliste, à mille lieux des délires cosmiques d’une autre saga que Villeneuve gadgétise de part le brio de sa mise en scène.

Il faut évidemment espérer que le filme cartonne pour qu’il y ait la partie 2 de lancée en 2022 mais aussi une adaptation des autres tomes qui, de livres en livres, nous emmèneront plus loin dans ce monde curieux qui fait réfléchir sur nos propres civilisation à travers plusieurs millénaires si l’on va jusqu’à La Maison des Mères.

Denis Villeneuve a signé un chef d’œuvre de science fiction, d’une grande fidélité au roman de Franck Herbert et qui redonne ses lettres de noblesse à une science-fiction adulte et consciente des thématiques profondes qu’elle charrie.

Dune est non seulement une non-déception mais surtout une excellente surprise de l’un des plus brillants réalisateurs au monde et vous devez y courir vite pour soutenir le cinéma d’auteur allié au blockbuster, le cinéma divertissant et exigeant, celui qui vous happe et vous emmène très très loin tout en vous faisant réfléchir à la société d’aujourd’hui.

Denis Villeneuve peut être très fier de lui et de ses équipes, il l’a fait, il a réussi à transposer le monstre Dune à l’écran. Mille mercis pour ce film ambitieux et spectaculaire, confondant de beauté, d’une grande intelligence scénaristique et qui est la plus belle adaptation que l’on pouvait rêver. Dune est enfin incarné.

La piste aux Lapins :

5 lapins

 

 

 

 

 

 

Et le podium exceptionnel du Blanc Lapin pour 2021 !

 

classement blanc lapn 3ème place 2021

 

classement blanc lapin 2021

 

 

« The King’s Man : Première Mission » – critique du Blanc Lapin

30 décembre, 2021

The King's Man - Première mission : L'affiche finale du ...

Mais qu’est-il arrivé à Matthew Vaughn, brillant réalisateur derrière Stardust, X-men, le commencement, X-men Days of future past, et les deux premiers Kingsman et Kingsman, le cercle d’Or ?

Avec sa franchise d’agents secrets très particuliers aux multiples gadgets et à l’humour trash, le réalisateur avait su trouver une pâte, un rythme et un hommage très original à James Bond vraiment jouissif.

Son idée de raconter les origines des King’s man en s’appuyant sur l’excellent Ralph Fiennes et des personnages historiques comme Raspoutine pouvait être bonne sur le papier. Sauf que le film est complètement raté !

Vaughn a perdu tout son sens de l’humour ce qui revient à manger un plat fade et à s’ennuyer très vite des scènes qui s’enchevêtrent. Et l’action est très différente des autres films, plus classique. Surtout, le réalisateur nous inflige des prologues et scènes au final très longues pour bien tout expliquer, qui provoquent un véritable bâillement.

Les personnages secondaires sont très mal exploités contrairement à Kingsman justement. Ils ne sont ni drôles, ni émouvants et sont un peu là juste pour l’action, sauf que l’action est filmée avec flemmardise.

Très mauvaise surprise donc que ce prequel complètement naze.

Espérons qu’il se reprenne sur le 3ème volet car si c’est pour nous pondre huit films comme il l’a évoqué à une époque, 8 films sans odeur ni saveur, non merci !

La piste aux Lapins :

1 lapin

« The Great saison 2″, Elle Fanning et Nicholas Hoult reviennent dans la série loufoque sur Catherine II de Russie !

29 décembre, 2021
The Great Saison 2 - AlloCiné

L’excellente Elle Fanning (The Neon Demon, Young Ones) interpréte Catherine II de Russie dans la série pour la chaine Hulu intitulée « The Great« , qui a reçu d’excellentes critiques pour sa très réussie première saison (84% sur Rotten Tomatoes).

Le non moins excellent Nicholas Hoult (Skins, A Single Man de Tom Ford, X-men, le génial Mad Max Fury Road, Kill Your Friends, La Favorite) jouait son époux Pierre III, l’empereur de Russie complètement mégalo, cruel et idiot.

Catherine II de Russie détestait son époux dès son mariage l’accession de ce dernier au trône de Russie. Elle deviendra Catherine II dite « Catherine la Grande » après avoir fait assassiner son époux et orchestré un coup d’état qui lui permettra de régner pendant 34 ans sur la Russie.

La seconde saison de “The Great” est d’ores et déjà disponible sur STARZPLAY.

Bande-annonce :

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« The Card Counter » de Paul Schrader – critique du Blanc Lapin

29 décembre, 2021

The Card Counter - film 2021 : les séances, le synopsis, les photos et les  bandes-annonces du film, le casting…

Le pitch : Mutique et solitaire, William Tell, ancien militaire devenu joueur de poker, sillonne les casinos, fuyant un passé qui le hante. Il croise alors la route de Cirk, jeune homme instable obsédé par l’idée de se venger d’un haut gradé avec qui Tell a eu autrefois des démêlés.

Paul Schrader a réalisé « The Card Counter » avec comme producteur le maitre Martin Scorsese, après avoir écrit Taxi Driver pour ce dernier il y a 45 ans. Paul Schrader a aussi écrit trois autres excellents films de Scorsese, Raging Bull, La Dernière tentation du Christ et À Tombeau ouvert.

Schrader avait eu d’excellentes critiques avec son dernier film, Sur le chemin de la rédemption, avec Ethan Hawke, sorti en 2017.

« The Card Counter » suit un ancien soldat devenu joueur de poker. Un jour il rencontre un jeune homme en soif de vengeance d’un colonel qu’il connait très bien.

Ils vont arpenter les casinos pour tenter de remporter le world Series of Poker de Las Vegas mais seront rattrapés par leur passé.

Oscar Isaac et Tye Sheridan sont tous les deux excellents comme d’habitude et justifient à eux seul le visionnage.

Après la réalisation âpre et sèche de Schrader peut dérouter. Personnellement elle ne m’emballe pas et je ne fais pas partie du lot de critiques qui le mettent sur un piédestal depuis quelques années.

Certes ses films sont bons et souvent très noirs mais il me manque quelquechose pour emporter mon enthousiasme. Peut-être est ce un certain classicisme assumé et une économie de mots et d’emphase qui au final tue la tension.

« The Card Counter » est un bon thriller sur l’impossibilité de trouver la rédemption et d’effacer les fantômes de ses actes les plus vils. En ce sens le long métrage est réussi.

La piste aux Lapins :

3,5 lapin

« Don’t Look Up: Déni cosmique » de Adam McKay – critique du Blanc Lapin

28 décembre, 2021

Don't Look Up: Déni cosmique - Ciné-Feuilles

Le pitch : Deux piètres astronomes s’embarquent dans une gigantesque tournée médiatique pour prévenir l’humanité qu’une comète se dirige vers la Terre et s’apprête à la détruire.

C’est donc l’un des csting les plus hype de l’année que se aie Netflix avec accrchez-vous Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Cate Blanchett, Jonah Hill, Timothée Chalamet, Mark Rylance, Ron Perlman ou Ariana Grande pour les plus connus.

Et c’est un uppercut irrévérencieux très réussi pour Adam McKay, réalisateur oscarisé de l’excellent The Big Short en 2015 et qui a depuis officié sur la série Succession.

Le réalisateur livre un film extrêmement rythmé, grâce à la bonne idée de la menace d destruction du monde et un jeu d’acteurs au sommet, tous étant au top et Di Caprio renouant avec la comédie dans laquelle il a finalement peu eu d’occasions à part Attrapes moi si tu peux de Spielberg. Mais surtout le film est extrêmement drôle et passe au vitriol toute la sottise humaine de la société d’aujourd’hui, chacun en prenant plein la gueule.

Les politiques passent pour des demeurés incompétents qui surfent sur le marketing inconscients des dangers qu’ils sont e charge de régler par des décisions courageuses. Sauf qu’ils n’y comprennent rien et s’en contrefoutent tandis que les journalistes font du sensationnalisme et du show ou alors si ils sont plus sérieux, manquent de courage face aux autorités. Quand au quidam moyen, c’est un bon gros consommateur rivé à son smartphone et complétement décérébré. Bref, il n’ a personne à sauver tant l’humanité est devenue décérébrée et l’homme ultra égocentré.

Aux Etats-Unis le film n’a visiblemnt pas fait rire tout le monde et son accueil est divisé, certains se sentiraient ils visés ? Rassurons les ! C’est une satire donc c’est exagéré, comme le Docteur Folamour en son temps… et le problème c’est que se sentir autant visés et le prendre aussi mal, c’est louche non ?

Adam McKay utilise la farce ironique limite nihiliste avec une telle rage que çà fait franchement du bien. Ce n’est pas démago, c’est juste faire rire à partir élèvements qui vous rappelleront des situations pathétiques hélas déjà vues en moins trash et c’est là que le film devient limite flippant. Les fake news et le complotisme, sont évidemment passés au lance flammes.

C’est comme i vous regardiez Mars Attacks en réussi, le film de Burton ayant été l’un de ses premiers pas très inspiré.

Le film est étonnamment sombre, on aurait pu remplacer la comète par les catastrophes climatiques à venir.

Une remarquable réussite dans un style très difficile, celui de faire rire en regardant en face es défis qui attendent le monde.

La piste aux Lapins :

4,25 lapins

 

Nouvelle Ba « The Batman » centrée sur Catwoman et Batman

28 décembre, 2021

 

CINEMA : The Batman, un premier vrai trailer avec un super-héros plus noir  que jamais ! - GAMERGEN.COMThe Batman : ils ont vu le film ! premiers retours "on dirait un film  d'horreur"

Robert Pattinson s’est efforcé après la série de films Twilight, mauvaise mais bankable de construire une filmographie exigeante chez David Cronenberg (Cosmopolis, Map to the stars), chez l’excellent David Michôd dans le non moins excellent « The Rover« , dans le  « Life » d’Anton Corbijn, « The Lost City of Z » de James Gray ou le plutôt réussi « Good Time » ou l’excellent « High life » de Claire Denis. Sa filmographie est donc exigeante et commence à avoir une sacrée gueule. On le verra bientôt dans TENET du maitre Christopher Nolan, LA classe ! Il sera le prochain Batman, dans The Batman malgré une levée de boucliers peu justifiée.

Repoussé encore et encore, le prochain Batman devenait une arlésienne. Ben Affleck a été gentiment viré du fait de sa prestation légumistique liée à sa forte dépression et son penchant pour l’alcool. A l’origine il devait réaliser le film…mais çà c’était en 2015, il y a 4 ans ! Avant qu’il ne jette l’éponge. Et pour rappel, le dernier film solo avec Batman remonte à The dark knight rises de Christopher Nolan, sorti en 2012, il y a 8 ans déjà ! Le cinéaste Matt Reeves, fort de ses succès sur les deux derniers films « La planète des singes » ou de Cloverfield, est donc chargé de réaliser pour la Warner le prochain Batman. C’est plutôt une bonne idée et il semblerait que le film soit construit sur une idée de polars noir avec une enquête du caped crusader.

