Les meilleurs films 2018 du Blanc Lapin – Partie 2 – N°14 à 01

Et voici la suite et fin des meilleurs films du Blanc Lapin 2018 !

Vous pouvez retrouver la partie du classement de 30 à 15 ici.

 

N°14 – « Roma » d’Alfonso Cuarón

Voici donc le film qui va tout bouleverser dans l’industrie du cinéma. Et c’est marrant parcequ’il n’a rien du gros blockbuster. C’est juste que « Roma » d’Alfonso Cuarón a remporté le Lion d’Or au dernier festival de Venise, et qu’il ne sort que sur Netflix ! Et çà, c’est une révolution.

Une révolution car les plus grands cinéastes viennent sur Netflix, le prochain étant Martin Scorsese avec De Niro, Al Pacino et Joe Pesci.

Alfonso Cuarón est un grand réalisateur et il a accepté de travailler pour Netflix car c’est uniquement là qu’il y a trouvé le budget.

Sa fresque est en effet loin de pouvoir remplir des salles obscures, d’une part parce qu’elle est en noire et blanc, qu’elle dure 2h15 et d’autre part parcequ’elle n’a aucune star à son casting. Son thème est aussi pas franchement vendeur puisqu’on y suit la vie quotidienne d’une femme de maison du début des années 70, dans une famille bourgeoise à Mexico.

Le noir et blanc du film est absolument magnifique, d’une grande pureté. La mise en scène est fluide, à travers de longs plans séquence.

Mais là où Cuaron fait très fort, c’est qu’il adopte le point de vue de cette femme dans la servitude grâce à son choix de mise en scène.

L’héroïne est quasi silencieuse, on la voit peu s’exprimer car dans son métier, on lui demande de se taire et de faire les choses, rapidement, efficacement. Sa relation avec les enfants de la famille est tendre et presque plus proche que celle qu’ils ont avec leur mère. D’ailleurs la famille lui laisse regarder la télévision avec eux mais pas trop longtemps quand même. Le rappel des ordres pour faire telle ou telle chose ménagère lui rappelle aussi son statut social, au cas où elle l’oublierait.

Cette’ violence sociale, qui se mélange dans certaines scènes à la violence dans les rues, est très bien rendue, avec force. Cette violence on la retrouve dans les rapports qu’elle a avec ses patrons qui la couvent et payent son accouchement mais qui la traitent aussi pour ce qu’elle est, une employée sans un sou.

Et quoi de plus efficace que de filmer cette famille sans créer une histoire très construite, juste suivre le quotidien, et les petits élèvement qui le changent au fur et à mesure. Un mari volage qui s’enfuit, une nouvelle voiture, plus petite car l’argent vient à manquer dans la famille, un drame évité…Alfonso Cuaron, fait preuve d’une très grande finesse par ce regard extérieur. Nous sommes comme l’héroïne, des spectateurs de cette vie, auxquels on interdit de devenir des intervenants à part entière.

Ce grand film intimiste est une grande réussite.

La piste aux Lapins :

 

N°13 – « High Life » de Claire Denis

Des criminels condamnés à mort sont envoyés dans l’espace pour devenir les cobayes d’une mission spatiale, en dehors du système solaire.

Je ne comprend pas du tout pourquoi le nouveau film de Claire Denis a été taxé de gênant ou de violent. Rien de tel, allez y sans crainte et allez y car elle nous fait du cinéma qui lorgne vers le Solaris de Tarkowski, tout en étant plus accessible et non moins très réussi.

Comme dans tout bon film de SF, Claire Denis interroge les limites de notre humanité en s’intéressant au huis clos bien évidemment mais aussi aux traumas de ces criminels et plus particulièrement de deux d’entre eux joués de façon excellente par Juliette Binoche et l’étonnant Robert Pattinson, qui ne cesse de nous surprendre par l’éclectisme et l’intelligence de ses choix de carrière.

Pattinson casse à nouveau son image en jouant ce quasi moine qui prend sa mission comme une rédemption morale à son crime tandis que Binoche veut redonner la vie et trouver un sens à sa vie en créant la vie. Elle parait comme un mixte de sorcière, de commandant et de scientifique, dans un rôle sur mesure qui lui colle à merveille.

Claire Denis commence par nous plonger dans la solitude du personnage avant de procéder par flashs backs et de mélanger les époques avec une très grande fluidité. Ce puzzle mental se construit alors devant nous avec brio, questionnant ce que nous ferions dans une telle situation, dans un tel voyage sans retour. L’esthétique claustrophobe du long métrage est une très très grande réussite, d’autant plus que l’on pense avoir tout vu du film se passant dans l’espace.

Le message du film est d’ailleurs certes triste et sombre mais donne du sens et se conclue en beauté.

La piste aux Lapins :

 

N°12 – « Mandy » de Panos Cosmatos

Nicolas Cage est un acteur génial mais depuis 15 ans il tourne souvent dans des merdes. Il le dit lui même, ce n’est pas qu’il le fait exprès et il prend très au sérieux ses rôles, c’est juste qu’il se plante dans ses choix et que les rôles qu’on lui propose ne sont pas géniaux. Il est un peu has been là où il était une méga star dans les années 90, moqué aujourd’hui pour ses coupes de cheveux improbables. Mais de temps en temps il revient comme dans l’excellent « Joe » de David Gordon Green en 2014 ou le remake très réussi de Bad Lieutenant en 2009.

Avec « Mandy« , nul doute qu’il joue dans un Ovni qui a doute pour devenir un film culte.

Panos Cosmatos choisit d’ultra référencer ce film qui pourrait être une simple série Z si il n’y insufflait pas des idées de génie. Avec sa colorimétrie rouge sang et ses effets visuels seventies à mort, le réalisateur joue des effets du LSD pour instaurer un climax hyper particulier. On suit en effet un homme des bois bien viril joué par Cage dont l’épouse fragile, au visage ultra particulier, se fait enlever par une secte. Cette secte va tuer la pauvre jeune femme devant lui et déclencher sa furie et sa vengeance façon Charles Branson.

C’est super bourrin mais c’est soit très drôle dans l’excès soit vraiment original. La réplique culte du film est évidemment « putain, t’as niqué mon T-shirt! » qui, sortie de son contexte peut faire peur mais moi m’a fait hurler de rire. Non vraiment, Mandy est excellent fil de genre, culotté, irrévérencieux, avec un Nicolas Cage en roue libre qui déploie sa rage. C’est un film à ne surtout pas manquer et à regarder loin des enfants.

Par contre vous pouvez détester le film. Mais ceux qui aimeront vont adorer.

La piste aux Lapins :

 

N°11 – « Mission impossible Fallout » de Christopher McQuarrie

Tom Cruise a réussi l’exploit de créer une franchise sur son nom qui dure depuis 22 ans et qui lui a sauvé sa carrière à plusieurs reprises soit une mission pas facile à relever à Hollywood. A chaque fois que Tom a senti le box-office lui échapper sur ses projets, il est revenu à sa copie cachée de James Bond et çà a cartonné.

La recette était au début de prendre de grands noms comme réalisateurs, Brian de Palma, John Woo, JJ Abrams, et Brad Bird.

Ceci fonctionnait, efficacement, livrant des spectacles vraiment divertissants, au dessus du panier. Et puis il y a deux ans il confie les reines à Christopher McQuarrie, qui l’avait dirigé sur Jack Reacher et qui avait écrit les scénari de Valkyrie, Mission: Impossible: Ghost Protocol, et Edge of Tomorrow.

Ce pari fut réussi au-delà des espérances avec « Mission impossible Rogue Nation » qui reçut à très juste titre des critiques dithyrambiques et un box office au-dessus des attentes, relançant la franchise. Rares d’ailleurs sont les séries de plus de cinq films qui durent sur aussi longtemps, avec une récurrence qualitative et un casting stable.

Et bien non seulement Christopher McQuarrie remet le couvert avec la même efficacité redoutable mais il enfonce le clou. Son idée géniale était de coller enfin vraiment à la série dont les films sont adaptés, en créant une famille, une équipe d’espions autour d’Ethan Hunt. Certes, les cascades (faites par Cruise himself) et effets spéciaux donnent lieu à des scènes irréalistes mais on s’en fout totalement car c’est le concept. D’ailleurs, le film s’en amuse et le public en rigole dans la salle.

L’idée donc de la team, s’appuie sur le retour de la révélation du précédant opus, Rebecca Ferguson, toujours aussi énigmatique, de Simon Pegg, présent depuis le 3ème opus (4ème film donc), caution comique et Ving Rhames depuis le 1er il y a 22 ans. Et ceci donne comme dans le précédent une dimension qui n’existait pas auparavant. Hunt en devient humain, contrairement à James Bond, car il a des racines, des amis qui passent avant des milliers de morts. Le scénario est écrit au cordeau, ne laissant que très peu de respiration. Enfin, le Némésis qu’a su trouver Christopher McQuarrie lors du précédent film, revient ! Et un bon film de divertissement a de fortes chances d’être plus réussi avec un bon méchant qui a du charisme. Sean Harris est parfait une fois de plus dans le job. Même sans parler il fait flipper. Quant à Henry Cavill, il incarne un nouveau personnage qui certes ne surprend pas, mais qui envoie une sacrée dose de testostérone face au mâle dominant qu’incarne Tom Cruise. Et c’est là aussi une superbe idée que de lui coller un petit jeune.

Bref, vous l’aurez compris, « Mission impossible Fallout » est LE blockbuster de l’été qu’il faut courir voir, même si vous avez loupé le précédent. C’est jouissif car c’est super bien huilé, brillamment mis en scène et très très au-dessus d’un Bond classique.

La piste aux Lapins :

 

N°10 – « Les Bonnes manières » de Juliana Rojas et Marco Dutra

Voici un film brésilien pour le moins original puisqu’il mixte le mythe du loup garou avec la satire sociale d’un premier degré désarmant de sincérité et d’efficacité.

Clara est infirmière solitaire à São Paulo. Elle arrive à se faire engager comme bonne à tout faire et future nourrice d’une jeune femme riche, enceinte mais terriblement seule, pour une raison inconnue.

Malgré l’arrogance de l’employeuse, les deux femmes vont se rapprocher jusqu’à ce que des évènements surnaturels ne viennent troubler le déroulement de la grossesse.

« Les Bonnes manières » est une excellente surprise. Dès le début on sent que quelquechose cloche malgré l’utilisation par les réalisateurs de couleurs chatoyantes, à l’image des dessins animés de Walt Disney auquel le film fait référence. Car le film se passe bien dans le réel mais détourne les codes du conte avec un esprit très habile.

Avant de verser dans le fantastique, le film va passer par un autre genre, celui de la critique d’une société coupée en deux, où les gens qui travaillent pour les plus aisés ne font que passer dans un décors lumineux là où leur vie quotidienne se passe dans une autre ville, beaucoup moins glamour. Les préjugés de la classe haute sur les bonnes manières à adopter en société, sont aussi passées à la moulinette de leur propre hypocrisie. Mais le traitement n’est jamais lourd. C’est un mélange de thèmes entre l’analyse du mépris social, le film gentiment gore, la confrontation psychologique, la force de l’instinct d’une mère, même adoptive…tous ces sujets sont hybridés et mixés ensemble avec une fluidité déconcertante.

Arriver à faire un film d’auteur versant dans le fantastique, qui sache rester très grand public, n’est pas une première mais ce film est d’une grande fraicheur. Son autre force est de rester à l’équilibre, maintenant un suspens constant et subtil.

« Les Bonnes manières » est scandaleusement mal distribué alors qu’il aurait mérité une mise en lumière à la hauteur de son audace.

La piste aux Lapins :

 

N° 9 – « En Liberté !  » de Pierre Salvadori

Le pitch : Yvonne jeune inspectrice de police, découvre que son mari, le capitaine Santi, héros local tombé au combat, n’était pas le flic courageux et intègre qu’elle croyait mais un véritable ripou. Déterminée à réparer les torts commis par ce dernier, elle va croiser le chemin d’Antoine injustement incarcéré par Santi pendant huit longues années. Une rencontre inattendue et folle qui va dynamiter leurs vies à tous les deux.

Le réalisateur de « Cible émouvante » avec Jean Rochefort, Guillaume Depardieu et Marie Trintignant ou de « Les Apprentis » avec toujours le fils Depardieu et Cluzet, revient au meilleur de sa forme.

Il faut dire que l’animal s’est constitué une filmographie bien sympathique axée sur la comédie certes mais avec toujours une touche de délicatesse et de fragilité dans ses personnages souvent paumés et à la marge.

Ici il va utiliser un scénario qui n’aura de cesse de surprendre non par ses situations mais par la réaction de ses personnages. L’attendu, le fait que les héros se tombent dans les bras, ce n’est pas sa tasse de thé.

L’idée géniale de Salvadori est son casting avec un Pio Marmai excellent de loufoquerie,  une Adèle Haenel vraiment désopilante de naturel revenue de tout et un Damien Bonnard hyper attendrissant. Quant à Audrey Tautou, Salvadori lui donne à nouveau un rôle excellent, un rôle de son âge, la petite quarantaine, frêle et émouvante, un rôle très bien écrit. Ce quatuor est très attachant.

Pierre Salvadori choisit donc de mixer des scènes perchées, parfois à hurler de rire et parfois juste émouvantes et donne à la comédie française un lustre qui trop souvent est délavé sur l’autel de l’industrialisation du film comique financé par ses têtes d’affiche « populaires » et qui font honte au cinéma hexagonal. Ici les répliques sont travaillées, le burlesque arrive à point nommé.

De l’ensemble du film se dégage un style, une certaine notion de la classe, à savoir une grande modestie dans la mise en scène alliée à une sincérité et un amour des personnages qui crève l’écran.

Mine de rien, Pierre Salvadori va bien au delà de la comédie puisqu’il parle des faux-semblants, des images toutes faites que l’on se fait de la réussite dans la vie. C’est qu’il adore les losers magnifiques et leur donne de très belles lettres de noblesse. Salvadori apporte surtout ce qui manque cruellement à nombre de comédie françaises, un peu de poésie !

C’est qu’il faut être sacrément doué pour livrer une comédie « différente », sans baisse de régime, avec une profondeur de la thématique et des acteurs tous à leur place. C’est l’un des exercices de cinéma les plus difficiles. C’est pour celà que « En liberté ! » est LA comédie à voir cette année.

La piste aux Lapins :

 

N°8 – « Spider-Man : New Generation » de Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman

Quelle excellente surprise que ce dessin animé survitaminé et intelligent qui renouvelle la thématique de Spider-Man avec grande classe.

Depuis les films de Sam Raimi, Sony nous a infligé deux affreux reboots particulièrement ratés et sans saveur pour au final rebooter de nouveau son super héros par la case Disney en s’associant à la firme aux grandes oreilles et en lui permettant d’utiliser le personnage dans plusieurs de ses films Marvel dont les Avengers.

Et au final c’est en revenant à l’essence du comic, le dessin et à sa multiplicité, que Sony vient de signer un énorme coup de force. Le film est un tel succès critique et public que plusieurs suites seront lancées. Le film Venom qui était une bouse mais a cartonné va compléter ce multiverse Spider-Man autour duquel Sony va préparer le retour de son héros rouge.

Mais revenons au succès indéniable de ce « Spider-Man : New Generation« .

Sony choisit déjà de raconter une des histoires de Spider-Man qui a cartonné en comics mais n’a jamais été adaptée, celle de Miles Morales, un adolescent afro-américain qui se fait piquer par le même type d’araignée que celle qui a piqué Peter Parker, le vrai et originel Spider-Man.

Et c’est une idée géniale car le super-héros qui a connu six adaptations en 20 ans, voit sa meilleure se dévoiler devant nous. Le film est bien entendu très qualitatif au niveau de l’animation mais il mêle surtout diverses animations différentes, du style Pixar 3D de la plupart des dessins animés du moment au dessin animé en 2D classique, référencé pages de comics en passant par le manga et ceci dans un même plan. Ceci donne au film un hommage au pop art absolument sidérant. En multipliant les spider-man et en utilisant un arc narratif bien connu des comics, les jeunes réalisateurs insufflent une fraicheur inattendue.