Pour les méchants, nous verrons Zoë Kravitz (Mad Max, Les animaux fantastiques) en Catwoman, livrera t-elle une prestation digne de Michelle Pfeiffer dans Batman le Défi ? Le discret mais brillant Paul Dano en Homme-Mystère (the Riddler), qui espérons fera oublier Jim Carrey dans l’affreux Batman Forever. Paul Dano a été découvert dans There will be blood et Little Miss Sunshine, il a fait office de merveilleux seconds rôles dans Prisoners de Denis Villeneuve,  Twelve Years a Slave de Steve McQueen, Youth de Paolo Sorrentino,  Okja de Bong Joon-ho. Pas des premiers rôles mais que d’excellents films. Pas con comme choix…

Colin Farrell reprendra l’autre rôle inoubiable du film de Burton, Batman, le défi, celui du Pingouin, antagoniste culte auquel Danny DeVito avait donné ses lettres de noblesse. Farrel est bon et nul doute qu’il tentera une approche radicalement différente. Andy Serkis sera Alfred le majordome. John Turturro sera le mafieux Carmine Falcone et Jeffrey Wright le célèbre commissaire Gordon Le premier teaser a été diffusé au DC FanDome de 2020 et promettait un film noir, une enquête, comme promis par Matt Reeves, très différente des autres versions de Tim Burton, Joel Schummacher, Christopher Nolan et Zack Snyder. Cette première bande-annonce promet un film très violent et sombre en effet.

Voici la nouvelle bande-annonce :

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Le film est attendu pour le 2 mars 2022.

Ba de « BIGBUG »: Jean Pierre Jeunet est de retour avec un film de robots pour Netflix

28 décembre, 2021

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Photos et affiches de BigBughttps://external-content.duckduckgo.com/iu/?u=https%3A%2F%2Ftse3.mm.bing.net%2Fth%3Fid%3DOIF.RLT2mmNPL9AtDhz76il2cg%26pid%3DApi&f=1Trailer for BigBug, Netflix's new sci-fi comedy - PlanetSmarts

Jean Pierre Jeunet s’est fait rare dans les années 2010.  Après le carton d’Amélie Poulain en 2001, Un long dimanche de fiançailles déçut quelques peu en 2004 puis Micmacs à tire-larigot fut un échec en 2009 par sa déception critique (pas catastrophique mais lassée) et publique (1,2 millions pour un réalisateur chouchou).

Et donc il ne réalisa que  L’Extravagant voyage du jeune et prodigieux T.S. Spivet en 2013, aux Etats-Unis, pour un accueil là-aussi mitigé. Bref, le modjo était parti et à 66 ans pour Jean Pierre, j’espérais que ces 7 longues années ne signifient pas une longue retraite. Car au final, des réalisateurs français avec un tel univers et un tel talent, il y en a peu. C’est une nouvelle fois Netflix qui va permettre à un grand nom de trouver son financement.

Le nouveau projet de Jean-Pierre Jeunet s’intitulera Bigbug et a été tourné en français, 7 ans après son précédent long métrage. On y suivra un groupe de banlieusards enfermés ensemble par  leurs robots domestiques bien intentionnés et souhaitant les mettre à l’abri d’un soulèvement des androïdes. Le film est annoncé par le réalisateur comme « une comédie de SF, en lieu clos, avec des humains et des robots, androïdes et mécaniques ». Jeunet avoue que son film ne trouvait pas de financements dans le circuit classique et qu’il est ravi de profiter d’une diffusion de son œuvre auprès de 138 millions d’abonnés Netflix. Comme d’autres grands réalisateurs ayant sauté le pas avant lui, il explique que Netflix permet de produire des projets plus fragiles mais qu’il ne croit pas à une concurrence pour le cinéma, preuve en est sa plutôt bonne santé malgré l’émergence desdites plateformes.

Il est peut être trop tôt pour tirer de telles conclusions puisque la vraie guerre des plateformes de VOD commence en 2020, avec tous les acteurs qui seront en présence. Le casting sera composé de Claire Chust (« Scènes de ménages »), Elsa Zilberstein, Alban Lenoir, Stephane de Groodt, Isabelle Nanty, Claude Perron, François Levantal. On espère donc un retour en grande forme de notre rêveur made in France. Il s’agira probablement de l’un des projets alléchants qui sortira en en 2021 sur Netflix avec un peu de retard du à la pandémie mais le film est en cours de tournage.

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Le film sera mis en ligne sur Netflix le 11 février 2022

Les meilleurs films du Blanc Lapin 2021 : N°32 à N°16

26 décembre, 2021

Cette année 2021 qui se termine fut exceptionnelle de par le nombre de films sortis en salles.

Le confinement de 2020 et les 4 mois et demi de fermeture en début d’année des cinémas ont créé un embouteillage inédit en salles, donnant une durée de vie d’exploitation aux films fragile et complexe. Beaucoup de bon films ont été sacrifiés par un très court temps à l’affiche.

Mais d’un point de vue purement cinématographique, le nombre de bons films sortis a été impressionnant. Du jamais vu en 12 ans de blog du blanc lapin.

C’était même une double année cinéma.

Rendez-vous compte, j’ai vu 124 films sortis cette année au cinéma ou sur les plateformes de streaming légal. C’était complexe de tout voir car mon record était à 103 films en 2018 et généralement c’est plutôt autour des 80 à 90.

La rigueur qu’il a fallu pour voir ces films tout en ayant une vie à côté et d’autres centres d’intérêt n’a pas toujours été simple.

Et donc sur ces 123 films, environ 30% atteignent minimum 4 lapins sur 5 soit de très bons films, extrêmement réussis.

C’est la raison pour laquelle, exceptionnellement, le classement comporte 38 films classés sur 32 places car oui, il y a des ex-aequo en tête du classement tant il est impossible de départager de tels bijoux.

Ce n’est pas par facilité mais bien parceque les films 2021 sont exceptionnellement bons de par le nombre sortis.

Alors que fallait-il voir en 2021 selon le Blanc Lapin et que devez-vous rattraper si vous les avez loupés ?

 

N°32 – « Les choses humaines » d’Yvan Attal

Les Choses humaines - film 2021 - AlloCiné

Le pitch : Un jeune homme est accusé d’avoir violé une jeune femme. Qui est ce jeune homme et qui est cette jeune femme ? Est-il coupable ou est-il innocent ? Est-elle victime ou uniquement dans un désir de vengeance, comme l’affirme l’accusé ? Les deux jeunes protagonistes et leurs proches vont voir leur vie, leurs convictions et leurs certitudes voler en éclat mais… N’y a-t-il qu’une seule vérité ?

Yvan Attal est un très bon réalisateur et prouve à intervalles réguliers que sa maitrise de la mise en scène et sa rigueur donnent de très bons films. Ses récentes adaptations « Mon chien stupide » d’après John Fanté et « Le Brio » avec Camélia Jordana et Daniel Auteuil étaient vraiment d’excellents films.

Avec Les choses humaines, adapté du roman de Karine Tuil, il signe à nouveau un bon film sur la thématique très actuelle du consentement. A l’époque de #MeToo on voit régulièrement dans nos discussions les gens s’opposer entre l’effet de balancier que certains trouvent too much où l’accusé de violences sexuelles est mis au banc des coupables sans possibilité de se défendre, sali de fait et les tenant(e)s de la liberté de parole comme primordiale sur tout, y compris sur la présomption d’innocence. Le Problème est donc ce juste milieu complexe entre laisser des victimes s’exprimer et accéder à une justice efficace et des présumés coupables se défendre sans passer immédiatement pour des monstres sachant que souvent le tribunal médiatique les emporte. Et c’est justement ces thèmes qui sont au cente de ce long métrage extrêmement casse gueule.

Yvan Attal filme le doute dans le regard des parents mais aussi l’impact psychologique, la dimension de distinction de classe entre des élites de gauche nanties et une famille de victimes plutôt religieuse. Le jeu d’acteurs est brillant entre Pierre Arditi en présentateur de gauche bourgeois et profitant de son succès dans sa vie sentimentale, une Charlotte Gainsbourg géniale en mère de son propre fils dans la vie, Ben Attal (fils aussi de Yvan). Ce dernier fait de premiers pas excellents en premier rôle devant la caméra après son passage réussi dans « Mon chien stupide« . Enfin Suzanne Jouannet en victime sincère et perdue et Matthieu Kassovitz donnent un contrechamp troublant tandis que Benjamin Lavernhe joue un avocat d’une grande intelligence à la prestation marquante.

Bref, le casting quatre étoiles permet au film de servir un propos nuancé, éloge même d’un regard distant et de la noblesse de l’institution judiciaire tout en surprenant de part l’issue même du film. « Les choses humaines » prends le temps de l’écoute et c’est précieux dans notre société du jugement hâtif où l’on zappe au fait divers suivant de façon hiératique. Parfois le film aurait mérité quelques coupes pour gagner être un peu plus svelte et efficace.

On pense à Douze hommes en colère pour le film de procès ou au récent « Le dernier duel« , excellent film de Ridley Scott, qui exploite lui aussi cette thématique du viol, du consentement et de l’histoire vue sous l’angle des différents protagonistes.

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4 lapins

 

N°31 – « Les Olympiades » de Jacques Audiard

Les Olympiades - film 2021 - AlloCiné

Céline Sciamma est l’une des réalisatrices qui compte (Portrait de la jeune fille en feu) mais c’est aussi une scénariste de renom qui s’associe à l’un des plus grands réalisateurs français pour nous livrer cet étonnant « Les Olympiades ».

Jacques Audiard est très loin de ses réalisations et thèmes précédents.
Il nous parle d’amour, de désir et de sexe pour des trentenaires d’aujourd’hui. Ça aurait pu être vraiment raté et casse gueule. Le résultat n’est certes pas sa meilleure œuvre mais vaut le détour.

Outre son magnifique noir et blanc, l’histoire suit des personnages assez attachants et le scénario évite de tomber dans les clichés. Je craignais que trop de personnages féminins soient lesbiens ou bi, ce qui aurait potentiellement viré à une sorte de caricature non représentative. Il n’en n’est rien car l’homosexualité féminine y trouve même la place la plus émouvante et inattendue. Surtout les sentiments prennent le dessus au moment où on ne s’y attend pas, permettant au long métrage de se terminer de la plus belle des manières.

Voir un réalisateur de 70 ans qui n’a plus rien à prouver prendre un tel risque sans se vautrer, çà fait vraiment plaisir. Encore une réussite pour Audiard.

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N°30- « Benedetta » de Paul Verhoeven

BENEDETTA de Paul Verhoeven - Cinémas Les 400 coups - Angers

Voici enfin, avec un an de retard pour cause de pandémie, la présentation du nouveau film de Paul Verhoeven, 83 ans, et toujours aussi alerte et sulfureux après le succès mondial de ELLE.

Virginie EFIRA joue une nonne du 17ème siècle, qui a des visions. Elle voit Jésus. Le premier tour de force est que ces visions ne font pas exploser de rire, ce qui aurait pu être le cas, rappelant un très bon sketch des nuls. Ensuite Virginie EFIRA est comme d’habitude crédible et excellente de bout en bout.

Là où le film est surprenant, c’est qu’il est moins provocateur qu’on aurait pu le penser. Certes on la voit nue, elle et Daphné Patakia (la série OVNI) dans des scènes de sexe lesbienne assez explicites. Mais contrairement à La vie d’Adèle où les scènes de 10 minutes m’avaient super gonflé, là Verhoeven amène la sensualité et l’expression du désir nécessaires, sans en faire des caisses.

Alors que la peste se propage en Italie, Benedetta multiplie les stigmates du Christ et ces miracles inquiètent les autres sœurs dont la mère supérieure incarnée par l’impériale Charlotte Rampling, magnifique. Lambert Wilson apporte également son talent dans la dernière partie du film.

Paul Verhoeven introduit alors un jeu politique entre responsables ecclésiastiques et reste toujours sur le fil de la véracité de ces stigmates et du personnage de Benedetta. Ment-elle ? Est-elle folle ? Il prend bien soin de nous laisser dans le doute en ne montrant que la face qu’elle montre à ses condisciples.

La mise en scène est quant à elle très académique, ce qui ne nuit pas au film, mais lui enlève peut-être la petite touche en plus qui aurait fait décoller le long métrage vers un très grand film. Mais on retrouve ses obsessions que déjà il poussait dans « La chair et le sang » en 1985.

Les dialogues sont finement ciselés, les scènes crues mais qui ne sont pas faites pour choquer car le réalisateur préfère se concentrer sur cette mini société à partir de laquelle il construit une satire du pouvoir, à partir d’un personnage ambigu jusqu’au bout.

Un très bon film, différent et superbement interprété.

La piste aux Lapins :

4 lapins

 

N°29 – « First Cow » de Kelly Reichardt

First Cow - film 2020 - AlloCiné

First Cow de Kelly Reichardt sort enfin après un an de retard et sa présentation à Deauville 2020.

La réalisatrice est une auteur très respectée au sein du cinéma indépendant américain, connue pour Old Joy en 2006, Wendy et Lucy en 2008 ou Night moves en 2014.

Avec First Cow, son style très épuré, économe de mots, s’intéresse à la construction d’une amitié au début du XIXe siècle, sur les terres très sauvages de l’Oregon.

Un cuisinier sans le sou, embauché avec des trappeurs allant vers l’ouest, vient en aide à immigré chinois.

De là, ils se retrouvent et forment un duo extrêmement attachant, se serrant les coudes dans un pauvreté sans nom.

Ils décident de voler le lait de la seule vache du bourgeois du coin pour confectionner et vendre des gâteaux. Et face au succès, ils se mettent à rêver d’élévation sociale.

Kelly Reichardt aborde une époque assez peu connue ou mise en valeur tant la détresse psychologique et le dénuement de ces hommes venus tenter une aventure en pays sauvage semble sans espoir, et d’une violence sordide.

Le manque d’empathie, de lien social qui fait que nous sommes aux prémisses d’une société est particulièrement intéressant.

On est au début de la conquête de l’ouest et il faudra quasi 100 ans de plus pour l’Amérique ressemble à un pays. C’est donc la période de l’avant, juste après l’indépendance, dans des terres hostiles.

Et la réalisatrice nous parle de la lumière que s’apportent ces deux paumés, seuls au monde, qui vont se soutenir et ne plus être seuls, justement.

Le film est très beau de par son naturalisme et la simplicité de son histoire, qui prend certes son temps mais parle au final de l’essentiel, ne pas être seul dans l’aventure d’une vie.

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N°28 – « Lovers Rock » (anthologie Small Axes) de Steve McQueen

 

Small Axe: Lovers Rock (TV) (2020) - Filmaffinity

Salto, la plateforme de streaming de TF1, M6 et France Télévisions,  débarque aujourd'hui !

Second long métrage ou plutôt moyen métrage de Steve McQueen dans son anthologie Small Axes sur la population antillaise de Londres (disponible sur Salto à compter du 26 février 2021), « Lovers Rock » est un film qui aurait mérité une sortie ciné. Pour moi ce n’est pas un épisode de série puisque c’est une histoire unique, un moyen métrage d’1h10 et c’est une réussite totale.

J’avais été déçu par le premier film, Mangrove, qui par son classicisme souffrait la comparaison avec d’autres films de procès.

Mais avec ce film,  Steve McQueen ne se laisse pas enfermer dans un genre et se sent beaucoup plus libre dans son talent de mise en scène.

Il va nous raconter cette communauté, en 1980, à travers une soirée organisée dans un squat par des Dj et va nous conter l’histoire d’une rencontre amoureuse.

Cette fois-ci il n’est pas politique dans les dialogues mais la force du film est bien plus forte. Il arrive à recréer une ambiance et à nous immerger totalement dans une ambiance, avec un minimum de dialogues et un maximum de musique, excellente au demeurant !

« Lovers Rock« est un film envoutant, qui porte à la fois le témoignage d’une jeunesse en quête d’identité et de liberté, mais aussi une culture, un milieu à un instant donné de l’histoire et c’est criant de vérité.

Le résultat est bluffant tout en étant d’une sensibilité incroyable via ce personnage d’une grande fragilité entouré d’autres jeunes qui cherchent aussi le flirt et sont plus ou moins bienveillants. Et puis il y a cette osmose musicale qui réunit les êtres, créé ce lien magique dans une soirée entre des individus qui se sortent pour quelques heures de leur quotidien. Qu’il soit pauvre et dans un petit boulot mal payé, souffrant de racisme et de sous considération des blancs, ou qu’il soit celui d’un milieu pauvre lui aussi mais ultra croyant et attaché à l’image laissée en société, ce quotidien est d’uène grande finesse.

« Lovers Rock » est incroyablement riche de messages sans être lourd dans ses sous-textes ou l’écriture de ses personnages.

Cette légèreté d’écriture font que le film est non seulement agréable à voir et ludique mais qu’il arrive en même temps à son objectif de décrire fidèlement les angoisses et les contraintes d’une jeunesse noire londonienne des années 80 sans aucun didactisme.

C’est très très fort.

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N°27 – « Bac Nord » de Cédric Jimenez

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Le pitch : 2012. Les quartiers Nord de Marseille détiennent un triste record : la zone au taux de criminalité le plus élevé de France. Poussée par sa hiérarchie, la BAC Nord, brigade de terrain, cherche sans cesse à améliorer ses résultats. Dans un secteur à haut risque, les flics adaptent leurs méthodes, franchissant parfois la ligne jaune. Jusqu’au jour où le système judiciaire se retourne contre eux…

Cédric Jimenez réussit un excellent polar en s’inspirant de ce fait divers réel et en assumant de prendre parti pour les policiers. Il faut dire que l’histoire est hallucinante et que l’emballement médiatique, le lâchage par la hiérarchie, les politiques donne un gout très amer, surtout que la partie la plus grave des charges a été abandonnée cotre ces trois policiers border lines. On attendra donc le procès pour savoir exactement ce qui est du domaine de la fiction et du devoir de réhabilitation.

Le film rend les personnages très attachants grâce à des punchlines vraiment drôles, des scènes d’action hyper bien réalisées et un trio d’acteur au diapason. Gilles Lellouche, Karim Leklou et François Civil sont tous les trois excellents, complétés par Adèle Exarchopoulos, toujours aussi juste, comme d’habitude.

La scène de prise de stup du film est impressionnante de violence et tous les échanges d’insultes et de torses gonflés avec les teneurs des cités sont absolument remarquables de mise en scène. Le danger et la noirceur sans retour de ces territoires perdus de la République est jetée à la gueule du spectateur.

La brutalité du quotidien vécue par ces flics qui pour un salaire de merde sont confrontés à la violence et au risque de se faire flinguer sans moyens est évidemment choquante en soit.

Jimenez insiste sur l’hypocrisie du politique qui exige des résultats chiffrés quels qu’ils soient mais demande d’éviter de casser les véhicules et d’entrer dans les cités.

L’intensité du film, son côté anxiogène sont très bien alternés par l’amitié qui lie ces trois individus convaincus de faire ce qu’il faut, d’utiliser les armes de dealers pour les faire tomber. Disons que l’institution policière n’en sort pas grandie de par la bienpensance et la frilosité qui en ressort, chacun cherchant à sauver sa peau plutôt qu’à être solidaire, surtout que la presse et la sphère politique s’emballent.

Le film est donc paradoxalement drôle par moment, testostéroné souvent, rythmé par une très bonne BO et un sens de l’action, un western moderne très bien réalisé.

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N°26 – « Teddy » de Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma

Teddy de Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma (2020) - UniFrance

Dans les Pyrénées, un loup attise la colère des villageois. Teddy, 19 ans, sans diplôme, vit avec son oncle adoptif et travaille dans un salon de massage. Sa petite amie Rebecca passe bientôt son bac, promise à un avenir radieux. Pour eux, c’est un été ordinaire qui s’annonce. Mais un soir de pleine lune, Teddy est griffé par une bête inconnue. Les semaines qui suivent, il est pris de curieuses pulsions animales…

Le cinéma de genre français se porte extrêmement bien avec de nouveaux réalisateurs qui cassent les codes de films ultra balisés et y ajoutent une french touch tout à fait originale. Une sorte de nouvelle vague français dans le film de genre, détourné. L’excellent « La Nuée » nous scotchait il y a quelques semaines avec cette histoire horrifique de sauterelle en plein désert agricole.

Les frères Ludovic Boukherma et Zoran Boukherma signent leur second film et adoptent le film de loup garou, dans les Pyrénées, sur un ton décalé.

Le décors et surtout la population un peu paumée, en mode France très profonde et très loin des grandes villes donne un cadre très fort à cette histoire de jeune homme lui-même en marge d’une population oubliée des cités modernes, qui vit elle-même dans une beaufitude forcée, entre bling inspiré de ce qui est vu à la TV et pauvreté dans la diversité intellectuelle et artistique. Mais attention, les frères Boukherma sont un peu moqueurs mais pas suffisants pour autant. Ils en font juste assez pour rire de ces personnages sans non plus les juger ni les prendre de haut.

Ils y décrivent une capacité de créer des classes même dans le coin le plus paumé qu’on puisse trouver. Même là, les humains arrivent à se rejeter, à se créer des castes excluantes des marginaux. Ce qui est drôle dans « Teddy » c’est ce miroir déformant où on se demande toujours si le « héros » est si marginal que cela ou si il n’est pas simplement un caractère au milieu de gens fadasses et sans saveur.

Anthony Bajon, découvert dans La Prière et Au nom de la terre, porte le film fièrement sur ses jeunes épaules et prouve qu’il faudra compter sur lui dans le paysage français. Évidemment on passe par les transformations et les codes du film de loup garou mais vu sous un angle totalement inédit, entre social, comique et drame total. Le ton du film oscille en permanence et rend le spectateur curieux.

Mais ne pas parler des talents de metteurs en scène des réalisateurs serait injuste, c’est d’un très bon niveau de découpage, de bande-son à propos, d’alternance de scènes sans une de trop, et d’ellipses qui évitent au film le gore pour lui préférer une réflexion d’une profondeur inattendue sur la difficulté de l’adolescence, de se sentir différent et de ne pas vouloir se fondre dans les autres, la norme ou tout du moins la normalité, trop banale.