Le film est très drôle, bourré de clins d’œils et de références jusqu’à la série Tv des années 70.

Le film est une explosion d’inventivité, de trouvailles graphiques, irrévérencieuses mais toutes au service d’une histoire qui se tient.

Les réalisateurs sont de vrais fans et sont généreux et çà explose à la figure. Ils mêlent les bulles de BD et la tradition à une esthétique acidulée. Leurs choix totalement hybrides et psychédéliques font de ce « Spider-Man : New Generation » le meilleur Spider Man jamais réalisé.

La piste aux Lapins :

 

N°7 – « 3 Billboards, Les Panneaux de la vengeance » de Martin McDonagh

Il y a déjà 10 ans, Martin McDonagh surprenait tout le monde avec l’excellent « Bons baisers de Bruges« , comédie noire particulièrement enlevée et drôle. Son second essai, « Seven Psychopathes » avait en revanche grandement déçu. C’est donc avec plaisir que l’on retrouve son talent avec cette histoire pour le moins originale.

La géniale Frances McDormand, épouse de Joel Coen depuis 34 ans (oui oui les frères Coen) tient la tête d’affiche et pourrait décrocher un Oscar après celui obtenu pour Fargo il y a 21 ans. On peut citer dans sa filmographie « Sang pour sang« , « Mississippi Burning« , « Hidden Agenda » de Ken Loach, « Short cuts » de Robert Altman, « Presque Célèbre« , « The Barber« , ou « Moonrise Kingdom » de Wes Anderson. Autant le dire tout de suite, elle mérite son deuxième Oscar.

Après des mois sans succès sur l’enquête sur la mort de sa fille, Mildred Hayes décide d’afficher un message dénonçant l’inaction du chef de la police sur trois grands panneaux à l’entrée de leur ville.

Si le film fonctionne très bien, c’est qu’il alterne des scènes intimistes profondément douces et réalistes avec de la pure comédie jubilatoire portée par des situations et des dialogues ciselés.

Car tant pour cette mère détruite, son fils joué par l’excellent Lucas Hedges (Manchester by the Sea) que le shériff en fin de vie porté par un Woody Harrelson au top, nombre de scène font preuve de pudeur et visent très juste sur le recul qu’ont les personnages par rapport à leur vie passée, ce qu’ils ont vécu avec joie et la finitude de cette période. Martin McDonagh déclenche des éclats de rire dans la salle par l’absurdité des situations dont le mari de Francs McDormand et son frangin auraient pu en faire le sel d’une de leurs comédies.

Et c’est très drôle. Un personnage aide à déclencher ce rire, le génial flic raciste et débile joué par Sam Rockwell, excellent. Son personnage évolue d’ailleurs étrangement, ce qui donne au film une dimension particulière et un regard bienveillant sur cette Amérique paumée qui a voté Trump par ignorance et qui ne sait pas trop où elle en est.

Le casting du film est l’un des meilleurs de l’année réunissant aussi Peter Dinklage (Thyrion de Games of Thrones), ou Caleb Landry Jones.

Mais le film a aussi une profondeur, un sous-texte sur la vengeance, la justice personnelle et la capacité à pardonner l’autre alors que l’Amérique d’aujourd’hui est dirigée par un type vulgaire, violent et raciste. Le film ne donne pas de leçons balourdes, il est juste dans la générosité. Les personnages sont profondément attachants et émouvants tout en nous faisant marrer par leurs répliques assassines ou leurs comportements farfelus.

« 3 Billboards » est drôle, corrosif, audacieux et surprenant. Courrez y !

La piste aux lapins :

 

N°6 – « Wonder Wheel » de Woody Allen

Décidément, lorsque le maitre New-Yorkais remonte le temps, ceci lui sied à merveille. Après son très bon « Café Society » il y a deux ans, Woody décide de planter son décors à Coney Island, dans les années 50 et il le fait de façon théâtrale. Car oui, « Wonder Wheel » est un hommage au théâtre des plus brillants. Il suit Giny, cette femme serveuse à la vocation d’actrice ratée par un mauvais choix de vie, qui se retrouve vivre avec un homme ex alcoolique qu’elle n’aime pas, en plein milieu d’une fête foraine perpétuelle qui lui donne des mots de tête. Elle est malheureuse et sans perspective.

Là, Giny, malgré son caractère de star déchue lunatique qui voit tout en noir, rencontre un bel homme, écrivain en devenir, poète, interprété par un Justin Timberlake au cordeau. Sauf que leur passion va se trouver vite contrariée par la fille de l’époux trompé, pulpeuse blonde à la vie bien plus trépidante que sa belle-mère quarantenaire, poursuivie par la mafia soit un enjeu bien plus romantique pour le jeune homme. Au milieu de ce drame, Allen n’oublie jamais son humour incongru avec notamment ce gamin, ce fils indéfectiblement pyromane.

Kate Winslet, qui interprète cette Giny tantôt insupportable tantôt pathétique, nous prouve  encore une fois qu’elle est l’une des plus grandes actrices de sa génération, convoquant la Vivien Leigh de « Un tramway nommé désir » dans un hommage à peine voilé. Et voir surgir l’immense Tennessee Williams  chez Woody Allen, c’est plus surprenant que d’y voir cité et référencé Tchekhov, son autre source d’inspiration de « Wonder Wheel ».

Kate Winslet est juste prodigieuse et magistrale dans cette perdition d’une femme qui a cru être sauvée et se voit de nouveau happée par les fantômes de ses échecs.

Le hasard et le destin sont particulièrement cruels dans cet opus de Woody Allen mais le film est au final l’un des meilleurs de ses dernières années. Un excellent cru.

La piste aux Lapins :

 

N°5 – « La forme de l’eau » de Guillermo Del Toro

Guillermo Del Toro fait partie de ces réalisateurs comme Tim Burton, Terry Gilliam ou Jean-Pierre Jeunet, qui ont fait carrière dans l’imaginaire et ont une identité visuelle forte, un style reconnaissable en quelques plans. Ils sont rares et en général ont un public fidèle, à juste titre. Le problème de Del Toro est que ses scénari n’étaient pas toujours au rendez-vous, ce qui a pu amoindrir le beau « Crimson Peak« . Cependant Blade 2, Les deux très bons Hellboy et Le Labyrinthe de Pan ont marqué chacun le genre fantastique.

Avec son lion d’Or remporté à Venise pour « La forme de l’eau« , le réalisateur mexicain signe à 53 ans son plus beau film, extrêmement réussi à tous les niveaux, à commencer justement par son point faible habituel, le scénario.

Chaque personnage est écrit avec finesse, et trouve dans le dispositif du film une place qui n’est jamais celle d’un simple faire valoir. Richard Jenkins (le père dans Six Feet Under) a un rôle à la fois empathique, drôle et émouvant dans cet homosexuel qui vit seul et cherche un amour impossible dans une Amérique intolérante et conservatrice. L’amie noire de l’héroïne représente une autre minorité maltraitée par cette Amérique blanche raciste des années 50 et 60. Mais ces laissés pour compte sont dépeints avec délicatesse, sans caricature ou trait forcé.

Le grand méchant est joué par un Michael Shannon au visage si expressif et flippant, représentatif du mâle Alpha dans toute sa splendeur et ses limites mentales dont la première est le manque d’imagination et de poésie. Guillermo Del Toro imprègne son long métrage d’un contexte historique comme dans L’échine du diable et Le Labyrinthe de Pan, renvoyant aux carcans d’une époque. Mais il rend aussi hommage à tout un pan du cinéma bis de ces années là, au premier rang desquels L’Etrange créature du lac noir dont est fortement inspirée le personnage amphibien du film.

Et puis il y a cette histoire d’amour, cette poésie entre Sally Hawkins, brillante en femme muette, pas très belle et cette créature subissant la torture d’humains trop cartésiens pour imaginer la différence. Guillermo Del Toro utilise son talent visuel, ses lumières et couleurs si particulières, baignées de bleu vert sous-marin. Mais il arrive surtout à nous conter une histoire qui aurait pu sombrer dans le ridicule complet alors qu’on contraire, son film décolle vers une légèreté, une finesse bluffante. Une scène de comédie musicale arrive avec une finesse exceptionnelle à faire s’envoler l’histoire vers de la pure poésie. Le film touche à l’universalité avec des messages simples, naïfs mais jamais faciles ou éculés.

L’émotion prends alors corps face à cette histoire de monstre et vous cueille quelques sourires et quelques larmes, gages de l’excellence de « La forme de l’eau ».

Le film est une belle fable féérique, loin du cynisme contemporain, qui parle de tolérance et couronne avec grâce l’un des grands réalisateurs de notre temps. Cet enchantement fera du film un classique.

La piste aux Lapins :

 

 

N°4 – « Hostiles » de Scott Cooper

 

 

Scott Cooper est l’un des excellents réalisateurs américains découvert ces dix dernières années. De son Crazy Heart avec Jeff Bridges, de son très beau Les Brasiers de la Colère avec Christian Bale à son Strictly Criminal où Johnny Depp retrouvait un rôle en or, à chaque fois sa direction artistique s’avérait d’une très grande finesse.

 

Ici le réalisateur s’attaque à une genre protéiforme dans l’histoire du cinéma américain, le Western.

 

Si ce n’est que là où son film est de facture classique dans sa mise en scène, toute la nuance vient de l’écriture des personnages. Christian Bale est comme toujours brillant dans le rôle de ce capitaine, héros de guerre ayant massacré des indiens et qui va peu à peu revenir sur cette déshumanisation qui a détruit sa vie peu à peu.

 

Alors qu’on lui confie le rôle de mener Yellow Hawk, chef de guerre Cheyenne mourant, sur ses anciennes terres tribales, ce dernier va se trouver confronté à ses fantômes. En premier lieu il sauve une femme dont la famille s’est faite massacrer par les Comanches, à laquelle  Rosamund Pike donne une incarnation troublante. Puis ils vont survivre dans cet univers sans pitié où la mort frappe aveuglément jeune comme vieux, homme comme femme et enfants. Cette vie d’une dureté sans nom, que tout le groupe a connu et qui va s’abattre de nouveau au cours de leur voyage, va façonner une remise en question des préjugés des uns et des autres.

 

« Hostiles » est un magnifique film sur la rédemption, le remords, le pardon et l’instinct de vie.

 

Scott Cooper développe son récit avec une pudeur et une retenue rares qui donne au film un panache, au-delà de la superbe photographie du long métrage. En plus d’être un spectacle certes violent mais au suspens bien réel, le film a une autre dimension, mélancolique.

 

Il y a autant de styles de westerns que de réalisateurs différents s’y étant attardés. Bien souvent je subis de la part de spectateurs leurs a priori sur le western alors même qu’il est totalement faux de parler d’un genre. Celui que nous livre Scott Cooper est d’une profonde humanité, d’un regard triste sur la condition humaine et l’absence de limites dans l’horreur. C’est aussi un long métrage profondément poignant à plusieurs reprises, qu’il nous montre ces soldats vidés de leurs sentiments ou au contraire ces indiens déracinés qui arrivent à communiquer quand même avec l’envahisseur.

 

La fin du film est l’une des plus belles que j’ai vues depuis longtemps (hormis celle de Call me by your name), d’une classe folle qui bouleverse par sa justesse et son absence de didactisme.

 

Un grand film humaniste, épique et flamboyant.

 

 

Alors qui pour succéder à « 120 battements par minute »  et « A Beautiful Day” ?

 

Voici le podium qui une fois n’est pas coutume, comporte quatre finalistes…

 

N°3 – « Les frères sisters » de Jacques Audiard

Avec un casting pareil et le défi que le plus grand réalisateur français du moment s’attaque au mythe du western, en langue anglaise, on pouvait légitimement craindre le pire.

Mais Jacques Audiard n’aime pas les westerns et a bien compris qu’il n’y avait pas un style mais que le genre était protéiforme. Le western a ceci de magique qu’il pose immédiatement un cadre, une époque, et permet à l’artiste d’y développer ses propres thématiques.

Non seulement Audiard réussit avec les « Frères sisters » à passer ces obstacles mais il livre un film très personnel, d’une grande humanité, où l’émotion est pudique mais prégnante.

On va donc suivre deux frères hors-la loi, interprétés par les excellents Joaquin Phoenix et John C. Reilly.

Phoenix est l’un des meilleurs acteurs au monde et nous le prouve de nouveau dans ce rôle d’homme qui n’a connu que la violence pour survivre et a entrainé son grand frère, fatigué de ces tueries et qui cherche à se poser et à trouver un sens à sa vie. John C. Reilly est magistral, d’une très grande finesse malgré sa stature de mâle brutal. Et quelle relation passionnante que cette fratrie qui se protège et se perd dans une course contre la mort.

On y voit l’Amérique ancienne du far west, une nation enfant qui a défriché ces terres dures par nécessité vitale mais qui a mis du temps à instaurer une société organisée à cause de la cupidité individuelle. Puis elle a laissé place à un monde de progrès, où le capitalisme a émergé mais la transition aurait pu être différente. C’est d’ailleurs l’énorme surprise du film que de voir ces deux mondes se confronter et se rencontrer et parler d’idéalisme. Jake Gyllenhaal et Riz Ahmed sont le côté lumineux de cette médaille. Leur jeu est parfait pour montrer sans mots leur ambition de sortir de cet âge barbare. Mais ils se trompent sur la direction qu’il prendra et c’est d’autant plus déchirant.

Le réalisateur garde toujours une hauteur de vue, un regard bienveillant et empathique pour ses personnages. Il aurait pu se planter en tentant l’expérience américaine (i.e avec des acteurs et une langue qui n’est pas la sienne). En effet, nombre de ses illustres prédécesseurs s’y sont cassés les dents.

Et pourtant Jacques Audiard signe une pépite d’émotion, grave mais onirique, parfois drôle et plutôt portée vers la lumière. Son film a de la profondeur d’esprit et il est incarné par des acteurs au sommet. Il s’agit probablement de l’un de ses plus grands films, prouvant qu’il reste une pointure dans le cinéma français d’aujourd’hui.

La piste aux Lapins :

 

N°2 – « Woman at War » de Benedikt Erlingsson

Voici un film islandais vraiment excellent que je n’avais pas vu venir et qui s’avère être l’un des meilleurs films depuis le début de cette année 2018.

Halla, la cinquantaine, déclare la guerre à l’industrie locale de l’aluminium, qui défigure son pays. Elle prend tous les risques pour protéger les Hautes Terres d’Islande… Mais la situation pourrait changer avec l’arrivée inattendue d’une petite orpheline dans sa vie…

Comment dire ?  » Woman at War » a un charme irrésistible. Il est difficile de ne pas adhérer à cette héroïne complétement dingue qui risque sa vie et des années de prison pour monter l’opinion publique contre les pouvoirs publics et une industrie qui dévore notre planète sans se soucier des conséquences. Son terrorisme est communicatif car il est bienveillant et hélas voué à l’échec. Le réalisateur a plusieurs idées géniales. D’abord il utilise les paysages à couper le souffle de beauté de cette campagne et des glaciers d’Islande. Et pour un film voué à une cause écolo, c’est déjà un point d’acquis. Ensuite, il use d’un humour désopilant, burlesque, tout en second ou troisième degré avec des personnages tous droit sortis des fictions du Nord de l’Europe, tous en retenue pince sans rire mais viscéralement déterminés et humains.

Ce qui surprend c’est l’audace de cette mise en scène. Utiliser en contre champs un trio de musiciens free-jazz ou des chanteuses aux intonations blakaniques pour surligner l’état d’esprit du personnage principal, pourrait être ridicule car n’est pas Kusturica qui veut. Et bien là non seulement çà passe mais en plus, c’est carrément classe.

Son film est parfois poétique, souvent comique par l’absurde et vogue sur un réel suspens. Il n’adopte aucun genre à part celui de rester libre et indépendant comme son héroïne…et fatalement, il surprend.