Teddy est une totale réussite et on a hâte de voir le prochain film du duo qui donnera cette fois hommage aux films de requins avec Marina Fois, Kad Merad et Jean-Pascal Zadi, tout un programme et une grande joie de voir de nouveaux talents français se faire un nom de si belle manière.

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N°25 – « Le Tigre Blanc » de Ramin Bahrani

Le Tigre blanc - film 2021 - AlloCiné

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Ramin Bahrani revient après son excellent 99 homes qui suivait des usuriers sans scrupules de maison post crise des subprime, et sa moins réussie nouvelle adaptation pour HBO de Fahrenheit 451 de Ray Bradbury.

Le réalisateur change de crémerie et réalise pour Netflix cette adaptation d’un best seller signé Aravind Adiga.

On y suit Balram, chauffeur d’une riche famille indienne, qui nous raconte avec un sourire en coin et une petite voix semblant toujours s’excuser comment il vit dans sa caste et subit le racisme des castes supérieures.

Par son ingéniosité, il va réussir à graver les échelons vers la richesse, en abandonnant à plusieurs moments toute forme de morale. Et c’est là que le film est très réussi.

Sur un rythme effréné sans aucun temps mort, rappelant forcément le « Slumdog Millionaire » dynamique de Dany Boyle, le film évite toute perte de temps et nous prend par la main comme si on était perdus dans une grande ville indienne au milieu de toute cette pauvreté. Mais la malice du film comme du personnage principal et de son interprète, Adarsh Gourav, est de présenter des horreurs culturelles de maltraitance des plus pauvres comme si c’était immuable et avec un large sourire. C’est la culture donc c’est comme çà. Les mafieux corrompus qui frappent de pauvres paysans qu’ils exploitent, c’est normal. Ils les tuent même parfois. On n’y peut rien. Et sous couvert de ce ton cynique, se développe donc l’histoire de ce petit mec qui subissant des règles injustes et inhumaines, choisit de gagner par tous les moyens à sa disposition. La vision de sa famille n’est d’ailleurs pas du tout rose bonbon, bien au contraire, il n’y a aucun affect et seulement des gens qui crèvent de faim et font ce qu’ils peuvent pour faire travailler les enfants et gagner de quoi ne pas crever. C’est à la fois très violent dans le propos et le constat mais dit sur un ton badin et une mise en scène qui édulcore volontairement le visuel.

L’anti héros devient donc un Tigre Blanc en se jouant de ses maitres qui le traitent comme un esclave et comme un sous homme inférieur.

Au passage le film écorne sauvagement la démocratie indienne corrompue et s’attaque même à la suffisance des occidentaux en leur disant avec un grand sourire que les peuples puissants qui donneront le ton demain seront chinois et indiens. Mieux, le réalisateur envoie à la face des spectateurs de Netflix (très majoritairement occidentaux) un avertissement sur les excès du capitalisme, qui appliqué à un cadre non démocratique ou corrompu peu n’avoir plus aucune limite. C’est aussi là que « Le Tigre Blanc » devient encore meilleur, lorsqu’il explique que les principes importés d’occident font des ravages dans une société aussi inégalitaire et injuste que la société indienne. Il explique que ces centaines de millions de pauvres n’auront rien à foutre de notre belle morale que l’on arbore tout en se pinçant le nez et en ne regardant pas ce qui s’y est passé pendant des dizaines et dizaines d’années. Ce sera un capitalisme encore plus dur où la morale n’aura pas sa place car c’est une morale occidentale inapplicable là bas. La vie d’un indigent n’ayant aucune valeur et la richesse évitant la prison, comme le dit le héros, ce sera la loi de la jungle où seuls les tigres blancs s’en sortiront.

Utiliser les codes de la comédie pour livrer un film aussi profond est vraiment une idée géniale. Avec ce rictus faussement obéissant du type prêt à défenestrer à tout moment la famille qui l’exploite et lui marche dessus, Adarsh Gourav est excellent.

A la fin on a presque peur que les personnages nous fassent une danse à la Bollywood comme dans « Slumdog Millionaire« , sauf que ce n’est pas le genre de la maison et que Bahrani vient de nous livrer une petite bombe impertinente et d’une grande intelligence.

Il est à mille lieues des clichés et du positivisme naïf du film de Dany Boyle. C’est même l’inverse qu’il a réalisé et c’est très très réussi.

A voir de toute urgence sur Netflix.

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N°24 – « Onoda, 10 000 nuits dans la jungle » de Arthur Harari

Onoda - 10 000 nuits dans la jungle - film 2021 - AlloCiné

Le pitch : Fin 1944. Le Japon est en train de perdre la guerre. Sur ordre du mystérieux Major Taniguchi, le jeune Hiroo Onoda est envoyé sur une île des Philippines juste avant le débarquement américain. La poignée de soldats qu’il entraîne dans la jungle découvre bientôt la doctrine inconnue qui va les lier à cet homme : la Guerre Secrète. Pour l’Empire, la guerre est sur le point de finir. Pour Onoda, elle s’achèvera 10 000 nuits plus tard.

Je ne connaissais pas cette histoire vraie de ce soldat japonais  resté 30 ans sur une ile des philippines, dans la jungle, pensant assurer la résistance en attendant que ses supérieurs lui donnent un signe.

L’histoire est tout bonnement fascinante tellement on reste incrédule devant la perte de repère au temps et la capacité des personnages (Onoda et 3 soldats fidèles) à se couper du monde en versant dans la méfiance de la manipulation des gens civilisés des villages. Ils vont s’isoler et vivre en autarcie, toujours sur le qui vive, et même tuer des innocents pensant toujours être en guerre.

On peut se dire que les personnages sont fous mais justement, hormis l’autopersuasion qui les incite à poursuivre le maquis sans se poser de questions, qui est en soit un peu dingue, le réalisateur Arthur Harari ne cherche absolument pas à tomber la facilité de ce type d’explication. C’est aussi que le lieutenant Onoda est sorti de cet enfer vert à 52 ans, puis a vécu jusqu’à 94 ans, a construit une seconde vie et a décrit dans une autobiograpophie les multiples détails de cette vie d’ascète qu’il détaillait dans des livrets. Il n’était donc pas fou mais formé comme une élite du guerriers solitaires et silencieux et a cru en la résilience de l’armée de son pays. On est scotché par ce patriotisme comme seul horizon, pour ces jeunes hommes qui n’ont quasi pas connu de femmes avant de s’auto-enfermer dans ce délire qui n’en n’était pas un pour eux.

La réalisation est fluide et Arthur Harari arrive à ne pas créer de longueurs malgré les 2h48 du long métrage ! Pour ma part, j’ai trouvé çà un peu long non que ça ne se finissait pas, le film est passionnant, mais j’aime la concision et les films de 3h demandent un certain effort qui coupera radicalement une partie du public. Un format resserré de 2h10 aurait permis probablement au film de rester plus longtemps à l’affiche et de ne pas rebuter certains.

L’expérience de voir ce film Onoda est cependant vraiment une chose à faire. Le film n’est pas cataloguable, à la fois lyrique et avec des plans très resserrés, à la fois long de par sa durée et parsemé d’aventures, métaphysique et brillant.

Un excellent film.

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N°23 – « House of Gucci » de Ridley Scott

House of Gucci - film 2021 - AlloCiné

Le fameux « House of Gucci » sort enfin avec son casting 5 étoiles ultra hype et un réalisateur cultissime en la présence du stakhanoviste Ridley Scott qui sort deux films en deux mois après le génial « Le dernier Duel« .

Alors le film a divisé, certains le trouvant too much, caricatural des personnages ayant réellement existé. Je ne sais pas mais en terme de pur cinéma, c’est un excellent film sur une famille ultra célèbre, ultra riche et déchirée par une petite italienne de la classe moyenne, vorace et décidée à devenir riche et célèbre elle-même.

Le personnage de vamp de Lady Gaga est génial ! La chanteuse prouve qu’elle sait jouer. Sa partition s’oppose au génial Adam Driver qui poursuit sa carrière fulgurante, prouvant de film en film qu’il peut tout jouer et qu’il est LE nouvel acteur hype d’Hollywood, d’un physique particulier mais d’un charisme qui rappelle les Robert de Niro et les Al Pacino.

Cà tombe bien car Al Pacino est de retour dans un très grand rôle après son excellente prestation dans « The Irishman » de Martin Scorsese. Et c’est un immense plaisir de voir ce monstre sacré dans le rôle du pater familia manipulateur et égocentré qui va se faire faucher dans la tourmente des évènements. Jared Leto en fait un peu trop mais il est assez bon et méconnaissable dans le rôle de ce fils au destin raté, médiocre mais qui se croit avoir un talent alors qu’il est invisible vis à vis de son père.

Et puis il y a la classe incarnée qu’est Jérémy Irons en Rodolpho Gucci, il est juste génial dans chacune de ses scènes. Là aussi ceci fait immensément plaisir de savourer la prestation de cet immense acteur dans un très bon rôle écrit avec soin au sein d’un film réussi.

La réussite de « House of Gucci«   tient au mélange entre saga familiale qui rappelle Le Parrain et autres grandes fresques et le pur thriller avec un suspens bien dosé. Ridley Scott est en très grande forme à 84 ans ! Impressionnant l’animal.

La passion des personnages, leurs secrets et manipulations font froid dans le dos et aucun ne peut rattraper l’autre. Mais c’est prenant et fascinant et puis surtout, divertissant !

Ridley Scott est un maitre de la précision, de l’exigence et pour transposer cet univers du luxe, évidemment, ceci fait mouche.

Le film est élégant et tragique comme je m’attendais à ce qu’il le soit.

Une grande réussite.

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 N°22 – « Illusions perdues » de Xavier Giannoli

ILLUSIONS PERDUES de Xavier Giannoli - Cinémas Les 400 coups - Angers

Casting impeccable pour cette adaptation d’Honoré de Balzac, pas la plus connu_e mais étrangement d’une grande contemporanéité. Xavier Giannoli  s’est attaqué à un gros morceau et s’en sort très bien.

Qu’importe, le matériau du livre est là et l’histoire qu’il nous raconte est passionnante.

C’est celle d’un parvenu, d’un petit poète de province qui monte à Paris et parcequ’il a un peu de talent et une belle gueule va pouvoir accéder à des cercles normalement inatteignables. C’est l’histoire d’un Icare, d’une ascension sociale extraordinaire au prix de bien des sacrifices moraux.

Benjamin Voisin trouve là un premier rôle d’ampleur et prouve que c’est l’un des jeunes premiers du ciné français que l’on va revoir. Il est juste, entre naïveté et perversion et incarne parfaitement ce jeune home qui pète un plomb.

A ses cotés Cécile de France est comme toujours brillante et Vincent Lacoste incarne un écrivain raté transformé en journaliste odieux.

Il personnalise toute la veulerie que Balzac détestait chez les journalistes de son époque, qu’il portait très peu voir pas du tout en estime.

L’absence de morale et les faux semblants sont glaçants de cynisme. Ou comment une sous caste fait fortune en déversant son fiel, ses collets sur les livres et pièces de théâtres qu’ils commentaient ou sur des personnages publics.

Le film est passionnant pour retranscrire cette époque charnière entre Napoléon et la monarchie restaurée et l’opposition des deux intelligentsia.

Xavier Dolan est comme toujours excellent quand il joue et son personnage ambigu qu’on ne sait pas situer, ajoute une touche de suspens et de bonnes surprises.

La reconstitution du Paris de ce second quart du 19ème est bluffante de vérité, et Xavier Giannoli choisit d’en faire une sorte de danse qui virevolte et tourbillonne jusqu’à représenter l’étourdissement du personnage qui perd pied devant son succès.

Les thématiques restent incroyablement modernes et la cruauté médiatique d’aujourd’hui n’a rien à envier à celle de l’époque.

Une très belle réussite.

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N°21 – « L’évènement » de Audrey Diwan

L'Evénement - film 2021 - AlloCiné

Audrey Diwan remporte un Lion d’Or très mérité pour L’événement, un film coup de poing qu’on n’avait pas vu venir.

Anamaria Vartolomei est une véritable révélation, de tous les plans du film en jouant cette jeune étudiante des années 60 qui tombe enceinte et se trouve débuter un chemin de croix incroyable.
C’est assez original et salutaire de rappeler ce que les femmes vivaient avant la loi Veil et ce qu’elles vivent là où c’est interdit ou problématique pour des raisons de religion.

« L’événement » nous montre une société rétrograde et hypocrite dans laquelle l’avortement est condamnable de prison et où le fait d’être enceinte devient un non choix. Une chape de plomb incroyable fige une vie et plus rien n’a d’importance que de se ranger et d’abandonner tous ses espoirs comme celui de faire des études et pour le personnage, dans ces années là, de s’émanciper par la culture et un travail d’enseignant.

Le film est parfois difficile à encaisser car la réalisatrice souhaite nous mettre das les mêmes conditions d’isolement des autres et de souffrance. Le personnage est perdu et ne peut se confier à personne, sachant son destin brisé. Un compte à rebours va alors alterner la montée de l’angoisse et l’horreur des tentatives pour perdre cet embryon non désiré.

La mise en scène est fine et nous laisse seuls avec ce personnage qui sombre peu à peu en même temps que les couleurs du film et les scènes de nuit assombrissent l’avenir de la jeune fille. L’esthétisme du film ne se voit cependant pas, il se ressent, pour mieux porter le propos.

Ce récit viscéral est parfois dur à regarder mais il atteint son but à savoir émouvoir et faire toucher du doigt l’enfer absolu que l’Etat et toute une administration, une société faisaient subir à de jeunes femmes pour des raisons avant tout religieuses, là où l’Eat se voulait laïque.

Un très bon film.

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N°20 – « The French Dispatch » de Wes Anderson

The French Dispatch - film 2021 - AlloCiné

Le pitch : The French Dispatch met en scène un recueil d’histoires tirées du dernier numéro d’un magazine américain publié dans une ville française fictive du 20e siècle.

Wes Anderson a tourné son dixième film en France à Angoulêmeavec un casting totalement dingue et jouissif comme il en a souvent l’habitude avec Bill Murray, Tilda Swinton, Owen Wilson, Adrien Brody ou Edward Norton ou Timothée Chalamet,  Frances McDormand, , Benicio Del Toro, Mathieu Amalric, Léa Seydoux, Jeffrey Wright, Elisabeth Moss, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Cécile de France, Christoph Waltz, Guillaume Gallienne.

Rien que pour cette galerie de personnages complètement décalés, The French Dispâtch est réussi. On retrouve une sorte de synthèse de l’univers unique, du style unique de Wes Anderson, mélancolique, drôle et perché. Ses invitations à visiter ses univers sur mesure d’une précision d’horloger ont donné de grands films parmi lesquels La Famille Tenenbaum, La Vie aquatique, À bord du Darjeeling Limited,  Fantastic Mr. Fox, Moonrise Kingdom, The Grand Budapest Hôtel, L’Île aux chiens.

Alors forcément quand on compare, certains disent que c’est son moins bon film, limite caricatural de son cinéma, où la forme prend le pas sur le fonds.

Je ne suis pas du tout d’accord. Certes le film est très illustratif mais c’est pour accentuer l’aspect vignette de ces quatre récits de journalistes qui décrivent une histoire rocambolesque et permet au réalisateur de déclarer son amour pour une époque, pour une culture et pour les reporters de petits magasines de faits divers.

C’est très charmant et d’une intelligence de mise en scène bluffante. C’est certainement visuellement son film le plus abouti. Les personnages sont un peu désincarnés mais ce sont des héros ou anti héros de papier glacé et en ce sens ceci ne m’a pas gêné, c’est un peu le deal du concept même du film. Ceux qui n’ont pas compris ce troisième degré et bien…tant pis pour eux.

L’inventivité et l’imaginaire du réalisateur explosent pour apporter une palette de nuances, de rires à des situations ou personnages cocasses. Il arrive même à rendre carrément hommage à un autre AndersSon, Roy Andersson et ses plans fixes en forme de tableaux. Mais à la différence du maitre suédois de l’absurde connu pour ses plans épurés, Wes Anderson emplit le cadre à foison de détails qu’on s’amuse à repérer comme dans un magasine justement lorsque des jeux invitaient les lecteurs à faire marcher leur sens de l’observation. C’est très malin  comme concept.

L’humour est évidemment le maitre mot et même quand il est cruel, il apparait comme sorti d’une bande-dessinée burlesque et s’avère vraiment jouissif.

La richesse du film alterne entre acteurs de premier plan, couleur et noir et blanc voir dessin animé.

Mais surtout Wes Anderson est très romanesque cette fois-ci, plus que dans ses autres films même si l’aspect quête de « La vie aquatique », « À bord du Darjeeling Limited, ou L’Île aux chiens sont très présents et apportent un incroyable rythme.

Et puis vous ne verrez nul part ailleurs un film aussi marqué de l’emprunte de son metteur en scène et l’immense poésie qui se dégage de son œuvre.

La piste aux Lapins :

4,25 lapins

 

N°19 – « Oxygène » de Alexandre Aja

Oxygène : claustrophobes, le survival d'Alexandre Aja n'est pas pour vous !

Alexandre Aja est l’un des réalisateurs français les plus successfull à l’international même si il est très p)eu connu en France. En effet, le fils d’Alexandre Arcady s’est fait un nom à Hollywood dès les années 2000 dans le cinéma d’horreur avec Haute tension (2003) puis le reboot de La Colline a des yeux, celui de Piranha 3D ou encore Crawl. A chaque fois son talent de metteur en scène fait mouche dans un genre cinématographique où la qualité du réalisateur n’a pas toujours été primordiale de la part des studios, même si cette démarche évolue depuis vingt ans.

Aja a tenté de s’émanciper du genre en allant à de la SF pure avec Horns ou La 9ème vie de Louis Drax, hélas le résultat était en demi teinte, faute à des scénarii pas assez travaillés.

Avec Oxygène, le réalisateur reprend un concept déjà vu dans Burried mais avec un talent autrement plus brillant. Une femme se réveille dans un caisson à Oxygène et ne se souvient de rien, de qui elle est, de pourquoi elle est là. Très vite elle comprend que son Oxygène se vide et qu’elle doit trouver le moyen de sortir, son seul contact étant la voix de l’ordinateur qui gère le caisson.

Le film aurait pu être très chiant très vite et au début on peut se dire que se taper 1h27 dans cet espace clos va être long.

Sauf que Aja use des flashs backs pour introduire de la respiration et surtout d’un talent incroyable dans son scénario pour relancer la machine et créer du stress, de la tension, du rebondissement en permanence.

Évidement, il est aidé par une formidable Mélanie Laurent, excellente dans les expressions, les doutes, les idées qui passent dans son regard, la douleur sur son visage.

Le duo fonctionne donc à merveille pour un résultat détonnant et une excellente surprise qu’on n’avait pas vue arriver. Nul doute que Netflix a eu du nez de financer ce projet qui cartonnera certainement sur sa plateforme, Alexandre Aja et Mélanie Laurent accédant de plus à un public potentiel de 200 millions d’abonnés. Le film aurait pu sortir au cinéma mais il est parfait pour Netflix également.

L’intelligence de la mise en scène et du scénario, le final excellent dans ses révélations et à la hauteur de l’attente, font de cet « Oxygène » l’un des films à voir absolument en 2021 !

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N°18 – « Aline » de Valérie Lemercier

Aline - film 2020 - AlloCiné

Valérie Lemercier çà passe ou çà casse. Ses spectacles, jamais filmés, sont déconcertants de vulgarité et très loin du personnage populaire et drôle qu’on voit à la télévision ou dans des films. En tant que réalisatrice, elle est allée du mieux avec Palais Royal ou Le Derrière au pire et affligeant avec 100% Cachemire et Marie-Francine.

L’idée donc de faire un faux biopic sur Céline Dion, chanteuse iconique relativement kitsch et ultra moquée, pouvait à la fois enthousiasmer tant Valérie Lemercier peut être hilarante ou au contraire s’avérer ultra casse-gueule.

Et bien l’artiste prend tout le monde à contre-pied en faisant plus un vrai biopic idéalisé, enchanté et sérieux qu’un film moqueur. Bien au contraire, Valérie Lemercier a un profond respect pour Céline Dion et un amour pour le personnage complètement perché qu’elle est mais qui au final s’avère très attachant.

Elle joue le personnage de l’âge de 8 ans à aujourd’hui grâce à des effets spéciaux très bien faits. Évidemment le film est plein d’humour voir d’éclats de rire mais ce n’est jamais pour rire du personnage mais plus de situations comiques déclenchées par cette femme si étrangement habitée par la chanson. On y voit un personnage donc assez marrant et iconoclaste, très naïf et en soif de belle histoire d’amour. Mais surtout on y accompagne une enfant de son cocon familial ultra sympathique de famille très très nombreuse à un autre cocon avec son mari et impresario qui pourrait être son père. La grande réussite du film est notamment dans la crédibilité et la beauté de cette histoire qui émeut à bien des reprises.

Sylvain Marcel en Guy-Claude (aka René Angélil, décédé en 2016) et Danielle Fichaud (qui joue la mère) sont juste énormes et explosent littéralement l’écran, permettant aussi à Aline de ne pas juste se centrer sur son actrice principale mais d’apporter un corps à cette histoire, une profonde humanité à l’ensemble.

A noter la performance vocale de Victoria Sio, la doublure vocale de Valérie Lemercier  qui permet d’y croire lorsqu’elle interprète les chansons de Céline Dion.

Et pourtant dieu sait que je n’aime pas du tout le style de Céline Dion, c’est un style que je trouve criard, qui m’agace, que le trouve culcul et à 100 000 lieues de la pop rock ou de la musique alternative voire électro que je prend plaisir à écouter et découvrir. Et bien, ceci ne m’a pas du tout gêné car le film est un véritable tour de force. Il est ultra sympathique et regorge d’amour pour ses personnages. Surtout il est sincère et réussit à montrer la solitude de cet être une fois l’amour de sa vie disparu. Elle est passée d’écrin en écrin tout étant parfaitement heureuse entre son succès fulgurant, sa famille nombreuse aimante et son mari protecteur.