« Woman at War » est un véritable coup de cœur car il sait rester léger et donne un grand souffle d’air frais. On en ressort en se disant qu’on a enfin vu une proposition de cinéma différente, avec du fond sur un récit d’aventures suffisamment farfelu pour créer une étrangeté particulièrement réussie, sans oublier d’être émouvant.

Une très très grande réussite que vous devez courir voir.

La piste aux lapins :

 

Palme du cœur et grand prix du jury du Blanc Lapin )

 

« L’homme qui tua Don Quichotte » de Terry Gilliam

Je suis enfin sorti de la projection de ce film que j’attends depuis 20 ans car c’est mon réalisateur favori, que son imaginaire m’a toujours cueilli et que j’ai vécu comme beaucoup ses multiples mésaventures durant deux décennies …18 ans d’obsession, un risque considérable d’être déçu car ce film je l’ai fantasmé…et je serai au « regret » de vous dire que je n’ai pas été déçu…et pourtant, on a beau adorer Gilliam, on n’en n’est pas pour autant moins exigeant, bien au contraire. Ses frères Grimm et son Zero Théorem m’avaient refroidis.

Pas assez ému peut-être, quelques longueurs au début mais une mise en place hyper originale et une difficile compréhension de cet accueil froid de certains critiques car le film a vécu une gestation des plus compliquées de l’histoire du cinéma et au final deux adjectifs s’imposent en sortant de la salle, « généreux » et « bordélique « !

Généreux parceque chaque scène se justifie et déborde d’énergie, d’inventivité faisant penser parfois à Tideland pour sa capacité à créer l’imaginaire à partir de bouts de ficelles et c’est un tour de force qui impose le respect. La presse qui a affublé le film de balourdise sur les migrants ou les attentats n’a rien compris au message qui est certes naïf mais qui correspond à l’esprit d’un roman comme Quichotte et sa réactualisation.

Le film est surprenant, avec si peu de moyens il arrive à montrer toute la folie du personnage, il est bourré d’idées et bordélique comme le roman et comme un film de Terry Gilliam. Et au final le style de Gilliam est là, tout du long et on a rarement eu l’occasion de côtoyer d’aussi près l’artiste, ayant limite l’impression d’être à ses côtés sur le tournage lorsqu’il a dû trouver des trésors d’ingéniosité pour palier à son budget serré. Et si la première partie peut sembler longue, elle a le mérite d’installer un regard moderne sur l’œuvre de Cervantès et de la rendre digeste là où tous les autres projets de cinéastes se sont ramassés sur Don Quichotte. Car adapter cette œuvre pourrait déboucher sur une succession de scènettes datées, inscrites dans l’inconscient collectif mais juste illustratives. Le fait que le film soit méta, qu’il parle de l’incroyable aventure de Gilliam sur 30 ans de galère donne du corps et de l’humain à des visions qui sinon n’auraient été que désincarnées.

Quand Terry Gilliam dit que l’approche de Cervantès rend fou et tourne à l’obsession et qu’au final c’était un passage obligé, c’est peut être vrai. « He did it » disaient des internautes sur Twitter lorsque à la fin de la projection en clôture du festival de Cannes, la salle a ovationné Gilliam durant 15 minutes. Son film est beau et a du panache y compris dans ses défauts et ses maladresses car il respire la persévérance et la capacité à se créer ces obstacles imaginaires, ces aventures de pacotille pour tenir un fil rouge, se fixer un cap et survivre même dans le ridicule. Cette scène de cheval de bois est magique pour ce qu’elle représente. De cette peur pour Gilliam de devenir un vieil homme risible aux ambitions éculées oui, mais aussi pour cette semi-conscience de la folie dans laquelle le personnage se met en scène lui-même. D’ailleurs la confession de l’avant dernière scène est bouleversante car elle instaure un doute, une double lecture comme souvent dans les fins d’un très bon Terry Gilliam. La fin est non seulement émouvante mais résonne longtemps après comme un hymne au fil directeur de toute une vie de cinéaste. Forcer le réel et les plus viles bassesses de l’humain pour y insuffler un peu de poésie et d’échappatoire. C’est naïf mais c’est touchant et sincère.

Les acteurs sont excellents. Jonathan Pryce a eu raison de tanner Gilliam si longtemps, il est parfait dans un rôle loin d’être évident. Voir l’acteur de Brazil incarner ce personnage iconique dans la carrière de Terry Gilliam est un symbole en soit. Quant à Adam Driver, il trouve le premier rôle de sa carrière qui lui permet d’exprimer son talent. Gilliam a toujours été doué pour ses castings. Malgré les multiples duos qu’a connu le film depuis son premier échec de tournage en 2000, il réussit à trouver une alchimie entre eux.

Les références au projet lui même sont une super idée.

Le film est un hymne testamentaire et un encouragement aux jeunes cinéastes, à la persévérance et à la nécessité de s’affranchir du tout commercial. Terry Gilliam a conscience qu’il touche à la fin de sa carrière et le film est très mélancolique car on a du mal à trouver qui reprendra son flambeau parmi les cinéastes d’aujourd’hui. Quichotte est vivant et Terry Gilliam est vivant aussi, profitons en! Soyez joyeux qu’il puisse encore nous émouvoir et l’histoire n’est pas terminée.

La patte de Gilliam est là à chaque instant, d’une inventivité bluffante.

Ce n’est pas le chef d’œuvre qu’on aurait pu espérer mais c’est un très bon film et c’est déjà énorme en soit ! Énorme que chez des spectateurs exigeants l’ayant espéré durant 20 ans, il ne provoque pas de déception mais au contraire une envie de revoir le film. Une critique anglo saxonne disait que le monde serait bien triste sans cette folie dont seul Terry Gilliam a le secret…

Je suis non seulement heureux d’avoir accompagné par l’esprit durant 20 ans cette œuvre, heureux que ce funambule m’ait donné un fil directeur et des géants à combattre pour pimenter mes rêveries et mon quotidien. Heureux enfin que le film existe, qu’il puisse désormais vivre pour lui et non plus pour la légende de sa production…qu’il puisse vieillir comme un bon cru et acquérir les lettres de noblesses qu’il ne manquera pas de conquérir comme bien d’autres films de Terry Gilliam, pas toujours compris à leur sortie. « Aujourd’hui est une magnifique journée pour l’aventure »… pour la première fois depuis 20 ans elle se fera sans fantasmer « L’homme qui tua Don Quichotte » et ça fait un peu bizarre, j’avoue. Une page se tourne et l’émotion vient car le message du film est plus que présent mais d’autres moulins s’annoncent au loin et au final, c’est le principal…

La piste aux Lapins :

 

N°1 – « Call me by your name » de Luca Guadagnino

Au début des années 1980, Elio, 17 ans, passe ses vacances dans la maison de famille de ses parents au Nord de l’Italie, entouré de son père, professeur spécialiste de la culture gréco-romaine, de sa mère, traductrice, et d’amis du village. Intelligent et fin voire érudit, Elio ne connait encore rien du sexe et de l’amour. Oliver, un américain étudiant en doctorat, est invité par son père à venir terminer ses études, logé chez eux durant trois semaines. Elio et Oliver vont d’abord de se rejeter avant de vivre une histoire passionnée.

Après un parcours en festivals triomphant depuis un an, voici enfin la romance gay « Call me by your name« . Il n’y a rien d’étonnant à ce que le grand James Ivory (Maurice, Les Vestiges du jour, Retour à Howards End)  soit le scénariste de ce roman d’André Aciman, tant on retrouve ses thèmes de prédilection, des individus éduqués dont les désirs doivent rester cachés pour des raisons sociales.

Luca Guadagnino avait quant à lui surpris avec le superbe « Amore » avec Tilda Swinton, qui contait déjà une histoire de passion entre une femme mure et le meilleur ami de son fils. Avec « Call me by your name« , il signe un chef d’œuvre de subtilité, prenant son temps pour installer le désir, puis le sentiment, jouant avec notre impatience, y mettant même un certain suspens, et arrive à saisir des sentiments particulièrement complexes à traduire à l’écran.

Bien sûr, ses deux acteurs tout comme les parents joués par Amira Casar et Michael Stuhlbarg sont excellents. Ce dernier donne même l’une des scènes les plus poignantes du film, un discours de père à fils d’une profonde bienveillance, d’un recul sur la vie qui réchauffe le cœur au moment où le film vient de vous tirer les larmes les plus désarmantes.

« Call me by your name » n’est pas un film mièvre, ou facile et n’apporte son lot d’émotions qu’au terme de son histoire, mais de façon assez déconcertante de simplicité.

Tout le reste du film est l’histoire d’un éveil à la sensualité, au premier sentiment amoureux, à travers des détails, des regards, le trouble que provoque ce sentiment chez le personnage d’Elio. Timothée Chalamet est solaire dans ce rôle d’un jeune homme plutôt arrogant, qui sait qu’il est cultivé et qui ne cherche qu’à découvrir son premier amour. Il est surtout poignant dans la finesse de son jeu lorsqu’il exprime les sentiments qui l’assaillent. Un rôle loin d’être évident, qui évolue peu à peu par petites touches et qui doit probablement à une très bonne direction d’acteurs. Face à lui, Armie Hammer ne fait pas preuve d’un charisme de fou mais il incarne la masculinité brute, le sportif cultivé, séducteur et qui refoule son homosexualité aux yeux de la société.

C’est d’ailleurs un jeu de cache cache qui débute rapidement entre ces deux garçons qui sont surpris et curieux de cette rencontre. L’indolence des personnages, qui profitent de cet été gorgé de fruits, de littérature, d’archéologie, ainsi que le rythme doux et lent du film, laissent la place à l’observation du moindre détail des personnages. Le spectateur est en attente, en témoin impudique d’une histoire pourtant d’une extrême pudeur. C’est une mise en scène sophistiquée qui arrive à s’effacer derrière son sujet, à n’y laisser paraitre que la simplicité de ce genre d’histoire, universelle en soit et donc d’autant plus prenante. Certes, celles et ceux ayant connu la passion seront probablement plus sensibles au film que les autres.

Le réalisateur installe une tension dans ce duo lumineux, en distillant lentement des petits pas, montrant leurs hésitations, leurs  doutes, les allers-retours entre ces personnages qui s’attirent puis se rejettent avant d’arriver vers le basculement du jeune homme. Ces sentiments sont tous exprimés avec une économie de mots au milieu d’un été radieux, avec un homo-érotisme pudique tout au long du film.

Luca Guadagnino va donc durant deux heures faire monter la passion devant nos yeux, de façon fluide. Il use du jeu de distance et de proximité des personnages dont la scène où ils se révèlent l’un à l’autre, autour d’une statue au milieu d’une place. Une scène qui résume à elle seule le talent de mise en scène qui nous tient en haleine.

Puis le réalisateur va donner la luminosité de l’apogée de cette passion, son vertige ainsi que le bonheur hors sol qui s’en dégage jusqu’au déchirement qu’elle provoque inévitablement. Le film passe d’une légèreté quotidienne de cet été où les personnages se jaugent à une charge émotionnelle qui finit par exploser.

La finesse du film résonne longtemps après la séance, à tel point qu’on aimerait prendre des nouvelles du petit Elio, tant le personnage est attachant, déchirant et désarmant face à ce qu’il vient de vivre. Il y a dans « Call me by your name » à la fois le bonheur du meilleur de la passion et son deuil impossible car il est la traduction de la perte d’une parenthèse enchantée, forcément magnifiée. Le sol se dérobe et pourtant la vie continue et on voudrait connaitre la suite tant Timothée Chalamet excelle d’intensité dans ce plan de fin de film. Malgré cette fin bouleversante, le pathos n’a pas de prise sur le film, ce qui est là aussi l’une des réussites bluffantes de  »Call me by your name ».

Voilà, allez-voir ce film éblouissant d’humanité, de grâce, de simplicité qui vous imprégnera pour un long moment, ce qui est la marque des films majeurs.

La piste aux Lapins :

 

Et pour la 9ème fois, LE Podium du Blanc Lapin !

 

 

Merci à toutes et à tous et merci pour votre soutien.

Votre blanc lapin serviteur

 

 

Les meilleurs films 2018 du Blanc Lapin – Partie 1 – N°30 à 15

C’est parti pour le classement des meilleurs films 2018 du Blanc Lapin avec un classement plus large (les 30 premiers et non les 20) car j’ai vu beaucoup plus de films, 106 très exactement contre 50 d’habitude et 70 en 2017. Dedans sont inclus les films de cinéma et les films de e-cinéma et de plateformes de streaming comme Netflix puisque certains films et auteurs auraient très bien pu les sortir en salles…et que d’ailleurs les festivals de cinéma, à part Cannes, les considèrent de la même façon.

Vous retrouverez à chaque fois la critique que j’ai rédigée, sans les notations de lapins puisqu’ils ont tous eu à minima 4 lapins.

N°30 – « La Ballade de Buster Scruggs » des Joel et Ethan Coen

J’adore les frères Coen, de leurs chefs œuvres sombres comme « Sang pour sang« , Miller’s Crossing », « Fargo », « No Country for Old men« , « The Barber » à leurs comédies déjantées comme « Arizona Junior« , « The Big Lebowski« , « O’Brother« , ou « Burn After reading« .

Et puis ces dernières années, quelquechose s’est cassé. Je n’ai pas compris « A serious Man« , assez chiant, leur western « True grit » m’a laissé de marbre, et malgré la presse dithyrambique, j’ai trouvé « Inside Llewyn Davis » horriblement long et plat. « Avé César !« , film mineur dans leur filmographie, avait le mérite de les dérider un peu.

A 63 et 61 ans, Joel et Ethan reviennent donc en cédant aux sirènes de Netflix.

Au début le projet « La ballade de Buster Scruggs » était censé se déroulé en mini série de six épisodes. Puis la surprise fut grande de voir les plus célèbres frangins du cinéma être sélectionnés à Venise 2018 pour un film ! En effet non seulement Netflix accepta de compiler leurs épisodes dans un film à sketchs mais en plus de le sortir au cinéma dans les pays où la chronologie des médias ne pose pas de difficultés, ce qui relance l’impact du mastodonte du streaming sur l’industrie.

Et en plus ils sont repartis avec le prix du scénario !

Tim Blake Nelson, James Franco, Liam Neeson, Tom Waits, Zoe Kazan se succèdent donc dans des histoires totalement indépendantes et se situant toutes dans l’ouest américain des westerns bien connus.

Et grande surprise, non seulement c’est très réussi mais en plus aucun des segments n’est en décalage qualitatif total, ce qui était souvent le cas des films à sketchs italiens auxquels les Coen veulent rendre hommage. Chaque histoire est emprunte d’une marque, tantôt un humour mordant comme on les connait tantôt la tragédie de destins assez terribles. Mais il y a toujours ce fil conducteur de la filmographie des frères Coen à savoir des losers magnifiques auxquels on s’attache forcément.

La grande qualité des récits est aussi rythmée par leur durée qu’on ne connait pas du tout, certaines histoires étant beaucoup plus courtes que d’autres et les Coen décidant de couper leur histoire au bon moment pour passer à la suivante et c’est grandement fluide. Le cynisme habituel est de retour et je retrouve enfin la vraie marque des Coen, celle qui leur avait fait défaut lors des derniers opus, à force d’étirer des concepts bons à l’origine sur des durées trop longues.

Le concept de « La ballade de Buster Scruggs » est de jouer sur la répétition avec dans chaque segment sauf les deux derniers, un va et vient qui va assurer au spectateur une surprise puisqu’on ne sait pas quand çà va couper et comment.

Bref cet hommage moqueur, nostalgique et tendre au western est à regarder, même pour ceux qui détestent le genre car ils en auront aussi pour leur compte.

 

N°29 – « First man » de Damien Chazelle

Après ses excellents « Whiplash » et « LalaLand« , le franco-américain Damien Chazelle revient avec un film totalement différent de par son style. Il s’intéresse à Neil Armstrong et à sa préparation qui lui permit de devenir le premier homme à marcher sur la lune le 21 juillet 1969.

La thématique du film aurait dû m’ennuyer profondément tant le thème a été traité de nombreuses fois en documentaires ou au cinéma. Pourtant, Chazelle réussit a raconter ce presque huit clos entre Armstrong et lui-même. On le suit pas à pas du décès de sa petite fille qu’il va intérioriser, durant huit ans d’essais, et accidents jusqu’à l’exploit.

Le film n’est pas hagiographique et montre un personnage qui se renferme à en devenir quasiment autiste vis à vis de son épouse et ses enfants. Ryan Gosling, en grand taiseux est parfait pour le rôle. La concentration sur son but et les épreuves vécues lui créeront des barrières et un isolement certain.

Là où le film est très fort, c’est qu’il entre dans un luxe de détails sur les boutons, la mécanique comme pour montrer l’extrême complexité du métier de ces ingénieurs sportifs tout comme la fragilité des avancées technologiques. Un tâtonnement et des malchances qui couteront de nombreuses vies, ce que la performance historique a souvent tendance à obstruer.

Surtout, Damien Chazelle réussit à faire émerger l’émotion par petites touches, de façon subtile et sans utiliser la truelle et c’est d’autant plus efficace bien évidemment. Et bien sûr, il fuit tout patriotisme naïf. Son côté français probablement…

La grande intelligence du film est de donner une dimension humaine et des failles à cette aventure incroyable tout en ne rendant pas le propos ennuyeux et technique. Cet hyperréalisme est vraiment au service de l’histoire et replace l’épopée dans son contexte, avec un réel suspens.

L’épique vient de cette confrontation entre l’intime et l’infiniment grand, avec simplicité, tout en laissant le spectaculaire s’imposer comme une évidence.

Un réussite indéniable.

 

N°28 – « Blindspotting » de Carlos Lopez Estrada

Le pitch : Encore trois jours pour que la liberté conditionnelle de Collin prenne fin. En attendant de retrouver une vie normale, il travaille comme déménageur avec Miles, son meilleur ami, dans un Oakland en pleine mutation. Mais lorsque Collin est témoin d’une terrible bavure policière, c’est un véritable électrochoc pour le jeune homme. Il n’aura alors plus d’autres choix que de se remettre en question pour prendre un nouveau départ. 

Je n’avais pas du tout prévu de voir ce film et c’est en tombant sur une énorme affiche au Mk2, remplie de citations critiques enthousiastes, que j’ai décidé de tenter le coup. Et ce fut une excellente initiative car « Blindspotting » mérite tout le bien qu’on en dit visiblement depuis Sundance.

Le film traite de ce que c’est qu’un ghetto et du déterminisme social qui veut que lorsqu’un black nait dans ce milieu aux Etats-Unis, sa chance de réussite est clairement plus faible que celle de se faire butter par un flic un peu trop sensible de la gâchette.

Là où le film est très très fort, c’est qu’il opte pour un ton déconnant, adoptant des effets de style entre clip et série pour ados pour mieux abandonner tout effet et livrer des scènes poignantes et flippantes de justesse. Les deux acteurs sont très attachants.

Ce rythme cool et cet humour de tout instant font mouche mais n’en enlèvent pas moins toute la force du propos. C’est un peu comme si la surprise permanente du réalisateur était le maitre-mot du film afin d’éviter les nombreux poncifs qui s’annonçaient à lui.

Les digressions sont nombreuses mais ont toute la même finalité, celle de dresser un tableau complexe des liens entre classe et entre race dans l’Amérique d’aujourd’hui.

 

N°27 – « Nos batailles » de Guillaume Senez

Romain Duris a beau agacer pas mal de spectateurs, pour moi, c’est un très bon acteur. Je me le dis souvent lorsque je sors d’un film où il joue. Et « Nos batailles » en est à nouveau une belle preuve puisqu’il y joue un père de famille sensible, déchiré entre son quotidien au boulot où il doit assurer et ses deux enfants qu’il doit gérer lorsque son épouse disparait du jour au lendemain.

Elle ne donne aucune explication, elle est juste partie, ne supportant plus la difficulté des fins de mois, le poids d’une famille, le poids d’un milieu social.

Guillaume Senez nous fait donc un film social mais dans un style non démonstratif et plus à hauteur d’homme qu’à hauteur de lutte, ce qui évite au film de sombrer dans le grandiloquent et permet au spectateur de rester proche de cet homme laissé à lui-même.

Le film reste drôle et souvent lumineux et c’est aussi ce qui rend le long métrage attachant et poignant, à travers des seconds rôles d’une grande justesse.

La violence du travail en usine, des rapports déshumanisés, se confronte à cette vie à 100 à l’heure, où cet homme abandonné doit gérer ses enfants et les faire attendre, leur donner ou pas des explications. Guillaume Senez est donc un excellent directeur d’acteurs car son film est une réussite notamment pour le naturel avec lequel tout ce petit monde s’entrecroise.

Le réalisateur ne tombe jamais dans la facilité d’effets de mise en scène, préférant compter sur un scénario solide, qui évite le pathos et s’éloigne de la lourdeur dès que l’on craint son apparition. Cette pudeur rend au film un charme très particulier.

 

N°26 – « Jusqu’à la Garde » de Xavier Legrand

Ce premier film de Xavier Legrand est une grande réussite car sur un thème assez banal de divorce et de dispute sur la garde des enfants, le metteur en scène arrive à traiter le sujet de façon immersive et angoissante.

Pour se faire il commence par une scène inaugurale des deux ex-époux qui ne se parlent que par avocat interposé, face à la juge. Chaque avocat donne sa version et le doute est installé chez le spectateur. L’un des deux ment mais lequel ? Est-ce cette femme qui veut couper ses enfants de leur père par égoïsme et vengeance ou est-ce ce père qui est violent et dangereux comme le décrit son ex femme ?

Denis Ménochet est parfait dans le rôle car il est imposant, on l’imagine brusque et capable de s’énerver vite mais on ne peut s’empêcher d’être ému lorsqu’il s’effondre en larmes ou tente de faire comprendre à son fils qu’il l’aime.

D’ailleurs mention spéciale au petit Thomas Gioria qui exprime avec finesse un mélange d’attitude rebelle du pré-adolescent avec une vraie peur.

Léa Durcker est tellement fermée et son regard en dit tellement long qu’on ne sait pas ce qui s’est passé.

Xavier Legrand va alors construire son film comme un thriller haletant, angoissant où tout peut arriver, même le pire du pire et on le sent à chaque instant. Il utilise les codes du film d’épouvante pour bien insuffler au long métrage l’horreur que vit cette famille.

Le film est bouleversant par moments et bascule dans l’oppression en simples spectateurs d’une famille sonnée, sous le choc et qui tente de reprendre vie.

Les violences conjugales ne sont pas des thèmes qu’on a forcément envie de voir au cinéma sauf qu’ici Xavier Legrand a compris comment sortir du quasi documentaire, comment tenir le spectateur en haleine et créer un suspens.

Cet exercice de style est d’une profonde maitrise, dépassant son sujet de société pour vous clouer au fauteuil dans un final que vous ne risquez pas d’oublier.

Un grand réalisateur est né.

 

N°25 – « Pentagon Papers » de Steven Spielberg

Steven Spielberg est l’un des grands maitres du septième art, connu et reconnu tant pour ses chefs d’œuvre de divertissement (Les dents de la mer, Indiana Jones, Jurassic Park,Catch me if you Can), ses films de SF ( ET, Rencontre du troisième type, Minority Report, La Guerre des mondes), que pour ses films historiques souvent engagés (Il faut sauver le soldat Ryan, Munich, La liste de Schindler, Lincoln, Le Pont des Espions).

Ici c’est dans cette dernière catégorie que Steven, 71 ans, nous revient avant de cartonner probablement de nouveau dans le gros film SF d’ici deux mois avec « Ready Player one« .

Et que de mieux que de donner un double rôle en or à deux acteurs multi oscarisés, son ami Tom Hanks, et l’immense Meryl Streep, 68 ans et toujours aussi impressionnante.

En s’intéressant à cette histoire antérieure de 3 ans à l’affaire beaucoup plus connue du Watergates, Spielberg décrit une enquête journalistique et un courage d’hommes et de femmes qui ont permis au quatrième pouvoir de s’affirmer via la Cour Suprême et de donner la possibilité au Watergate d’éclater.

Alors certes, on est tous derrière ces journalistes courageux, cette femme victime d’un sexisme bien ancré et il y a comment dire…des bons sentiments. Mais là où ceci devrait sonner comme une évidence, les récents évènements à Hollywood ou en Amérique avec un Trump qui bafoue et attaque la presse de façon quotidienne, et bien ceci fait du bien. En démocrate convaincu qu’il est depuis toujours, Spielberg a voulu faire un film militant en regardant dans le rétroviseur. La générosité de son regard associée à son talent de mise en scène et de conteur d’histoires font de ce « Pentagon papers » un film nécessaire. On y voit une éthique et un courage qu’il faut montrer puisque ce n’est pas tant une évidence que cela.

Cette femme propriétaire du Washington Post va braver ses contraintes et pressions sociales pour autoriser la publication d’articles sur des documents classés confidentiels mais remettant en cause l’éthique des politiques, y compris de ses propres amis. Et son rédacteur en chef joué par le toujours très bon Tom Hanks, va enchainer avec elle des discussions sur la complicité avec le pouvoir, le rôle du journalisme et chacun va reconnaitre ses erreurs. De là va naitre une nouvelle idée du journalisme, désireuse de se tenir à distance du copinage avec les politiques là où tout était mélangé dans les années 60.

Et puis c’est un film profondément féministe sur une femme qui s’affirme alors que depuis des années elle dirige le journal pour aider, pour remplacer son défunt mari. Les hommes continuent à lui conseiller très vivement ce qu’elle doit faire et même lui conseiller de passer la main car c’est une femme. Et peu à peu sa fierté va se révéler au contact de cette affaire.

Spielberg est malin car il associe cette émancipation du journalisme par rapport au politique à cet affranchissement du diktat des hommes sur le destin d’une femme. C’est bien évidemment jouissif ! On en ressort avec de beaux principes et toujours cette luminosité et cette foi sans faille qu’a Spielberg dans l’humain. Mais le réalisateur ne verse pas dans le manifeste facile et mélo et ne perd jamais de vue que son film doit être fluide. Il le présente donc en thriller au rythme redoutablement efficace.

« Pentagon Papers » est un grand film politique, haletant, engagé et qui vise juste.

 

N°24 – « Les Veuves » de Steve McQueen

Le réalisateurs des excellents « Hunger » et « Shame » avait connu la consécration du grand public avec  son film oscarisé « 12 years a slave« .

Il revient quatre ans après avec un film totalement différent de par le style puisqu’il s’agit d’un film de braquage féministe dont le premier rôle est tenu par une actrice noire, Viola Davis. Et le moins qu’on puisse dire, c’est que son film tient la dragée haute au genre non seulement de par son rythme et son suspens que de par l’originalité du traitement.

Des veuves de quatre braqueurs qui se sont fait descendre par la police sont contraintes de terminer le travail de leur époux pour sauver leur vie.

Le pitch est simple, efficace et il ne faudrait pas s’arrêter à cela. Son film est certes un divertissement hyper bien huilé mais il y insère de la politique, une critique acerbe et désenchantée de la corruption mais surtout Steve McQueen casse les codes des archétypes du personnage de film de braquage. On est surpris sans cesse par chaque personnage dont le caractère est rarement celui qu’on pourrait anticiper. Colin Farrell en est l’exemple parfait. Son personnage est un fils à papa qui n’a jamais manqué de rien et profite du népotisme de son père joué par le grand Robert Duvall (87 ans !). Mais il est complexe dans ses questionnements, la vie et le destin qu’on lui a tracé.

Ainsi les personnages sont souvent bien écrits et ont un relief qui donne à l’ensemble du film une richesse plus forte que dans nombre de films du même style cinématographique.

Ce thriller protéiforme et féministe est porté par un casting excellent et s’avère l’un des très bons films de cette fin d’année à voir en salles.

 

N°23 – « Le Monde est à toi » de Romain Gavras

Le fils de Costa Gavras est en train de se faire un prénom et c’est tant mieux. Car c’est mérité même si le bonhomme se fait rare. Il aura fallu 8 ans pour qu’il retrouve Vincent Cassel après notre « Notre jour viendra« .

Et pour ce faire, Romain Gavras choisit de changer totalement de style. « Le Monde est toi » emprunte souvent à la comédie britannique façon Snatch ou aux frères Coen et c’est très surprenant pour une production française

On y suit François, dealer dont la mère est ultra castratrice et lui confisque ses économies. Jouée par une Isabelle Adjani au sommet, cette femme haute en couleurs et vampirique se trouve  être chef d’un gang de femmes pickpockets. Adjani est juste géniale dans son rôle et vaut à elle seule le détour pour ses répliques et le délire qui traverse son regard et sa dégaine hilarante.

Karim Leklou joue ce fils au rêve décalé par rapport à son quotidien barré mais pourtant ultra réaliste et pragmatique. Il veut devenir distributeur officiel de Mr Freeze au Maghreb !  Karim Leklou est parfait dans ce décalage de ton permanent, cette bonhommie apparente sous laquelle on sent évoluer une volonté farouche de s’en sortir. Ceci donne à la comédie un tour plus profond et ce n’est pas désagréable. Les petites frappes qui l’accompagnent de force dans son épopée sont très drôles par leur bêtise.

Quant à son homme de main, Henri, il est joué par un Vincent Cassel  qui a du s’éclater dans le phrasé de son personnage complètement à côté de la plaque. Là aussi, le sourire arrive de façon récurrente.

Et puis surtout, « Le Monde est à toi«   n’est pas qu’une série de gueules et de bon choix de casting, c’est aussi une mise en scène de très grande qualité et fluidité pour une comédie, genre où en France on retrouve souvent de la paresse et de l’image plutôt laide. Ici Romain Gavras use de tous les artifices du film de genre façon casse et met l’accent sur une bande-son entre vintage populaire et électro ou rap du moment. Ceci donne du corps au rythme.

Le film peut cependant décevoir par le fait qu’il ne plonge pas toujours à fond dans le gros délire, alors qu’il en a toutes les clés. D’autres y verront un dérivé de meilleure qualité des productions Besson des années 90-2000. Ce côté faussement provoque du film est la limite de la réussite du film et c’est dommage.

Le contre-emploi des acteurs compense l’aspect faussement déjanté du scénario et livre au final un divertissement plutôt original dans le paysage français, que j’encouragerai d’un « petit » 4 lapins…

 

N°22 – « Cold War » de Pawel Pawlikowski

Pendant la guerre froide, entre la Pologne stalinienne et le Paris bohème des années 1950, un musicien épris de liberté et une jeune chanteuse passionnée vivent un amour impossible dans une époque impossible.

L’un des chocs du dernier festival de Cannes et prix de la mise en scène mérite vraiment son accueil excellent.

Pawel Pawlikowski use d’un superbe noir et blanc et d’un duo d’acteurs très incarné en la présence de la solaire Joanna Kulig et du ténébreux Tomasz Kot.

Le réalisateur choisit une grande simplicité une épure pour raconter cette superbe histoire d’amour fou impossible, où les amants ne peuvent ni vivre l’un sans l’autre ni l’un avec l’autre. A travers le années, il parcourt la guerre froide, l’instrumentalisation par la propagande d’artistes qui préfèrent la restriction de libertés au fait d’être séparés.

Le film est romantique dans sa définition la plus évidente et a le mérite d’être ramassé sur 1h27, ce qui donne à cette aventure sur 15 ans un rythme où il est impossible de s’ennuyer. On ne comprend pas au début pourquoi ces ellipses nous propulsent plusieurs années après, à faire des bonds de temporalité en temporalité, de pays en pays. Mais c’est pour mieux nos faire toucher du doigts cette force de la passion sur la durée.

La mélancolie et le plaisir se côtoient dans une même scène. Cette tragédie est un beau poème, à ne pas louper.