Le film est populaire, généreux, drôle et surtout très émouvant. Un grand film. Bravo Valérie Lemercier !

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4,25 lapins

 

N°17 – « Le diable n’existe pas » de Mohammad Rasoulof

Le Diable n'existe pas - film 2020 - AlloCiné

L’année 2021 sera extraordinaire pour le cinéma iranien puisqu’après le génial « La loi de Téhéran » et avant « Un héros » d’Asghar Farhadi, voici un autre grand film, une réussite sobre et sans concession sur la thématique de la peine de mort en Iran, de nos jours.

Il n’est pas étonnant que le film ait été censuré en Iran tant il est dénonciateur de la violence du régime autocratique et l’absence d’empathie qu’il faut pour imposer à des jeunes miliaires qui font leur service, qui sont appelés, de se transformer en bourreaux. On y voit de jeunes hommes tout a fait normaux, qui vivent et aiment mais qui ont été détachés dans l’unité qui amène les condamnés se faire exécuter.

Évidemment les victimes de ce jugement sociétal qui trouvent la mort sont souvent de simples opposants au régime. Mohammad Rasoulof trouve le ton juste en abordant la thématique sous forme de quatre petites histoires toutes liées entre elles par la thématique. Il est juste dommage que les quatre segments ne soient pas plus davantage reliés, ce qui aurait permis au film d’atteindre une marche plus haute dans son impact déjà fort.

Le film trouve sa lumière dans le combat, la résistance des intellectuels ou jeunes hommes qui refusent de servir cette société là et décident de ne pas se soumettre et de résister.

L’ours d’or à Berlin en  2020 sort avec presque deux ans de retard mais allez le voir !

C’est un film sur le libre arbitre, toujours prégnant même dans une dictature religieuse car obliger un individu à en tuer un autre ne peut gagner sur le mental des bourreaux forcés sans les détruire.

La liberté de conscience est portée aux nues avec simplicité et tellement de force qu’on ne peut qu’adhérer au propos et à la réussite du film.  »Le diable n’existe pas » touche à des thèmes universels et s’impose comme un grand film politique.

La piste aux Lapins :

4 lapins

 

N°16 – « Julie en 12 Chapitres » de Joachim Trier

Julie (en 12 chapitres) - film 2021 - AlloCiné

Le pitch : Julie, bientôt 30 ans, n’arrive pas à se fixer dans la vie. Alors qu’elle pense avoir trouvé une certaine stabilité auprès d’Aksel, 45 ans, auteur à succès, elle rencontre le jeune et séduisant Eivind.

J’aime beaucoup le réalisateur norvégien Joachim Trier dont le précédent Thelma, m’avait bluffé tant esthétiquement que par l’utilisation du genre fantastique pour mieux capter le mal être adolescent féminin. Oslo 31 aout l’avait fait découvrir au monde entier comme un réalisateur au formalisme inventif.

Avec « Julie en 12 Chapitres » , il offre un rôle en or à la jeune Renate Reinsve, qui a remporté à très juste titre le prix d’interprétation à §Cannes. La caméra est sur elle tout le temps et elle est lumineuse, même dans les moments compliqués. Ce portrait de trentenaire qui ne veut pas qu’on lui impose un rythme, des choix, un enfant et qui veut profiter de la vie, ne pourra que vous conquérir tant il écrit avec maturité et bienveillance. L’interprétation du rôle principale se complète du fidèle parmi les fidèles du réalisateur, l’acteur Anders Danielsen Lie, lui aussi d’une justesse confondante.

Le rapport de couple, la fuite de ce dernier, trop parfait, et la soif de liberté ou la peur d’enfermement de l’héroïne sont à la fois touchants et libérateurs. Et pourtant le film vous cueille à diverses reprises d’une émotion surprenante, soit de tristesse lucide sur le temps qui passe, sur les erreurs de choix, les vies qu’on n’a pas vécues pour telle ou telle direction prise soit pour la joie de cette vie qui s’écrit au hasard et surprend sans cesse.

Non seulement le portrait est beau mais il est souvent drôle voir inspiré lorsque le réalisateur illustre un choux de vie par une scène ‘arrêt sur image que vous n’oublierait pas ou lorsqu’il fonce dans l’illustration des drogues hallucinogènes sans se planter en tombant dans le cliché facile.

Magnifique portait d’une millenials insatisfaite, le film surprend sans jamais juger.

La mélancolie qui ressort de l’ensemble est d’une élégance rare et la fin s’avère bouleversante.

Un très bon film à voir absolument.

La piste aux Lapins :

4 lapins

 

Et la suite et fin du classement 2021 dans quelques jours ….

Les pires films de l’année du Blanc Lapin

23 décembre, 2021

Comme chaque année depuis 12 ans, le Blanc Lapin vous livre ses classements de l’année…

Bon chaque année il y a des ratés et des films vraiment à ne surtout pas mais alors surtout pas voir.

Alors contrairement au classement des meilleurs films, celui-ci est plus restreint et n’identifie pas tous les mauvais films car je sélectionne beaucoup les long métrages que je visionne même si cette année record j’en ai vu 123 sortis au cinéma ou sur les plateformes de streaming.

Mais bon quand je constate qu’un film est mal noté (même si je ne lis pas les critiques en amont) et qu’en plus je n’ai aucune envie de le voir, j’avoue que je passe mon chemin.

Vous pardonnerez donc le démontage en règle qui suit qui n’est pas exhaustif.

Mais comme les critiques méchantes sont en général les plus drôles, je poursuis cette bonne vieille tradition du blanc lapin.

Enjoy ;) )))

 

Les pires films que j’ai vus sont …tadaaaaaaaaaaaa !!!

 

N°10 – « Madres Paralelas » de Pedro Almodóvar

Madres Paralelas - film 2021 - AlloCiné

Le pitch : Deux femmes, Janis et Ana, se rencontrent dans une chambre d’hôpital sur le point d’accoucher. Elles sont toutes les deux célibataires et sont tombées enceintes par accident. Janis, d’âge mûr, n’a aucun regret et durant les heures qui précèdent l’accouchement, elle est folle de joie. Ana en revanche, est une adolescente effrayée, pleine de remords et traumatisée. Janis essaie de lui remonter le moral alors qu’elles marchent telles des somnambules dans le couloir de l’hôpital. Les quelques mots qu’elles échangent pendant ces heures vont créer un lien très étroit entre elles, que le hasard se chargera de compliquer d’une manière qui changera leur vie à toutes les deux.

Pedro Almodóvar est l’un des maitres du cinéma mondial, il a réalisé bon nombre de chefs d’oeuvres et surtout a su progressé dans son art, atteindre une grande maturité avec La Fleur de mon secret, terminant sa période movida déjà très bonne pour livrer des bijoux tels que En chair et en os, Tout sur ma mère, Parle avec elle, La Mauvaise Éducation , Volver, Étreintes brisées, ou La piel que habito.

Sa particularité est qu’il peut parler de transgenre, de relations lesbiennes depuis 40 ans sans que ceci fasse fake. C’est joyeux et triste à la fois, c’est surtout profond. Si Les Amants passagers était un premier couac depuis 25 ans, manquant de finesse et d’inspiration, Douleur et Gloire a camé tout le monde et s’avère l’un des sommets de sa filmographie.

Av 72 ans, Pedro n’a plus rien à prouver et c’est bien là le problème. « Madres Paralelas » est un film mineur, très mineur même tant il sent la mise bout à bout de deux histoires pas suffisamment consistantes pour faire de chacune d’elle un film. Bien sûr sa fidèle Penelope Cruz est magnifique et il la filme comme personne. Mais l’histoire sonne fake réguilèrement et les retournement de situations sont à chaque fois déceptifs. Quand on espère le thriller c’est autre chose de plus mou qui vient faire retomber le film comme une balle qui va de moins en moins haut. Pourtant la thématique de la mémoire autour des victimes du franquisme était vraiment passionnante mais il la traite maladroitement, avec une fausse émotion qui agace plus qu’autre chose.

« Madres Paralelas » est raté, mal scénarisé et fait penser parfois à une parodie du style Almodovar, une grosse grosse déception.

La piste aux Lapins :

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N°09 – « Encounter » de Michael Pearce (II)

Encounter - film 2021 - AlloCiné

Riz Ahmed est un excellent acteur qui d’ailleurs porte cette année l’excellent « Sound of metal« .

Ici il porte le film sur ses épaules et joue comme à son habitude très bien.

Mais voilà, si l’idée originale du pitch était bonne, le film ne tient pas sur la durée et s’avère horriblement long, à tel pont qu’ont prie pour que le personnage principal se prenne une balle et qu’on clôture la trop longue fuite en avant du personnage.

L’idée de film d’invasion extraterrestre est assez originale et le basculement dans la paranoïa aurait pu faire un bon twist de fin. Sauf que lorsque le film change de style, déjà on est déçus et surtout la saveur du spectacle qu’on attendait est remplacée par une course poursuite sans aucun intérêt tant on connait la fin, courrue d’avance.

C’est long, fastidieux et au final raté.

La piste aux Lapins :

2 lapins

 

N°08 – « Une affaire de détails » de John Lee Hancock

Une Affaire de Détails - film 2021 - AlloCiné

Avec Denzel Washington, Rami Malek, Jared Leto

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Le pitch : Deke, shérif adjoint du comté de Kern, victime récemment d’un burn-out, doit faire équipe avec le détective du LASD, Baxter, afin de retrouver un tueur en série. Deke est aussi intuitif que rebelle à l’autorité, l’inverse de Baxter. Parallèlement à l’enquête, le shérif adjoint voit resurgir un sombre secret de son passé…

Avec un casting pareil, on pouvait s’attendre à minima à un film bien joué. De ce côté là « Une affaire de détails«   est une réussite, Denzel Washington et Rami Malek arrivant à composer un bon duo fâce à un Jared Leto pour une fois un peu plus sobre, ce qui ne gâche rien.

Rami Malek confirme qu’il est crédible hors de Mister Robot après « Bohemian Rhapsody » et avant de jouer le méchant du futur James Bond, Mourir peut attendre.

Après l’histoire de cette énième chasse après un tueur en série manque cruellement d’originalité. Non que le film ne se regarde pas ou soi mal réalisé, mal écrit. Le film a un bon résultat mais le genre a tellement été vu et revu au cinéma avec des chefs d’œuvres (Seven ou Zodiac de David Fincher, Tueurs nés d’Oliver Stone, Le silence des agneaux, No country for Old Men des frères Coen etc…), de multiples films moyens et plein de séries en tout genre, que forcément, c’est dur d’être original.

Or ici l’originalité ne tient pas au fait qu’on connait le coupable tout de suite (déjà fait plein de fois dont l’excellente série The Fall) mais au fait qu’on a un doute. Qu’il manque des détails. Sauf que la conclusion du film rend tout le procédé très limite d’un point de vue moral.