 

N°21 – « Les Garçons sauvages » de Bertrand Mandico

Curieux film que ce premier film où cinq adolescents de bonne famille commettent un crime et sont punis en devant suivre le Capitaine dans une croisière dont le but et de les transformer. Sauf qu’ils se mutinent et que l’île sauvage sur laquelle ils échouent n’est pas qu’une île.

Je préfère avertir tout de suite, « Les Garçons sauvages » devrait déplaire à bon nombre dès lors qu’il nécessite d’accepter de lâcher prise et d’entrer dans l’univers de Bertrand Mandico. Pour incarner ces jeunes hommes, il prend des actrices et on comprendra vite pourquoi. Son film est à la fois queer et fantasmagorique.

Il mêle poésie et sensualité autour de certaines scènes certes symboliques mais plutôt osées. Là où cet univers aurait pu tomber dans le ridicule, le film d’auteur aux imageries douteuses, au contraire le déroulé du film se suit étonnamment sans aucun ennui et même une curiosité. Car le film est lui-même un OVNI.

Les évènements surnaturels sont en technicolor et la créativité de l’ensemble de cette imagerie force le respect. On évolue dans un long rêve éveillé,  on est surpris par la technicité et les trouvailles pour étonner l’œil. On en ressort comme en se réveillant, un peu entre le perplexe des incohérences et la fascination pour ce que le cerveau est capable de mixer.

Le film est onirique et c’est souvent casse gueule de tenter ce style car le risque est de rejeter le public en rendant l’objet opaque. Au contraire, le punk assumé de la thématique, entre féminisme et discours LGBT en sous textes, est assez curieux. D’habitude, ce type de cinéma se veut revendicatif et porteur de messages. Là, il évolue vers des hallucinations tout en suivant un conte initiatique.

Cette liberté et cet érotisme pas banal font de ce film romanesque une des belles réussites du cinéma hexagonal en 2018.

 

N°20 – « Une affaire de famille » de Hirokazu Kore-eda

La Palme d’Or 2018 revient donc au japonnais Hirokazu Kore-eda qui comme à son habitude (Notre petite sœur, Tel père tel fils), nous parle de son thème de prédilection, la cellule familiale.

Au retour d’une nouvelle expédition de vol à l’étalage, Osamu et son fils recueillent dans la rue une petite fille qui semble livrée à elle-même. Très rapidement l’ensemble de la famille va adopter l’enfant et s’en prendre d’affection.

Kore-eda choisit la fable sociale avec ces affreux, sales et méchants japonais, pour nous raconter que la famille n’est pas forcément liée u sang mais qu’une famille choisie est bien plus forte. Il dépeint le portrait de roublards qui volent et arnaquent mais ont un cœur. Le couple central de la famille ne peut pas avoir d’enfants mais aime les enfants même si ce qu’il leur inculque est le vol et non les bonnes manières.

Le réalisateur choisit de filmer en quasi documentaire ces personnages hauts en couleur, souvent drôles et qui n’ont rien à perdre car la vie ne leur a rien donné.

Le film est solaire et très positif, axé sur le côté généreux des personnages, même des plus sombres comme cette grand-mère dont on se méfie et qui semble cacher de lourds secrets. Mais Kore-eda ne nous en montre que les aspects sympathiques, laissant le côté sombre s’expliquer en quelques scènes. Surtout, il rend attachant chacun d’entre eux et nous donne envie de croire en leur bonne fortune, en leur idéal de vie, hors des lois qu’un Etat peut tolérer.

Son film est simple et émouvant et touche juste. Il fait fi de la morale pour mieux décrire ce quotidien de bric et de broc d’une famille composée de toutes pièces qui accède au bonheur d’être ensemble.

Cette chronique sociopolitique a su toucher le jury du festival de Cannes et ne pourra pas vous laisser insensibles de part sa minutie et la justesse de son message.

 

N°19 – « Shéhérazade » de Jean-Bernard Marlin

Zachary a 17 ans et sort de prison. Sa mère ne veut pas de lui et on comprend vite qu’elle ne l’a pas éduqué du tout d’où le résultat. Il s’échappe de la résidence pour jeunes adultes où il est censé rester sous surveillance, et retrouve ses vieux potes dealers de Marseille. Il rencontre Shéhérazade, jeune prostituée dont il va devenir le protecteur puis le mac tout en tombant fou amoureux.

Ce premier film est une excellente surprise de part son thème et la justesse de ses acteurs. On y vit le quotidien violent et dangereux de ces adolescents qui s’expriment dans un français parfois approximatif ou parsemé d’argot et expressions de leur quartier. Et c’est con mais çà rend la chose carrément plus crédible. Le fait que les acteurs soient des non professionnels est l’une des clés de l’impact émotionnel du film. Car loin de tomber dans un voyeurisme, Jean-Bernard Marlin arrive à faire naitre devant nos yeux une histoire d’amour aussi touchante et désarmante qu’elle est spontanée et vive. 

C’est probablement parcequ’il trouve les mots et les situations pour insuffler du romantisme dans un milieu sordide et une histoire qui ne s’y prête pas du tout.

Le film est puissant car il allie naturalisme quasi documentaire et ficelles du thriller sans que l’on se rende compte du glissement. Cette mise en abimes sobre qui ne cherche pas la démonstration de mise en scène, permet au film d’être d’autant plus beau dans sa conclusion.

C’est assurément la surprise de cette rentrée de septembre à ne surtout pas louper.

 

N°18 – « L’île aux chiens » de Wes Anderson

Wes Anderson est l’un de mes réalisateurs chouchous pour son univers reconnaissable entre mille, empli de nostalgie pour l’enfance et d’un humour décalé entre l’absurde et le livre d’images pour enfants. Son « Fantastic Mr. Fox« , première incursion dans l’animation en stop motion (image par image) de marionnettes avait ravi critiques et fans tant son univers s’y trouvait transcrit de manière épique et drôle.

Avec « L’île aux chiens« , il retrouve une seconde fois cette technique pour rendre vivants des toutous que le vilain maire d’une grande ville japonaise a parqué sur une île à cause du virus qui les affecte. Son neveu décide lui d’aller récupérer son chien Spots. Son avion s’écrase sur l’île et il va tomber sur une bande de chiens, des mâle Alpha qui vont l’accompagner dans sa quête.

Ces explorateurs canins sont immédiatement empathiques avec leurs cas de conscience typiques du cinéma d’Anderson. Ce qui frappe, c’est cette histoire perchée, emplie de folie douce et très très loin du cynisme ambiant qui traverse souvent les comédies. Ici, l’histoire est tendre sans être mièvre, marrante sans être sombre. L’esthétisme du film est assez bluffant, regorgeant de trouvailles comme ce mélange de 2 D et de marionnettes selon que nous avons à faire à des retranscriptions télévisuelles ou à la vraie vie.

Le film a surtout un rythme assez soutenu qui empêche toute baisse de régime. Le propos est humaniste, écologique et étonnamment politique. La poésie qui se dégage de l’ensemble du long métrage est aussi touchante que celle qu’on pouvait ressentir dans « Moonrise Kingdom« .

La fantaisie et l’originalité se font reines à travers ces êtres inanimés auxquels Wes Anderson et ses équipes ont donné une incroyable dose d’humanité et de souffle canin.

La mélancolie d’Anderson frappe encore avec justesse et éblouit le long métrage qui s’avère un excellent opus de sa filmographie.

 

N°17 – « Guy » d’Alex Lutz

J’aime beaucoup Alex Lutz comme comique, plus pour ses spectacles que son personnage de Liliane qui l’a rendu célèbre. Mais comme une malédiction suit nombre de comiques qui quand ils veulent devenir cinéastes, se plantent et perdent toute inspiration. Ce fut le cas de sa première réalisation, « Le talent de mes amis« , sorti en 2015 dans la plus grande indifférence tant il était raté. Mais Lutz aime monter à cheval depuis quelques années et s’est remis en selle d’une façon des plus classes en trouvant un pitch excellent.

Gauthier, un jeune journaliste décide de proposer à Guy Jamet, un artiste de variété française à la gloire passée, de le filmer pour tourner un reportage sur lui. Il le fait car il a  appris de sa mère qu’il était son père, sans le savoir.

Pour interpréter Guy, Alex Lutz a eu droit à 5 heures de maquillage par jour et çà se voit. Incroyable résultat car on le reconnait bien évidemment mais il n’a pas l’air grimé, il est juste un vieil homme. Ensuite Alex Lutz donne à son personnage une densité tragique véritablement touchante.

Il est égoïste, coureur de jupons, il vit dans le passé de sa gloire mais pas uniquement. Guy est conscient de sa décrépitude qu’il accepte, il profite juste des derniers moments de gloire, des derniers concerts, de son cheval, de sa femme plus jeune que lui. On le voit se confier face caméra et là où l’exercice aurait pu tourner à un très mauvais sketch, on se prend à s’attacher au personnage, à ses fêlures, ses regrets jusqu’à le trouver sympathique. Il est assez seul au final, il a raté sa paternité avec son seul fils officiel et Alex Lutz arrive à nous émouvoir entre deux blagues, deux sourires.

En fait Lutz réussit brillamment son film car il ne cherche pas à en faire une comédie. Rassurez-vous, il est drôle à maintes reprises mais toujours teinté de bienveillance pour son personnage et de nostalgie pour une époque seventies où tous les excès étaient possibles. Il renvoie aussi à notre inconscient collectif, à ces stars mortes ou has been qui ont baigné notre enfance et s’éloignent peu à peu. Des figures tantôt rassurantes tantôt synonymes d’une culture populaire qu’il est de bon ton de snobber même si plusieurs générations ont dansé dessus.

Avec Guy, Alex Lutz réussit un très bel exercice d’équilibriste et prouve qu’il est un artiste complet, et un excellent acteur.

 

N°16 – « Un Couteau Dans le Coeur » de Yann Gonzalez

« Un Couteau Dans le Coeur » est typiquement le genre de film qui divise entre ceux qui détestent et ceux qui adorent. Je fais partie des seconds pour de multiples raisons bien que je comprenne tout à fait ceux qui ont trouvé le nouveau film de Yann Gonzalez proche du navet.

Car ce réalisateur très prometteur donne au cinéma français une respiration libertaire qui lui manquait depuis quelques temps, en forçant énormément le trait stylistiquement. Vanessa Paradis est particulièrement touchante dans le rôle de cette productrice de porno gay, dans les années 70, qui cherche à reconquérir la compagne qui vient de la quitter et dont les acteurs se font assassiner les uns après les autres. Nicolas Maury, qu’on a découvert dans la série 10%, apporte au film une touche décalée supplémentaire aux nombreux atouts du film. Il est la révélation du film et excelle dans chacune de ses scènes avec un mélange d’humour et d’autodérision qui font mouche.

Quant à Yann Gonzalez, il décide d’utiliser une bande-son mélancolique pour accompagner tant ses scènes de meurtre que les scènes de tournage de film de cul, mais choisit aussi de coller tellement à l’esthétique seventies et pop qu’il en devient caricatural. Et loin de me gêner, cette caricature créé une atmosphère, une bulle en dehors du temps qui renforce l’aspect mélancolique et libertaire de l’ensemble.

Ces individus n’ont rien à perdre et vivent en parias certes et au moment où un meurtrier les prend pour cible, une espèce de naïveté les maintient tels des animaux en pleine nuit surpris par les phares d’un véhicule. Ils restent incrédules face au destin et le film avance ainsi tel un rêve, baigné entre réalité, cauchemar et fantasmes. Des instants oniriques ou complétement perchés parsèment de temps en temps le film comme cette fin magnifique.

Le film mélange ainsi les genres, voire les sous-genres et la série B pour notre plus grand plaisir. Le mélo est attachant mais se transforme en comédie puis parfois en slasher, mais toujours en prenant des risques. Il marche sur un fil super casse gueule et çà fait plaisir de voir cette prise de risque et cet équilibre fragile fonctionner jusqu’au bout.

Le film dégage tant de la sensualité que des évocations poétiques sur un ton totalement décalé et donc rafraichissant. On voit rarement de l’audace dans la mise en scène dans les productions nationales du moment. Là il y en a une.

Alors oui, on peut trouver le film surfait, trop maniéré, trop clipé parfois ou on peut aussi se laisser porter par cette proposition de cinéma vraiment originale et gonflée, stylée. Un film étrange et lyrique à la fois extrêmement réussi.

 

N°15 – « Blackkklansman » de Spike Lee

C’est donc à 61 ans que Spike Lee, qui s’était un peu dilué dans des productions plus conventionnelles, revient en force et remporte le prestigieux Grand Prix du festival de Cannes 2018.

Il faut dire que pour ce retour détonnant, le réalisateur choisit de parler de nouveau de racisme mais use d’un ton humoristique et narquois d’une efficacité redoutable. Et ce qui est le plus réussi, c’est le décalage qu’il entretient en permanence entre le côté sarcastique et le fait que c’est l’adaptation d’une histoire vraie. On reste incrédule devant la crasse intellectuelle des membres du Klu Klux Klan que l’on entend et voit à l’écran. Il arrive à faire sourire de ces dangereux  fascistes pathétiques tant ils sont ridicules ou idiots puis à nous glacer le sang dans la foulée tant ils sont déterminés et sans aucune limite. A ce titre la fin du film joue à fond ce chaud froid et vous cloue au fauteuil.

« Blackkklansman » choisit donc la charge victorieuse contre Donald Trump et une partie de son électorat en revenant aux sources du mal. L’histoire se déroule donc au début des années 70, en pleine lutte pour les droits civiques. Ron Stallworth est noir et devient le premier officier noir américain du Colorado Springs Police Department. Il subit alors le racisme quotidien et ultra répandu de ses collègues blancs. Lui prend alors une idée saugrenue, il appelle le Ku Klux Klan et se fait passer pour un blanc. Sauf que sa façon ironique et caricaturale de déverser une haine sur les noirs marche tellement bien que le nazi à l’autre bout du fil n’y voit que du feu et lui propose d’intégrer le Klan. Ses supérieurs vont donc l’autoriser à les infiltrer via un collègue blanc qui jouera son personnage.

L’histoire du film est tellement absurde et les personnages infiltrés tellement hallucinants, que « Blackkklansman » ne peut que vous marquer par la justesse et la simplicité de son propos. Et Spike Lee a l’intelligence de le faire sans grande démonstration théorique. Son pamphlet politique use du rire et de invraisemblance de l’histoire pour dérouler sa mise en scène extrêmement fluide.

Mais il sait aussi rester dans sa thématique du thriller pour garder le suspens jusqu’au bout et ne jamais trop s’éloigner de l’horreur et de la bouillie conspirationniste qui flotte dans les cerveaux malades de ces  membres du KKK.

Le résultat est juste d’une efficacité imparable car il mêle action et réflexion tout au long du film. Il réussit à pondre un divertissement à partir d’une thématique qui ne s’y prête pas forcément et qui peut s’avérer pompeuse et casse gueule. Ce coup de poing militant fait du bien et c’est rassurant de voir Spike Lee revenir à ce niveau. Il nous manquait. La farce est féroce et pugnace, elle a un goût bien flippant sur la fin mais c’est de cette façon qu’on évite aux consciences de s’enkyloser. C’est l’un des rôles d’un cinéaste que de témoigner et s’en est un autre de divertir. C’est très fort de lier les deux. Et c’est d’autant plus fort de lier l’Amérique encore ségrégationniste des années 70 à une certaine Amérique fasciste de Trump.

 

Voilà pour la première partie du classement mais vous allez voir, la seconde partie réserve des surprises et vous ne serez probablement pas d’accord avec tout )

Mais l’année 2018 a été particulièrement riche en bons films, peut-être pas en chefs d’œuvres mais en excellentes réussites et en surprises.

En attendant la suite du classement, joyeux Noël !

 

 

Les pires films du Blanc Lapin 2018 !

L’année 2018 se termine et pour la 9ème année, je vais vous livrer le classement du meilleur des 106  films vus en 2018 par votre Blanc Lapin serviteur…

Mais avant le meilleur, voici le pire, ce que le Lapin soupe au lait a défouraillé façon sulfateuse…et parfois, çà fait du bien et forcément, c’est rarement tendre.

Alors que fallait-il ne surtout pas voir cette année ?

 

N°14 – « Les indestructibles 2″ de Brad Bird

 

J’avais beaucoup aimé « Les indestructibles » en 2004 du même Brad Bird pour l’excellence de l’animation mais surtout l’humour et les clins d’œils qui ont fait le succès de Pixar jusqu’à Toy Story 3.

Puis Pixar a perdu de sa superbe, se plantant sur plusieurs films, artistiquement parlant. Cars 2, Rebelle, Monstres Academy, Le Voyage d’Arlo, Le Monde de Dory, Cars 3…soit des suites peu inspirées soit des tentatives infructueuses de redonner au studio à la lampe ses lustres des années 90 et 2000. Seul Vice Versa et l’an dernier Coco,  nous on redonné un peu d’espoir chez cette firme qui sait si bien plaire aux grands et aux petits. La disneysation de Pixar était elle enfin stoppée ?

Et bien ce n’est pas cette suite des Indestructibles qui a de quoi nous rassurer !

Comment le dire simplement ? Je me suis royalement emmerdé !

Si le scénario a la bonne idée de reprendre là où on avait laissée notre famille de supers héros, la suite s’avère ronron, n’apportant rien de neuf. Son absence totale d’enjeux et d’effet de surprise, puisque l’on connait déjà cet univers, ne font qu’enterrer le résultat. Le personnage de la styliste revient et résume à elle-seule l’état des lieux. Là où 14 ans plus tôt elle faisait hurler de rire, elle déclenche ici au mieux un sourire, au pire un ennui poli.

Ayant déjà perdu 2 heures de ma vie pour ce film, vous m’excuserez d’abréger ma critique et ne pas rester aveuglé comme une bonne partie de la presse par un film paresseux dans son concept.

La piste aux Lapins :

 

N°13 – « Otages à Entebbe » de José Padihla

Rosamund Pike et Daniel Brühl jouent deux terroristes plus ou moins radicalisés pour une histoire vraie.

Le réalisateur brésilien de « Troupe d’Elite« , Jose Padilha, veut raconter l’histoire de pirates de l’air palestiniens et allemands ayant pris en otage un avion en 1976 pour le faire atterrir à l’aéroport d’Entebbe en Ouganda. Leur revendication était la libération de dizaines de prisonniers palestiniens.

Le thriller est écrit par Gregory Burke, scénarite de l’excellent « 71 » de Yann Demange. Et pourtant l’histoire est plutôt plate et d’autant plus en surplace que l’essentiel se passe dans une pièce d’un aéroport.

Certes on alterne entre les preneurs d’otages et leur victimes, Yitzhak Rabin, Premier ministre israélien et son ministre de la Défense Shimon Peres, mais la réalisation n’est pas tendue et on s’ennuie très vite. Surtout, le sentiment de déjà vu en mieux s’immisce. On pense à VOL 89 ou même à Munich.

Une vraie déception.

 

N°12 – Les Animaux fantastiques – Les crimes de Grindelwald

David Yates est certes un faiseur et un gentil monsieur qui sait faire de belles images avec des effets spéciaux et un énorme budget mais là franchement, il faut bien le dire, cet épisode est à chier ! Excusez pour la vulgarité mais c’est clairement ce qui a éclaté dans ma tête en sortant.

Bon c’est vrai que la série Harry Potter m’a toujours gonflée car avec le pognon qu’ils ont, et les très beaux effets spéciaux aussi, on se tape quand même des histoires avec des personnages super inintéressants. Un peu comme le Seigneur des Anneaux (oui je veux me faire haïr aujourd’hui). C’est l’héroic fantasy avec plein de jolies images, déversées dans les yeux des spectateurs pour les faire rêver. Mais bon les personnages sont unidimensionnels, ils n’ont pas de vraies aspérités et c’est super relou et pauvre scénaristiquement.

C’est un nivellement intellectuel par le bas qui me rend dingue. Mais bon cet épisode c’est le summum. On nous montre des scènes totalement inutiles pour que les petits nenfants voient des grosses bébêtes…ok…mais il n’y a pas d’histoire. Puis on nous déroule cette opposition entre Dumbledore et son ancien mec, Grindelwald mais chut on ne le montre pas parceque bon, c’est pour les enfants aussi. Et on ne comprend rien du tout. Qui est la sœur du fils de la cousine de bidule et en fait on s’en fout un peu au final. A tel point que la révélation de la fin sonne non comme une grosse claque mais une libération de 2h14 de grand n’importe quoi.

Non je suis content pour Johnny Depp parceque même si sa carrière est un naufrage depuis 20 ans, j’espère toujours qu’il retrouve de bons rôles car il reste un super acteur. Là son rôle est bien et il a un job bien payé pour encore quatre films après s’être fait virer de la franchise Pirates des Caraibes. Donc Johnny, tient le bon bout, quatre films à s’emmerder c’est long mais peut être qu’enfin tu auras l’idée, saugrenue certes, de jouer par ailleurs dans des projets moins nases que ceux de ton copain Tim Burton.

Bon, ceux qui aiment Harry Potter vont de toute façon y aller et trouver que je suis un gros con car on n’a pas le droit de ne pas être charmé par cet univers si féérique. On est forcément aigri. En fait j’ai aimé certains Harry Potter fort heureusement, sinon je serais vraiment stupide d’y retourner. C’est juste que c’est du cinéma qui gave son public en vendant de l’imaginaire alors qu’il y en a si peu. Je suis très sensible à cela car j’adore justement ce style de cinéma. Si je suis fan de Terry Gilliam c’est parceque lui a le respect de son public et lui demande un effort. Il n’explique pas tout, il demande de faire un effort d’imagination et nous guide pour cela. Et l’effet, quand il est réussi, est autrement plus ambitieux que cette orgie numérique qui manque cruellement de poésie.

La piste aux Lapins :

 

N°11 – « Climax » de Gaspard Noé

Gaspard Noé est un provocateur mais il est doué, très doué et surtout il cherche à faire des films différents et rien que pour cela il mérite le plus grand respect. J’ai adoré sa radicalité des débuts, détesté sa fausse construction provoc d’ »Irréversible » et plutôt bien aimé la suite.

Avec « Climax« , il s’intéresse à la danse et s’inspire d’un phénomène constaté à l’époque médiévale où des villageois perdaient la tête et devenaient fous jusqu’à danser d’épuisement. Là son histoire se situe de nos jours, à la fin de neufs mois de travail entre danseurs, qui fêtent la fin de leur tournée. Ils sont isolés à la campagne dans ce qui ressemble à un complexe. On apprend d’abord à les connaitre un par un via des bribes de discussions comme on peut en avoir en soirée arrosée. C’est parfois futile, çà parle de cul de façon crue et parfois de problèmes personnels mais çà reste en surface, forcément. Et là les participants constatent qu’ils ont été drogués et commencent à fondre les boulons.

Ce qui est particulièrement gonflant chez Noé c’est son aptitude à balancer de grandes phrases qui souvent font plus rire qu’autre chose… »Naître et mourir sont des expériences extraordinaires. Vivre est un plaisir fugitif. » Ouais, c’est juste prétentieux car ceci suppose que son film provoque ce genre de réflexions et ce n’est pas le cas.

Entendons nous, le film est super bien mis en scène, enchainant des plans séquences virtuoses. On entre dans le délire peu à peu et l’oppression devient de plus en plus forte jusqu’à donner super mal à la tête. Et au final je me suis dis « mais ai-je envie de voir cela ? de voir ce type d’expérience?« . Et la réponse est clairement non. En fait si le film avait pu transcender son sujet pour aboutir à des réflexions, vraiment construites sur la vie, j’aurais peu être adhéré.

Ici, j’ai eu le même sentiment que devant « Irréversible« , en moins provoc et donc sans le rejet. J’ai eu ce sentiment que ce n’est pas parcequ’on affirme des remarques sur la vie ou la mort, définitives de plus est, qu’elles ont la moindre signification par rapport au reste du film. Et là il n’y a pas de liant entre le fond qu’il essaie de se donner et la forme qui reste intéressante.

Le film est au final plutôt plat et prétentieux et dénué de contenu. C’est un cinéma qui se regarde le nombril et se complait dans sa claustrophobie en pensant que cet acte artistique lui permet de se dépasser. Mais la radicalité n’est pas un message à elle-seule, elle ne se suffit pas à elle-même. Seule, elle est stérile.

La piste aux Lapins :

 

N°10 – « Madame Hyde » de Serge Bozon Avec Isabelle Huppert, Romain Duris

Une timide professeur de physique est méprisée par ses élèves et ses collègues dans un lycée professionnel de banlieue. Un jour, elle est foudroyée et sent en elle une énergie nouvelle, mystérieuse et dangereuse…

Le film est une catastrophe qui met réellement mal à l’aise tant les acteurs jouent mal. Alors certes, Huppert fait du Huppert et son talent aurait pu bien s’insérer dans ce choix de raconter une histoire de manière aussi détachée. Mais le scénario est sans queue ni tête, le jeu outrancier de Duris et les dialogues nullissimes font de ce Madame Hyde un long moment d’ennui voir d’agacement profond. Car c’est le choix de mise en scène, poseur, particulièrement snob qui ajoute à l’échec global du long métrage. Une partie de la presse a adoré, tant mieux pour eux, moi je vous aurai averti, c’est très très chiant et faussement intello car il n’y a aucun message ou des portes ouvertes enfoncées et cachées derrière un côté arty fauché. Tout ce que je déteste.

N°9 – « Fahrenheit 451″ de Ramin Bahrani

Après l’excellent « 99 homes » en 2016, on pouvait se réjouir que Ramin Bahrani se voit confier une nouvelle adaptation du livre dystopique de Ray Bradbury, surtout avec HBO derrière.

Hélas cette nouvelle version souffre d’une comparaison avec le film de François Truffaut de 19866, qui sans être un chef d’œuvre inoubliable, arrivait à mieux capter l’essence du livre. Ici Bahrani a du mal à faire décoller son histoire car en la transposant dans une ère plus moderne ou internet existe, elle rend le récit paradoxalement daté.

Daté parceque des dystopies on en a vu à la pelle et que force est de constater que rayon finesse des protagonistes, il faudra repasser. Le personnage incarné par Michael B. Jordan a une évolution psychologique dépeinte à la truelle tandis que Michael Shannon fait du méchant ambivalent comme moi je suis super balaise en danse classique. Non, le jeu est apathique et l’histoire ne dépasse pas son pitch de base et ne rajoute évidemment rien au film de Truffaut. Alors certes, celles et ceux qui ne l’ont pas vu ne feront pas de comparatif mais rien ne leur interdit d’avoir un minimum de goût et de détecter quand c’est la soupe à la grimace question mise en scène.

Ramin Bahrani trouve un concept du moyen de sauver l’humanité du déclin culturel mais son idée est franchement nase et d’une poésie de super marché.

Bref, c’est raté et pas qu’à moitié.

La piste aux lapins :

 

N°8 – « Ready Player One » de Steven Spielberg

Voici le nouveau blockbuster de papy Spielberg, censé mettre tout le monde d’accord et foutre une grosse claque à tous les autres réals qui tentent de faire du neuf avec du vieux. La presse est unanime sur « Ready player One » et vous savez quoi ? Ben moi je suis bien moins enthousiaste…

Entendons nous, le film est malin dans ses débuts, nous montrant un monde où la réalité virtuelle est devenue le principal échappatoire et aussi un moyen de contrôler les masses en les faisant vivre dans un monde où aucune limite n’existe. Chacun peut se payer un avatar de soit en mieux ou sous la forme d’un personnage célèbre de la pop culture et vivre de nombreuses aventures. Sauf que le créateur de ce monde est mort depuis cinq ans et propose une gigantesque chasse aux trésors pour retrouver trois clés et hériter de toute sa fortune.

« Ready player one » impressionne par la fluidité avec laquelle il passe du monde réel au monde virtuel. La performance capture est assez bluffante également, notamment dans les regards des personnages ou les cheveux, à tel point qu’on arrive bien à les suivre.

Le seul problème est que le film est une orgie visuelle qui donne franchement super mal à la tête, comme si vous aviez joué durant des heures devant votre console.

La scène de bataille finale ne procure aucune satisfaction car on a l’impression de l’avoir vue mille fois. Et le fait que Spielberg invite de très nombreux personnages de la pop culture, on s’en fout un peu car on n’a pas le temps de les voir tellement ceci bouge vite. Quelques scènes sont très réussies comme le dance floor en apesanteur ou l’immersion dans l’univers de Shining. Le fait de reconnaitre les clins d’œil de Spielberg à cette culture des années 80 et 90 est aussi amusant et accompagne la quête des clés et l’aspect jeu du film.

Mais voilà, à part cela, il y a surtout des personnages unidimensionnels qui vont jouer dans un monde fantasmé à travers des avatars en 3D. La psychologie des personnages est affligeante de simplicité, le méchant est caricatural au possible, la fin est attendue à mille lieues et les scènes de séquence émotion sont à gerber tellement ceci suinte de partout la bonne conscience et les bons sentiments. La morale du film est ultra attendue.

Bref, ce « Ready player one » est certes un roller coaster sympathique, qui fait preuve d’une débauche d’effets spéciaux impressionnants mais bon…l’histoire n’est vraiment pas terrible et putain ce que j’ai eu mal au crâne en sortant !!!!!

La piste aux Lapins :

 

N°7 – « Last Flag Flying » de Richard Linklater

 

Le réalisateur de l’excellent « Boyhood » et de la trilogie Before sunrise, Before sunset, Before Midnight, livre ici un film sur trois anciens marines, qui vont se retrouver 30 ans après avoir terminé la guerre du Vietnam.

Bryan Cranston, Laurence Fishburne, Steve Carell sont évidemment l’intérêt primordial de film un peu long mais qui ne manque pas d’intérêt.

Linklater interroge le regard d’ancien militaires sur le sentiment d’appartenance à un corps et la manipulation qu’ils ont subi lorsqu’on leur a fait croire qu’ils défendaient l’intégrité de l’Amérique. Pour se faire, il les réunit lorsque l’un d’entre eux perd son fils, marine lui-aussi, en Irak, en 2003. Ce dernier cherche alors à retrouver ses deux plus proches amis de l’époque, qu’il a perdu de vue, pour l’aider à enterrer son fils. S’en suivent des discours et réflexions sur le temps qui passe, ou sur l’ineptie de la guerre.

Le film n’est pas toujours super fin, l’humour en général pas drôle mais les personnages sont touchants dans leur rapport au passé, leur solitude et la façon dont ils vont tenter de redresser l’un des leurs. Ce road movie effleure hélas pas mal les sujets mais aborde l’hypocrisie politique et militaire et la stupidité d’un patriotisme aveugle.

Le problème est que sa fin est incohérente avec le propos général du film. Pas désagréable à regarder mais il ne marquera pas.

La piste aux lapins :

N°6 – « Downsizing » d’Alexander Payne

Je ne suis pas très fan du surestimé Alexander Payne, à qui l’on doit Monsieur Schmidt, Sideways, The Descendants ou Nebraska.

Son cinéma est certes intéressant mais souvent il ne creuse pas suffisamment ses sujets voire tombe dans la caricature comme avec sa vision de l’Amérique paumée et déclassée dans Nebraska. C’est une peu le réalisateur indépendant qui nous pond des bons concepts régulièrement tels des produits destinés aux festivals et aux cinéphiles bobos mais qui n’a en général pas grand chose d’intéressant à raconter.

« Downsizing » est en ce sens un film somme pour lui puisque son idée de départ loufoque n’est pas si bête. Une découverte permet de miniaturiser les humains et ainsi d’économiser déchets et consommation de ces derniers, ce qui pourrait sauver à terme la planète.

Très vite le personnage de Matt Damon, relativement fade comme souvent, s’aperçoit que ceci a des conséquences sur l’économie capitaliste, les marchés s’effondrant mais décide de passer le cap pour multiplier son niveau de vie. Sauf que le bon vieux système marchand et la présence d’extrême pauvreté chez les mini humains va se décalquer de la même façon que chez les grands.