Et oui, on a un peu l’impression que la fin justifie les moyens, que le délit de salle gueule vaut condamnation et le film devient limite très très tendancieux, en mode républicain bien réactionnaire. Et çà, c’est moche, ce n’est pas ma came et c’est surtout dangereux. Montrer ce genre de morale à des américains déjà bien complotistes et capables de voter pour Trump malgré tous ses mensonges et sa déformation de la réalité, ce n’est pas sérieux.

Je ne pense pas que le film visait ce message et le message n’est d’ailleurs pas hyper clair mais justement il génère une gêne certaine.

Donc le fait que le film soit extrêmement classique et ne se distingue pas dans son genre mais en plus développe une morale très limite, çà vaut deux lapins, pour la présomption d’innocence.

La piste aux Lapins :

2 lapins

 

 

N°07 – « Comment je suis devenu super-héros ? »

Comment je suis devenu super-héros - film 2021 - AlloCiné

Comment je suis devenu super-héros ? est un film de supers héros français ! Ouh là !

Pio Marmai et Leïla Bekhti portent le premier film de Douglas Attal, fâce à Swan Arlaud en super vilain et Benoit Poelvoorde en vieux héros.

On y suit Gary (Pio Marmai), en flic forcé de travailler avec  Cécile (Vimala Pons) pour traquer une drogue synthétique qui donne des supers-pouvoirs pour de brefs instants.

On peut dire qu’avec ce film, à peu près tous les clichés du genre sont réunis sans les moyens des blockbusters américains et avec plein de mauvaises idées de scénario.

Les personnages sont attendus, les situation comiques pas vraiment drôles et le temps passe incroyablement lentement comme si le film avait le super pouvoir de vous faire durer l’absence de plaisir plus longtemps.

Un vrai raté. Mais alors bien.

 

N°06 – Sous le ciel d’Alice

Sous le ciel d'Alice en DVD : Sous le ciel d'Alice DVD - AlloCiné

Dans les années 50, la jeune Alice quitte la Suisse pour le Liban, contrée ensoleillée et exubérante. Là-bas, elle a un coup de foudre pour Joseph, un astrophysicien malicieux qui rêve d’envoyer le premier libanais dans l’espace. Alice trouve vite sa place dans la famille de ce dernier. Mais après quelques années de dolce vita, la guerre civile s’immisce dans leur paradis…

Alors la presse était tellement bonne que j’ai accouru voir ce film très piégeux. Je me suis rarement autant emmerdé cette année que devant ce film d’1h30 qui avait l’incroyable don de paraitre durer 3 heures.

Toujours fascinant quand les personnages vous gavent d’entrée, dès les 5 premières minutes et que les situations qui s’enchainent empirent le ressenti de minute en minute comme si la terre entière avait décidé de se venger de vous en vous infligeant le visionnage d’un film totalement abscons, imbu de lui-même et qui se regarde tellement le nombril que vous avez l’impression d’être seul dans une pièce avec un artiste insupportable qui vous raconte son scénario avec moults détails… sauf que vous trouvez cela très mauvais.Et que vous vous dites « mais pourquoi moi ? pourquoi ? » en hurlant très fort espérant que c’est un cauchemars.

Comme sur l’affiche, le pire arrive avec le petit cœur, à savoir les moments d’émotion où évidemment vous n’êtes pas ému et rêvez que les personnages se prennent vite une bombe pour que le film se termine plus vite.

Et que dire des idées loufoques de délires du personnage et d’imaginaire décalé qui se veulent originales mais agacent encore plus tellement l’auteur se donne un genre qu’elle n’a pas.

Horrible ! Après si j’étais poli je dirais que je suis « passé à côté » sauf que je n’étais pas seul et que les avis étaient partagés…on est donc tous passés à côté de la « poésie du film », très probablement, notre continuum espace temps étant différent et j’en suis super fier en fait.

 

N°05 – « Bergman Island » de  Mia Hansen-Løve

Bergman Island en DVD : Bergman Island DVD - AlloCiné

Le pitch : Un couple de cinéastes s’installe pour écrire, le temps d’un été, sur l’île suédoise de Fårö, où vécut Bergman. A mesure que leurs scénarios respectifs avancent, et au contact des paysages sauvages de l’île, la frontière entre fiction et réalité se brouille…  

« Dis moi Blanc Lapin, c’est quoi un film chiant ? »

Ben, là j’ai un super exemple. Une réalisatrice adulée par quelques critiques snobes cinéphiles parisiens, sélectionnée systématiquement en festivals, qui nous livre un film, sélectionné à Cannes pour la Palme d’Or, d’une ineptie assez confondante.

Déjà on se prend facile 50 minutes avant de voir apparaitre la moitié du casting, Mia Wasikowska et Anders Danilsen Lie n’arrivant que très tard, ce qui rend la bande-annonce ultra trompeuse. D’autant qu’elle est rythmée, à l’inverse du film. Alors certes, le film est imprégné du grand Ingmar Bergman de partout et le réalisateur suédois était réputé pour l’extrême lenteur de son cinéma.

Sauf que la réalisatrice n’a pas son talent et que pour donner envie à la jeune génération de se pencher sur l’œuvre du maitre, c’est mal barré avec ce film.

Pauvre Ingmar Bergman, qui se serait bien passé d’un hommage pareil, d’un poncif aussi plat, sans histoire, sans relief, sans la profondeur qui caractérisait et irriguait son œuvre.

Le film est long, pénible et sans aucun souffle. Il est en roue libre à l’image des personnages qui font du vélo dans de nombreuses scènes et pédalent dans la semoule, amenant le personnage vers une autre scène sans intérêt.

Le peu de fantaisie qu’elle essaie de créer tombe à plat et s’avère factice à tel point que je me demandais pendant tout le film si le scénario avait été écrit avant ou pendant le tournage voire après lors du montage.

On dirait un film réalisé en mode Bergman soit avec le rythme ultra lent mais sans les thématiques passionnantes qui faisaient tout l’intérêt du cinéma du maitre suédois. C’est donc du Canada drye de Bergman, où on ne garde que le coté le moins sympa, sa lenteur ! C’est balaise !

« Bergman Island » est un film paresseux et désincarné et heureusement que je l’ai vu en Vod payante et non au cinéma car çà m’aurait encore plus gonflé de faire le déplacement pour voir çà. Je mets un lapin pour les acteurs que j’aime bien.

La piste aux Lapins :

1 lapin

 

N°04 – « The guilty » d’Antoine Fuqua

The Guilty - film 2021 - AlloCiné

Remake du film danois de 2018 qui avait reçu des critiques élogieuses, The Guilty pour Netflix est la parfaite illustration du mauvais remake.

Le concept est le même, à savoir suivre des sons et ne rien voir à l’image que le policier des urgences qui tente de repérer et sauver une femme en détresse.

Seulement voilà, Antoine Fuqua a la finesse d’un pachyderme et son film est grossier de bout en bout.

 Jake Gyllenhaal, qui d’habitude est un bon acteur, en fait des caisses et pleurniche ou fait des têtes pas possibles tout du long. On a juste envie de lui foutre des baffes pour qu’il arrête de cabotiner et de mal jouer. Ce n’est pas parceque la caméra est toujours sur lui et qu’on doit écouter les sons u téléphone qu’ »il doit tout surligner.

L’échec de ce remake est total avec une direction d’acteur au singulier, absolument catastrophique.

Un film qui se fout de la gueule de ses spectateurs.

Très agaçant.

 

N°03 – « Sos Fantômes : l’héritage » de Jason Reitman

S.O.S. Fantômes : L'Héritage - film 2021 - AlloCiné

Voici donc enfin le 3ème opus des chasseurs de fantômes, annoncé depuis 25 ans, qui a eu droit à un épisode navrant avec des chasseuses qui fit à juste titre un four milieu des années 2010.

Cette fois-ci on nous promettait du fan service et le retour des héros d’origine, Bill Murray, Dan Aykroyd et tout le casting sauf Harold Ramis, décédé en 2014.

Mieux, Jason Reitman, le fils du réalisateur des deux premiers épisodes prenait la tête du projet, gage de respect du travail de popa.

Et bien tout ce que vous ne vouliez surtout pas voir, dites vous que tout sera présent et rien de vous sera épargné.

Dans un film pudding totalement inconsistant au scénario décalqué sur l’original qui reprend à l’identique des scènes en moins bien, Jason Reitman vomit sur l’héritage familial à force de s’empiffrer du guimauve. C’est au mieux un hommage au fantôme glouton vert « bouffe tout » qui empiffre de n’importe quo pour le recracher.

L’idée de donner le rôle principal à des adolescent est nullissime, ces derniers étant super agaçant et donnant des envies de meurtre à épisodes réguliers. Le film a zéro humour là où le film d’origine surfait sur le talent comique de ses interprètes. Le pire est qu’on attend 90% du film, très long de 2h04, pour apercevoir le casting d’origine durant quelques minutes où ils sont excellents en deux répliques et font entrapercevoir ce qu’aurait été un film avec eux de bout en bout.

Encore aurait-il fallu écrire un scénario digne de ce nom ce qui n’est pas du tout le cas présentement. Pire, l’hommage à Harold Ramis est navrant et je serait sa famille je porterait plainte pour viol de sépulture en osant raviver son fantôme dans des scènes aussi culcul et inutiles.

Une des pires idée de suite concrétisées ses vingt dernières années. Horrible !

La piste aux lapins :

1 lapin

 

N°02 – « Synchronic » de Justin Benson, Aaron Moorhead

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Avec Jamie Dornan, Anthony Mackie

Deux agents des services ambulanciers de la Nouvelle-Orléans voient leurs vies chamboulées lorsqu’ils découvrent une série de morts liées à une drogue expérimentale aux effets secondaires paranormaux.

Il fallait bien deux réalisateurs pour mettre en image une idée aussi débile sur le papier. Car question voyage dans le temps, il est vrai que la plupart des tentatives se soldent par des films assez mauvais, n’est pas Terry Gilliam qui veut, L’armée des 12 Singes restant l’un des chefs d’œuvre du genre.

Ici on en est loin, très loin, à des milliers d’années même. Le concept prend exactement celui du film Netflix Project Power. Dans ce dernier une drogue donnait des supers pouvoirs et au delà des effets spéciaux réussis, le fil était d’un consensuel et d’un cliché assez hallucinants.

Avec ce « Synchronic » , c’est pareil mais on voyage dans le temps mais au même endroit physique. Wahouh !!!! Super idée pour réduire les coûts des décors !!! Pas con ! Sauf que c’est vraiment naze et que les explications du héros qui découvre les effets de la drogue sont franchement navrantes. A chaque immersion dans le passé, on se prend à se dire qu’on est en train de regarder un bon gros film de merde et à perdre du temps pour lequel aucune machine à remonter quoique ce soit ne nous permettra d’éviter cela.

Sauf peut être si vous avez la chance de lire cette critique, qui du coup sera une machine à vous gagner 1h30 !!! merci qui ? merci monsieur le blanc lapin.