Le message aurait pu être intéressant si il avait été traité avec finesse et surtout si le réalisateur ne s’était pas endormi sur une histoire d’amour totalement incrédible qui plombe considérablement le film, y apporte tout un lot de clichés de bien-pensance et donne furieusement envie d’écraser ces minis individus pour abréger le long métrage, qui lui pour le coup n’a pas franchement suffisamment réduit sa taille.

La piste aux lapins :

 

N°5 – « Illang : La Brigade des loups » de Jee-Woon Kim

En 2029, une unité spéciale de la police sud-coréenne, surnommée Illang, fait face à un groupe de terroristes qui menace de détruire des années de travail pour rapprocher les deux Corées.

On pouvait légitimement espérer un grand film de l’adaptation de Jin-Roh, la brigade des loups, manga culte réalisé par Hiroyuki Okiura en 1999.

D’autant que Kim-Jee Woon, l’un des grands réalisateurs suds-coréens est derrière. On lui doit J’ai rencontré le diable, Deux soeurs, A Bittersweet Life ou en 2017 l’excellent The Age of Shadows.

Hélas on comprend vite pourquoi le film a été un fout en Corée en juillet lorsqu’il est sorti et pourquoi la production a préféré vendre les droits à Netflix plutôt que de dépenser davantage en sortie ciné.

Le film se limite souvent à des scènes de baston, violentes certes, avec un antagoniste bien fasho certes, mais voilà…cette violence qui pouvait choquer en 2019 n’a rien d’originale aujourd’hui.

Le film est daté et se plombe carrément avec son histoire d’amour absurde et pas du tout crédible. Les personnages sont inconsistants et archétypaux et la mise en scène de Kim Jee Woon n’arrive pas à sauver du naufrage cette triste aventure, terriblement longue et ennuyeuse.

Pourtant le réalisateur a brillé sur ces autres films tournés aussi vers l’action avec des scénari malins, des personnages bien écrits, attachants. Là c’est raté et ceci rappelle que réussir un film de Sf est un exercice hautement périlleux, même pour les plus grands metteurs en scène.

La piste aux Lapins :

 

N°4 – « Mute » de Duncan Jones

Duncan Jones avait fait sensation avec son premier film, Moon, en 2009. Son second, Source Code était réussi puis il s’est vautré avec l’adaptation du jeu Warcraft, très impersonnelle. Il était censé de revenir au top avec ce projet de SF inspiré de Blade Runner pour l’univers, et qu’il avait en tête depuis plus de dix ans.

Netflix est venu en sauveur pour financer ce film dont le personnage est un barman muet cherchant à retrouver sa copine disparue.

Et quelle terrible déception pour ce film très attendu.

Mais qu’est-il arrivé à Duncan Jones ? La perte de son papa, David Bowie, l’a t’elle chamboulé au point de perdre toute son inspiration?

Franchement on a du mal à croire que c’est le même réalisateur voire que c’est un projet muri depuis des lustres.

Entendons-nous, Alexander Skarsgård, Paul Rudd et Justin Theroux font le job et jouent plutôt bien. Mais le film n’est porteur d’aucun message, il n’a strictement rien à raconter d’intéressant. Il ne lorgne même pas vers des sujets rebattus de la science-fiction puisqu’en fait, à part voir ce type enquêter dans un Berlin aux effets spéciaux atroces, il ne se passe rien, on comprend difficilement qui sont les personnages et pourquoi ils agissent et surtout, on s’en fout complètement

Il n’y a pas de suspens, pas de thématique qui transcenderait le sujet comme la SF se veut et se doit d’interroger notre morale et notre regard sur aujourd’hui.

Un ratage total et une énorme claque dans le mauvais sens.

La piste aux Lapins :

 

N°3 – « Black Panther » de Ryan Coogler

Je n’aime pas les films Marvel de manière générale, leurs héros sont trop lisses, leurs histoires trop décousues et les supers pouvoirs trop délirants. Bref, je préfère le sombre de DC Comics et encore pas en ce moment vu le niveau plus que mauvais des Batman V Superman et autres Justice League pour ne pas parler de l’affligeant Wonder Woman.

Et puis bon les supers-héros, on en bouffe tellement depuis que Disney a racheté Marvel 4 milliards de $ et que la firme veut rentabiliser à mort, que ceci devient de l’overdose.

Alors pourquoi aller voir « Black Panther » si c’est pour couiner derrière ? Hein? Pourquoi ?

Et bien parceque j’étais curieux de voir ce que Disney – Marvel avait foutu de son projet clairement orienté vers un public se déplaçant moins dans les salles de cinémas et peu représenté sur grand écran au regard du poids de la population noire aux Etats-Unis…ou tout du moins dans des rôles secondaires.

Le résultat est regardable. Disons que le film ne lésine pas sur les moyens. Michael B. Jordan est un bon antagoniste, ce qui est plutôt rare chez Marvel et le casting est à 95% noir, ce qui fait en effet du bien.

Après les ressorts sont sans surprises et attendus, les images de synthèses pas toujours crédibles voir involontairement comiques, pour au final la livraison d’un film super-héroique consensuel. Les blacks ont donc désormais droit eux aussi à leur produit Marvel de masse sans beaucoup de saveur, est-ce ceci l’égalitarisme ? Pas franchement certain.

 

N°2 – Newness de Drake Doremus

L’histoire d’un couple dans un Los Angeles contemporain, en prise avec la culture des rencontres en ligne et les réseaux sociaux.

Laia Costa est très belle mais elle est juste insupportable du début à la fin de ce film qui se veut « générationnel » en parlant donc de l’impact des réseaux sociaux et surtout des sites de rencontre. J’adore Nicholas Hoult mais là franchement, il s’est planté de cheval. Drake Doremus avait déjà signé avec lui un film de SF carricatural, « Equals« . Doremus est visiblement très inspiré par les films concepts. Sauf qu’il n’est pas David Lynch et que son talent reste clairement à démontrer.

Son Newness est super agaçant, il rend limite agressif tellement ses personnages sont idiots. Ils pronent l’amour libre mais sont amoureux et dans la passion…et après ils couinent parcequ’ils sont tous malheureux. En fait le problème c’est qu’il est impossible de comprendre le message ou la morale du film, ou alors elle complètement con. Surtout, le réalisateur-scénariste a t-il connu un jour la passion ? Parceque bon ce n’est pas crédible deux secondes.

Le personnage féminin est anthipatique à souhait et le masculin idiot à souhait. C’est quand même rare que le film soit râté au point que le spectacteur préférerait que les personnages ne se retrouvent surtout pas, que celle qui est complètement à baffer se prenne un bus façon comédies des frères Farrelly…bref, c’était vraiment à chier mais çà permet de mettre un niveau par rapport à un vrai film en fait.

Espérons que Newness fasse partie de l’époque « fauchée » de Netflix où ils produisaient ou rachetaient les fonds de tiroirs…

 

 

Et le film qui m’a le plus gonflé cette année est ….

tataaaaaaa!!!!

 

N°1 – « 9 Doigts »de F.J. Ossang

J’ai loupé le film à sa sortie en mars 2018…et je tenais à le voir tant une partie de la presse était dithyrambique.

Et bien je n’ai pas été déçu. « 9 Doigts » est le film d’un cinéaste réputé pour être poétique dans son approche et adepte d’une certaine forme d’expérimentation. C’est vrai que les personnages déclament des phrases sorties du nulle part à la manière de poèmes sauf que c’est horriblement chiant. Le plus fort est que le film est ennuyeux dès les dix premières minutes. Le noir et blanc et certains effets d’optiques ne suffisent pas à combler le vide scénaristique abyssal. On ne comprend ni le sens du récit ni pourquoi on se retrouve dans une telle galère avec plusieurs acteurs qui jouent particulièrement mal.

Alors c’est peut être Arty et trop complexe pour que je touche du doigt la beauté du film mais moi je pense surtout que c’est typiquement le genre de fil caricatural mis en exergue par une partie de la critique qui se masturbe intellectuellement sur un Ovni mal ficelé.

C’est par ce type de film que le public fuit le cinéma d’auteur c’est à dire quand on se fout de sa gueule non pas avec « 9 doigts » mais bien un seul aussi ostensiblement dressé dans sa direction.

Le film est poseur et volontairement incompréhensible de bout en bout et s’avère prétentieux, long, condescendant. Un calvaire !

La piste aux Lapins :

 

 

Voilà, c’était le bilan énervé de l’année 2018…le Lapin va se radoucir pour les meilleurs films de l’année…très très vite…

 

 

 

 

 

Les meilleurs films 2017 du Blanc Lapin Partie 2 : N°10 à N°1

Et voici la fin du classement annuel du Blanc lapin avec les 10 meilleurs films sortis cette année selon moi, parmi les 70 vus.

 

N°10 – « Logan » de James Mangold

Wolverine revient pour sa troisième et dernière aventure solo et pour la dernière fois que Hugh Jackman interprète le rôle.

Et l’acteur a du être ravi de voir le résultat et de pouvoir partir sous les honneurs critiques et un succès au box-office déjà très important et mérité. Car oui, tous les fans attendaient de voir un Wolverine vraiment violent, sombre et une histoire qui ne soit pas sans saveur comme l’a été le premier film, nullissime. Le second, déjà réalisé par James Mangold, avait les défauts de son scénario que Mangold n’a pas pu entièrement remanier, il se regardait mais bon, le niveau était très en dessous de la plupart des films X-men.

Et bien là, « Logan » est non seulement un adieu en grande pompes mais c’est l’un des meilleurs films X-men. Les scénaristes ont choisi un monde où tous les mutants ont disparu sauf le professeur Xavier perdant la tête et géré par un vieux Logan et Caliban. Et dans ce monde entre Mad Max et un bon vieux western, il n’y a pas franchement d’espoir, juste celui de survivre, d’autant que Logan perd ses pouvoirs, moins efficaces et souffre. Ses griffes repoussent poins vite, ses blessures sont douloureuses et se referment moins, il est malade et se sait sur le chemin de la fin.

Et là débarque une fille qu’il n’a pas choisie, une gamine trafiquée par les mêmes salopards qui ont transformé son corps. Elle a besoin de lui et il va comprendre avec Xavier qu’ils forment une famille. Mais rassurez vous, ce n’est ni gnangnan ni cliché. Le réalisateur évite les blablas inutiles, la fillette étant muette la plupart du temps.

Le long métrage est R-rated donc ultra violent par moment puisque çà découpe, on voit du sang, des membres découpés et putain, çà fait du bien ! Enfin un film de supers héros adulte avec l’un des héros le plus badass et violents qui existe. Et c’est très très réussi.

Le scénario est simple, c’est une course poursuite, mais un certain Mad Max Fury Road a montré qu’aussi con que çà puisse paraitre sur le papier, le résultat peut faire preuve d’une haute tenue.

La grande force du film est qu’il est très sombre, crépusculaire et  humain voire émouvant aussi. L’humour à la con des films de supers-héros est absent et c’est tant mieux !

Le film est mélancolique, sans issue, radical et tout simplement le film Wolverine qu’il nous fallait !

 

N°9 – Star Wars – Les Derniers Jedi de Ryan Johnson

L’épisode VII de la célèbre série de SF avait plutôt agréablement surpris le public car le niveau était plutôt bon et le fait de retrouver Chewbaca, Han Solo et Leia tout en introduisant une nouvelle génération avait été effectué avec soin, tout en respectant des effets spéciaux old school, loin de la débâcle de la prélogie du début des années 2000.

Mais « Star Wars, le réveil de la force » prenait quelques raccourcis, quelques facilités et une étrange similitude d’avancée du scénario avec le tout premier film, Un nouvel Espoir. Ceci faisait dire à une partie des fans que les studios Disney ne prenaient aucun risque.

Fort heureusement, ce deuxième épisode de la troisième trilogie ne décalque pas du tout « L’empire contre attaque« , soit le meilleur de tous les films.

Au contraire, il joue la surprise. Là où on pouvait s’attendre à un entrainement ennuyeux de Rey par Luke façon Yoda, il n’en n’est rien. Le film fait place à un bestiaire très réussi, comme d’habitude certes, mais les images des chiens de cristal vous resteront.

Les personnages nouveaux ont enfin de la place et son travaillés tout en laissant un rôle de premier choix à Luke (Mark Hamill) et Leia (Carrie Fisher), qui ne jouent pas du tout les simples faire valoir. Deux scènes avec la regrettée Carrie Fisher sont d’ailleurs particulièrement épouvantes.

Mark Hamill est excellent dans son rôle de dernier Jedi et certaines de ses scènes marqueront la saga. Il a juste la méga classe.

Enfin Adam Driver trouve un rôle ambigu à souhait alors qu’il était relativement fade dans l’opus précèdent. Or un méchant humain et plein de fêlures, c’est indispensable pour que ce type de film fonctionne.

Ryan Johnson assure non seulement le show mais il casse le rythme à deux reprises par des surprises de scénari inattendues et très très bienvenues.

« Star Wars – Les Derniers Jedi » est donc un très bon divertissement, digne de la 1ère trilogie. Il trouve son chemin en rendant hommage à la légende de Star Wars, à ce que le film a provoqué dans l’histoire du cinéma comme ce que Luke représente dans cet univers de space opéra. C »est malin et c’est très réussi.

 

N°8 – « The Lost City of Z » de James Gray

Voici enfin « The Lost City of Z« , une arlésienne de cinéma qui traine depuis de nombreuses années, le grand James Gray (de « Little Odessa » à « Two Lovers« ) tentant depuis une dizaine d’années de monter le projet. Brad Pitt était de la première mouture et l’a lâché à un mois du tournage avant de le produire, pour se faire pardonner.

Et le film est excellent et figure parmi les meilleurs opus du réalisateur new-yorkais, loin de ses univers habituels et citadins.

Voici l’histoire vraie de Percy Fawcett, colonel britannique qui est envoyé en 1906 par la Société géographique royale d’Angleterre, pour cartographier l’Amazonie afin d’éviter un conflit entre le Brésil et la Bolivie. Il est sur le point d’être père et va demander un sacrifice à sa femme qu’il aime plus que tout, pour pouvoir effacer le passé trouble de son père et reprendre une place dans la société londonienne.

Au cours de son premier périple, il découvre alors la légende d’une cité d’une civilisation perdue, ornée d’or, qui se trouverait dans cette immense océan de verdure.

Je rappelle qu’à cette époque, le Machu Pichu n’était pas encore découvert puisqu’il le fut en 1911 par des américains.

Va alors naitre dans son esprit une obsession, un idéal de vie et un but obsessionnel, trouver cette cité perdue de Z et ses mille trésors. Et il va y retourner, deux fois supplémentaires.

Le film est d’un très grand classicisme dans sa mise en scène mais d’une maitrise formelle et d’une beauté irréprochable. Charlie Hunnam, qu’on a vu dans Crimson Peak, Pacific Rim, ou les séries Queer as folk et Sons of Anarchy, trouve son premier grand rôle à 36 ans. On le verra bientôt en roi Arthur chez Guy Ritchie mais là il prouve qu’il joue très bien et qu’il n’est pas qu’une belle gueule. Accompagné d’un Robert Pattinson métamorphosé, l’équipée va nous rappeler les meilleurs films de jungle dont le Aguirre la colère de Dieu de Werner Herzog.

James Gray arrive à confronter par les allers-retours à Londres et les flashs backs la beauté de ce rêve au conformisme dont le personnage tente de s’échapper. Il aime sa femme et ses enfants mais c’est un pur aventurier qui a besoin de piment et qui a trouvé le Graal idéal car crédible ! Cette quête est magnifiée par la photo de Darius Khondji.

Dans « The lost city of Z » on parle d’idéal, d’honneur, de fidélité, de comment gérer la transmission à son enfant et James Gray le filme avec une très grande classe.

Le film avance, calmement, majestueux, comme le fleuve Amazone dans lequel s’engouffrent les personnages.