Vraiment il faut toujours voir de mauvais films pour avoir une échelle de valeur avec les bons et l c’est le premier film pourri que je vois en 2021, mais je l’ai bien choisi celui là ! Ah oui 81% des critiques sur l’agrégateur Rotten Tomatoes trouvent le film bon…il est temps que la pandémie se termine parceque la drogue c’est mal.

La piste aux Lapins :

Mauvais

 

N°01 – « The tomorrow war » avec Chris Pratt

The Tomorrow War - film 2021 - AlloCiné

Le monde est stupéfait lorsqu’un groupe de voyageurs arrive du futur – précisément de l’année 2051 – pour délivrer un message urgent : dans 30 ans, l’Humanité va perdre une guerre d’envergure mondiale contre une espèce d’aliens meurtrière venue détruire notre civilisation.

Cette superproduction rachetée une fortune par Amazon laisse pantois.

Entendons nous, le film a un énorme budget et çà se voit dans les effets spéciaux, même si le voyage dans le temps a quelquechose d’assez ridicule et manque totalement d’imagination.

C’est d’ailleurs le sentiment général qui se dégage du film. Il y a comme un condensé de tout ce que vous avez vu dans des films de SF dont Chris Pratt, qui n’a pas l’air super à l’aise quand il ne fait pas le con comme dans Les gardiens de la Galaxie, et des monstres très très vilains.

Le film est sans surprise, sans odeur, sans saveur. Quand on compare à Sans un bruit 2, on se dit que les scénaristes ne vivent pas sur la même planète.

Bref, c’est mauvais, ne perdez pas votre temps.

La piste aux lapins :

Mauvais

 

« Matrix Resurrections » de Lana Wachowski – critique du Blanc Lapin

22 décembre, 2021

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Il est toujours casse gueule de reprendre une franchise presque 20 ans après. Pourtant Lana Wachowski a décidé de le faire sans sa sœur et sur un des hits de SF les plus emblématiques des années 2000, à l’époque où elles étaient frères.

Autant j’avais beaucoup aimé Matrix pour son côté révolutionnaire en termes d’effets spéciaux autant les deux suites m’avaient gonflées car je e comprenait rien à l’histoire qui se perdait dans des circonvolutions inutiles.

« Matrix Resurrections » a d’abord l’humour de se moquer de la propre saga Matrix mais aussi sur le fait de faire des suites et des reboots à Hollywood dans des scènes particulièrement drôles et surprenantes au début du film. On commence donc par un film méta qui regarde dans son propre miroir et la raison de faire une suite avec un humour qui faisait particulièrement défaut aux prédécesseurs.

Et là on comprend que Lana Wachowski ne revient pas pour le fric, pas du tout. Elle revient avec l’envie de réer de la nostalgie chez le spectateur tout en le ramenant dans la matrice via des scènes brillamment réalisées. Évidemment vous n’aurez pas l’effet de surprise et elle le sait et axe donc une bonne partie de l’histoire sur des dialogues, des climax, des jeux de dupes distrayant et intelligents. Elle fait évidemment du fan service en raccrochant tous les wagons et en expliquant les liens mais c’est léger et surtout, le film est terriblement fun, comme le premier du nom, et c’est le plus bel hommage qu’elle pouvait apporter.

Les nouveaux personnages introduits sont très bien écrits et utiles à l’histoire. On s’y attache, mention particulière à Buggs (rapport aux bugs et à Buggs Bunny.

Au delà de la virtuosité de la mise en scène que la réalisatrice n’a pas perdu, on est pris d’émotion par le retour de Carrie Anne-Moss et Keenu Reeves, excellents de classe et d’autodérision.

Le plus fascinant dans « Matrix Resurrections » est cette capacité à divertir tout en faisant réfléchir le spectateur sur la notion d’abrutissement par l’écran, les séries et tout le show produit aujourd’hui et qui au final rend le spectateur gavé de productions nouvelles comme les humains sont nourris par les machines pou qu’elles survivent elles-mêmes. Et sans cesse le film utilise des concepts de réalité qu’il introduit dans sans histoire pour les dénoncer à qui saura les déchiffrer, tel un code et tel que le font les personnages. C’est malin voir brillant dans un blockbuster. Ceci va jusque dans le fait de rire du « déjà vu » via un chat appelé ainsi, en montrant des images des précédents films et en montrant que la réalisatrice n’est pas dupe et ne prend pas ses spectateurs pour des idiots, bien au contraire.

C’est d’ailleurs tout l’amour et le respect de la réalisatrice pour son matériau et ses fans qui transpire au visionnage de ce film que je n’attendais pas aussi réussi et mature.

Moi qui ne suis pas particulièrement fan aveuglé des trois films précédents, j’ai tout compris car la réalisatrice prend soin de résumer, expliquer et virer tout ce qui était nébuleux dans les histoires précédentes. Inutile donc de revoir les trois films, vous comprendrez très aisément.

Et puis le film est émouvant en plus d’être drôle, ce que je n’avais pas ressenti avec les trois précédents films.

Le film est déconcertant, complexe sans être inaccessible, spectaculaire tout en ayant un charme fou. Une très grande réussite.

La piste aux Lapins :

4,25 lapins

« Spider-Man: No Way Home » de Jon Watts – critique du Blanc Lapin

22 décembre, 2021

Spider-Man No Way Home : y aura-t-il une suite avec Tom Holland ?

Pour le 3ème volet de la trilogie « Home » avec Tom Holland et Zendaya, Sony et Marvel n’ont pas que sortir le Docteur Strange. Autant le précédent volet m’avait vraiment gavé par son inconsistance scénaristique et les personnages décidément trop ados, autant celui-ci me surprend à plus d’un titre.

D’abord le film est plus sombre et le personnage de SpiderMan évolue et entre dans l’âge adulte, ce qui augure peut-être d’une nouvelle trilogie avec Tom Holland. Le film contient plusieurs scènes émouvantes qui fonctionnent et ne font pas trop fake en s’appuyant sur des sentiments universels autour de la construction d’une famille de choix, de souvenirs qui nous attachent au réel à aux raisons d’exister. Le film prend sur la fin une tournure vraiment inattendue.

Ensuite le blockbuster arrive à utiliser le multiverse ce que le dessin animé New Generation avait si brillamment servi. Et surtout il rend hommage aux trois films de Sam Raimi avec Tobey Maguire et aux deux films avec Andrew Gardfield. D’abord il ramène 5 des méchants les plus emblématiques des cinq films avec les deux précédents Spidey, expliquant le changement d’acteur par un changement de dimension.

Mais là où on aurait pu craindre un fan service basique, c’est tout le contraire. Les différents personnages ramenés à la vie sur grand écran ont un rôle prépondérant de premier plan. Et c’est tout l’intelligence du scénario de donner de vrais poids consistants à chacun, permettant vraiment aux fans de créer un lien entre les huit films produits depuis 2000.

C’est tout simplement la meilleure idée de blockbuster depuis des lustres.

Alors certes la réalisation n’est pas à tomber par terre, certes les héros sont un peu fades mais franchement le spectacle est présent et efficace.

Une réussite

La piste aux lapins :

3,75 lapins

« La main de Dieu » « The Hand of God » de Paolo Sorrentino – critique du Blanc Lapin

22 décembre, 2021

La Main de Dieu - film 2021 - AlloCiné

Le Pitch : Naples dans les années 80. Fabietto Schisa, adolescent mal dans sa peau, vit avec sa famille excentrique et haute en couleurs. Mais son quotidien est soudain bouleversé lorsque Diego Maradona, légende planétaire du football, débarque à Naples et le sauve miraculeusement d’un terrible accident. Cette rencontre inattendue avec la star du ballon rond sera déterminante pour l’avenir du jeune homme. Avec La Main de Dieu, Sorrentino revient dans sa ville natale pour réaliser son film le plus personnel, qui mêle le destin et la famille, le sport et le cinéma, l’amour et les illusions perdues.

Paolo Sorrentino est l’un des grands réalisateurs italiens du moment, qui tourne à l’international et nous a livrés L’Ami de la famille (2006), puis Il Divo (2008) sur l’homme politique italien Giulio Andreotti, This Must Be the Place avec Sean Penn, La Grande Bellezza sur un écrivain romain désabusé, qui reçoit l’Oscar et le Golden Globe du Meilleur Film étranger en 2014 et enfin le sublime Youth où Michael Caine et Harvey Keitel interprètent deux amis artistes au crépuscule de leur existence, un film magnifique. Puis il va marquer les critiques avec sa série en deux saisons géniales sur un Pape jeune mais ultra conservateur joué par Jude Law avec The Young Pope puis THe New Pop tout aussi excellente avec en plus le trop rare John Malkovich.

De par ses thématiques variées, sa mise en scène fluide et très esthétique, usant de bande son toujours originale et de scènes surréalistes venant agrémenter des rêves des personnages, Sorrentino a trouvé son style, assez vite reconnaissable.

Vous retrouverez tout ceci dans cette production Netflix, prête à conquérir de nombreux prix début 2022 après son Lion d’argent à Venise en septembre dernier, car c’est probablement l’un de ses meilleurs si ce n’est son meilleur film.

« La main de Dieu » raconte son histoire à lui, totalement autobiographique, d’un jeune adolescent qui trouva sa voie après un drame familial d’une violence que je ne connaissais pas avant de lire sa bio, après le visionnage. En se livrant ainsi, Paolo Sorrentino nous offre un magnifique hommage à la création, à la liberté et l’insouciance de son adolescence et surtout à ses parents.

Toni Servillo et Teresa Saponangelo sont à tomber par terre et ne pourront que vous rendre fans absolus de leurs personnages, de leurs trahisons, leurs mensonges, leurs fêlures. Le regard sur ses parents de Sorrentino est tendre sans être trop mélancolique car il leur rend vie à travers ces deux portraits iconoclastes. Cette mère blagueuse qui fait des canulars est géniale, ce père volage communiste et banquier est excellent et haut en couleurs. Et toute la familia italienne autour donne lieu à des scènes où l’on est hilares.

Le film est au début très lumineux et très drôle et bien sur le réalisateur choisit la nuit pour les scènes de drame et post drame et le crépuscule pour son entrée dans l’âge adulte.

Filippo Scotti crève l’écran dans le rôle du réalisateur, à la fois naïf et solaire, qui découvre la vie peu à peu. On peut lui prédire une belle carrière.

Je rassure les non fouteux, Maradona n’est qu’un prétexte à un superbe film sur les illusions perdues de l’adolescence, la fin de l’enfance forcée avec toute une galerie de personnages denses, complexes ou tout simplement tellement originaux que le film passe à une vitesse incroyable.

On touche du doigts la solitude et le manque qui ont amené à façonner l’artiste qu’est devenu Paolo Sorrentino aujourd’hui.

Et c’est d’autant plus émouvant qu’avec ce film, il semble parler à ses parents et leur dire « voyez ce que vous m’avez transmis ! voyez ce que je suis devenu grâce à vous ! Pour tout cela je vous aime « . Il est difficile de ne pas être ému par ce message après avoir tant croqué la vie avec lui dans ce Naples magnifié.

Un film sublime.

La piste aux Lapins :

4,5 lapins

 

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