Il est rare en ce moment de voir des Odyssées au sens noble du terme, de partager cette soif d’absolu. Le fait que Gray ait tourné réellement en Amazonie ajoute évidemment au sentiment de danger et de fascination pour cette nature et pour les civilisations qui s’y sont adaptées.

Le souffle épique du film vire à l’obsession du personnage qui côtoie la folie et interroge l’homme sur le sens qu’il peut donner à sa vie quand il trouve un objectif plus grand que tout ce qu’il a pu imaginer.

The lost city of Z » est le grand film que j’attendais depuis son annonce et je ne peux que vous inciter à plonger avec ce personnage dans cette quête fascinante et d’une grande élégance.

 

N°7 – « Dunkerque » de Christopher Nolan

Christopher Nolan est donc de retour avec un projet surprenant. Tout d’abord il s’éloigne des thématiques souvent SF de la plupart de ses longs métrages (de la trilogie The Dark Knight à Interstellar en passant par Inception ou Le prestige). Il s’encre pour la première fois au réel car même son Memento était confiné dans un espèce de jour sans fin pour amnésique. Mieux, il s’attaque à un genre, le film de guerre. Et pour le coup, c’est un genre souvent lourdaud car emprunt soit de patriotisme soit d’éloges héroïques dont les couleurs se délavent parfois avec le temps.

Et le premier constat évident en sortant de Dunkerque est que l’on reconnait une mise en scène d’exception venant d’un maitre par rapport au reste des sorties cinéma.

Le film est une démonstration du talent de metteur en scène de Christopher Nolan, ce dernier choisissant un angle très malin pour lier les différents groupes d’individus qu’il suit. Avec une économie de mots, l’utilisation de l’espace temps permet au film de monter en puissance et de maintenir une tension tout du long qui est accentuée lorsque l’on comprend le parti pris qu’a choisi Nolan.

Dunkerque parle certes de patriotisme mais pas pour le montrer en étendard. Il fait comprendre comment à un moment de défaite cuisante pour les alliés et sans jamais montrer Churchill ni aucun homme de pouvoir, comment le peuple britannique s’est uni et redressé d’un coup, préférant tirer parti d’une débâcle atténuée pour inciter chacun à s’investir pour son pays et pour les hommes qui le défendaient. D’un épisode peu connu de la seconde guerre mondiale, Christopher Nolan tire un film mémorable où l’on vit la peur, l’abnégation de ces militaire coincés sur des plages avec des allemands se rapprochant d’eux et coulant les bateaux tentant de fuir. On vit ainsi une sorte d’enfermement à l’air libre, prisonniers d’un cul de sac naturel implacable.

Et au final Nolan retrouve une thématique qui traverse toute sa filmographie, celle de l’enferment intérieur, auquel se fait écho cet enfermement absurde et implacable.

Il signe aussi des scènes mémorables comme celle introductive de Il faut sauver le Soldat Ryan, sauf que c’est durant tout le film.

Les mots laissent la place à des corps qui tentent de survivre par tout moyen, et l’on se trouve fasciné par cette approche par la mer le ciel et le sable sur des temporalités différentes. En unifiant ces temporalités dans son final, Christopher Nolan donne une réalité très humaine à un récit qui aurait pu rester relativement froid et désincarné.

Là où il a été souvent reproché à Nolan son perfectionnisme laissant peu de place aux émotions, son travail millimétré laisse au contraire ces dernières s’exprimer, l’intellectualisation par de grandes phrases étant quasiment bannie du film.

Au final si Dunkerque est magistral, c’est peut-être parceque Nolan ne l’a pas tourné avec les codes du film de guerre mais celui du survival, aux prises avec les forces de la nature et celles du destin. Nolan s’intéresse aux limites de la résilience et à l’impact du temps sur cette dernière. La maitrise du temps est impossible sauf à travers un film. Et là Christopher Nolan choisit de raconter l’immédiat plutôt que de se plonger dans le passé comme il avait l’habitude de le faire. C’est un moyen de mettre les évènements sous tension. C’est en déconstruisant la linéarité de chaque destin de personnage qu’il créé du volume, de la matière palpable à cette histoire incroyable, donnant une densité au temps qu’il n’aurait jamais obtenue par un récit chronologique simple.

Il ne perd à aucun moment le sens du suspens et préfère ne pas donner de visage à l’ennemi car ce dernier est à la fois le temps, les allemands, la mer et c’est ce qui fait que certaines scènes relèvent plus du rêve /cauchemar de survie que de la réalité… mais en matière de rêve et d’illusions, Nolan est passé maitre, d’Inception au Prestige…et on espère qu’il conservera ce niveau et poursuivra sa livraison de grands films à un tempo tout aussi rigoureux.

 

N°6 – « Baby Driver » d’Edgar Wright

Edgar Wright est ce genre de réalisateur avec un public de fans qui a toujours un peu de mal à passer la vitesse supérieure…et pour le coup, il signe son meilleur long métrage avec ce « Baby driver » qui sent grave le film culte en puissance !

« Le dernier pub avant la fin du monde » était barré mais conventionnel dans sa rupture de ton, « Scott Pilgrim » avait une bonne dose d’humour et d’action mais s’enlisait dans le film pour ados faussement rebelle, « Hot Fuzz » et « Shaun of the dead » étaient des parodies drôles mais là aussi trop référencées.

Ce qui rend incroyablement fun ce Baby driver, c’est que son concept n’est jamais écrasé par un déséquilibre entre les personnages, une baisse de régime ou une faute de goût improbable. Tout est huilé à un rythme qui force le respect, avec le même humour et la même cool attitude que d’habitude chez Wright mais une maturité inédite. Le film d’autant plus référencé que son héro fonctionne à la musique et donc à une bande son qui guide chacun des casses auxquels il participe. Et pourtant çà fonctionne à merveille grâce au talent de mise en scène d’Edgar Wright  mais aussi à ses acteurs, dont un  Kevin Spacey aussi énigmatique que menaçant et un Ansel Elgort qui arrive à devenir attachant là où il aurait pu être une putain de tête à claque, ce qui aurait saccagé l’histoire. Et son rôle étant aussi casse gueule qu’un autre Baby, à savoir celui de Johnny Depp dans Cry Baby, c’est assez balaise.

Le film est un excellent divertissement Rock’n Roll dont la coolitude obsessionnelle du réalisateur fait un bien fou. L’action est menée avec soin, les courses poursuites, genre de scène qui m’a toujours gavé, sont rondement menées.

Le film est élégant, virtuose dans son montage et deviendra probablement un classique. Courrez y !

 

N°5 – « Okja » de Bong Joon-Ho

Bong Joon-Ho est l’un des meilleurs réalisateurs au monde, de « Memories of murder » à « Snowpiercer« , en passant par « The Host » ou l’excellent « Mother« .

La polémique cannoise autour de son nouveau film exclusivement produit par Netflix et ne sortant pas au cinéma mais sur la plateforme mastodonte, m’a un peu gonflé. Non que les détracteurs aient tord ou raison mais au bout d’un moment on parle de cinéma avant tout et « Okja » est une œuvre de cinéma très réussie.

Le problème est ailleurs, notamment dans le fait que Netflix ne finance pas avec son modèle le système français très particulier qui en fait notre exception culturelle ou ne paie pas ou très peu d’impôts en France. Mais ceci est davantage du domaine des choix et du courage politique de nos gouvernants que du débat entre sortie ciné ou pas sortie ciné.

Si nous revenons donc au nouveau film du maitre sud-coréen, le constat est qu’il choisit de mettre tant l’accent sur l’humour comme dans « The host » que sur la dénonciation des excès consuméristes et de l’hypocrisie du marketing bio. C’est souvent drôle, un peu surjoué par Tilda Swinton et Jake Gyllenhall mais au final le film est d’une efficacité redoutable. Il tape là où çà fait mal en montrant la monstruosité de l’abattage de masse et prenant partie pour la cause animale. Il le fait naïvement mais c’est cela qui rend Okja attachant et émouvant à bien des moments. L’animal en image de synthèse est très réussi et arrive à vous décrocher des larmes alors qu’il s’agit d’un gros cochon gris et çà, c’est balaise !

Mention spéciale à Paul Dano, toujours excellent mais là particulièrement dans le rôle d’un activiste écolo prêt à risquer sa vie pour libérer l’animal en question.

Bong Joon-Ho montre un monde caricaturé et pas forcément réaliste mais qui nous tend un miroir affligeant de notre mode de vie, les personnages portant des masques de théâtre pour mieux nous effrayer. Car au final, seule la petite fille est sincère et libre.

Le film parle de moralité et de la vanité de l’homme par un message fort et simple qui doit normalement toucher notre conscience. Sous ses airs de grand public, le film emporte le spectateur par sa générosité évidente, malgré la noirceur de son fond. C’est anticapitaliste, antispéciste et donc beaucoup plus politique qu’il n’y parait et c’est Netflix qui produit…et c’est lorsqu’Hollywood devient frileuse à produire ce type de sujets, qu’une firme ultra capitaliste s’en empare du moment que çà se vend!

Bong Joon-Ho a bien du se marrer en réalisant son film, car avec le recul, il utilise le cœur du réacteur pour le dénoncer et çà c’est sacrément gonflé!

Sauver le peu d’humanité qu’on peut dans une machine infernale de spectacle et de consommation, voilà le beau défi qu’a relevé Bong Joon-Ho, et c’est énorme !

 

N°4 – « La La Land » de Damien Chazelle

Le réalisateur du très bon « Whiplash » il y a deux ans, revient et signe à 32 ans LE film dont tout le monde parle, ultra favori des prochains Oscars et c’est une comédie musicale !  Sur le papier c’était super casse gueule de faire chanter le très hype Ryan Gosling et la douce Emma Stone et de revenir à ce genre qui fit l’âge d’or d’Hollywood et repointe le bout de son nez de temps en temps…

Alors comment dire…le film commence par une grande scène de chansons dans un embouteillage, façon « Chantons sous la pluie » ou « Un Américain à Paris » et c’est certes ultra bien filmé mais on se dit que si c’est çà tout le temps çà va être chaud à suivre.

Puis l’histoire débute et c’est une rencontre, une histoire d’amour ultra classique entre une comédienne en devenir qui écluse les castings échec sur échec et un pianiste de Jazz qui aime un style que peu de gens connaissent vraiment. Et là, petit à petit, grâce au talent des comédiens et à la grande élégance du réalisateur, on se prend au jeu et avec sourire. La caméra devient légère, délicate et c’est disons le clairement, hyper bien mis en scène sur des chansons originales dont les textes sont d’actualité. D’ailleurs le grand talent du film est à la fois de rendre hommage aux classiques du genre et de redonner un coup de jeune et de modernité à la comédie musicale. Tous les codes sont là et pourtant çà fonctionne. Le lien entre les scènes, l’introduction d’éléments surréalistes, la beauté des décors, le jeu des acteurs, les situations comiques, tout y est.

Mais si le film s’était contenté d’une simple histoire d’amour, il n’aurait pas provoqué la très forte émotion que j’ai ressentie sur le dernier tiers. Car le film touche, comme beaucoup de grands film qui marquent, à quelquechose d’universel…l’amour contrarié certes mais surtout l’impact des choix de vie, des renoncements à certains rêves pour préférer un destin plus communs. Le film est par surprise empreint de réalisme et parle de la difficulté de confronter son propre égoïsme, ses propres peurs à des rêves plus naïfs….ou en quoi les « choix de vie d’adultes » ne rendent pas toujours heureux et laissent un goût amer…et « La la Land » s’envole littéralement vers de très hauts sommets, touché par la grâce. Le tour mélancolique et désenchanté de l’histoire est tout simplement bouleversant.

On ne peut qu’applaudir à tant de talents concentrés pour raconter en chantant et avec le sourire la magie d’un amour et la douleur de vivre sans.

Damien Chazelle a signé un petit bijou d’émotion et devient de fait l’un des réalisateurs Hollywoodiens dont on attendra avec impatience la suite.

Le personnage d’Emma Stone dit qu’il faut sans cesse donner des couleurs à la vie…Damien Chazelle en a donné au cinéma, assurément.

 

N°3 – « The Age of Shadows » de Kim Jee-Woon

Kim Jee-Woon est l’un des grands maitres sud-coréens aux côtés de Bong Joon Ho et Park Chan Wook. Et heureusement qu’il est là car son talent est immense !

Toujours très inspiré par le cinéma français et l’âge d’or hollywoodien des westerns, le réalisateur de « 2 soeurs« , « A bittersweet life« , « Le bon la brute et le cinglé » ou encore le génial « J’ai rencontré le diable » revient en très très grande forme.

Le scandale c’est que le film est disponible sur internet mais n’a aucune date de sortie prévue au cinéma en France.

Le film se passe dans les années 1920, alors que la Corée est occupée par le Japon. Un capitaine de police coréen collabore avec la police japonaise pour détruire la résistance coréenne. Il va tenter se s’infiltrer auprès de l’un de ses leaders, Kim Woo-jin.

« The Age of Shadows« est tout d’abord une déclaration d’amour à « L’armée des ombres » de Jean-Pierre Melville, et comment dire…il y a pire comme référence.

On y trouve l’héroïsme, le sens du sacrifice d’un petit nombre face à l’oppresseur tout puissant mais aussi le déterminisme, la volonté farouche et l’inventivité de la dissimulation. Et lorsqu’il s’agit de jouer avec le spectateur, de surprendre ce dernier tant par le scénario, brillant, que par des effets de mise en scène d’une efficacité redoutable, on peut compter sur Kim Jee-Woon.

Quel plaisir que de regarder un film divertissant, intelligent sur le rapport à l’honneur et à la réussite, sur la résiliance mais qui brasse des tas de thèmes avec une fluidité qui ferait pâlir nombre de cinéastes occidentaux. Car le réalisateur n’oublie jamais de garder le spectateur sous tension tout du long.

Je me suis fait à plusieurs reprises la réflexion en me disant « wouah la classe ! çà c’est du cinéma d’action malin, du vrai !« . La photographie est comme d’habitude d’un excellent niveau.

Ce thriller d’espionnage est malin, porté par les trois acteurs ultra stars en Corée et que vous connaissez probablement, Gong Yoo (« Dernier train pour Busan« ),  Byung-Hun Lee (A bittersweet life, Hero,  Le Bon, la brute et le cinglé, « J’ai rencontré le diable« ), et le génial Song Kang-Ho (Sympathy for Mr. Vengeance, Memories of Murder, Lady vengeance, The Host, Le Bon, la brute et le cinglé, Thirst, Snowpiercer).

Ce jeu du chat et de la souris est juste excellent ! Le double jeu des personnages et les effets de surprises sont un vrai bonheur de cinéphile.

Jetez vous dessus ! Ce sera l’un des meilleurs films de l’année.

 

N°2 – « Blade Runner 2049″ de Denis Villeneuve

Denis Villeneuve est l’un des grands metteurs en scène du moment mais relever le défi de donner une suite à l’un des plus grands chefs d’oeuvre de la SF était un pari ultra casse-gueule.

Ridley Scott ne s’est pas trompé mais il a surtout concocté avec le scénariste du film original, une histoire qui ne réédite pas du tout la précédente et se permet de prolonger le film précèdent. C’est sans doute la première grande force du film, celle de ne pas tomber dans le piège de l’univers si marquant du premier. On retrouve évidemment l’ambiance de villes polluées, où les voitures volent et les hologrammes publicitaires sont géants. Un élément a cependant disparu…les gens. Villeneuve s’attarde en effet peu sur cette population qui grouillait de partout dans Blade Runner car dans ce futur du futur, l’humain a quasiment disparu.

Et c’est en sortant de la ville et en nous montrant à voir des paysages d’une beauté froide et glaçante, d’une humanité qui est obligée de cultiver sous serres sur des étendues infinies, que le film prend son propre envol, sa propre indépendance par rapport à son écrasant ainé.

Denis Villeneuve prend alors le temps de dérouler son histoire, certains trouveront trop mais pas moi. Je n’ai pas vu le temps passer tout simplement parceque la mise en scène est fluide mais que l’interprète principal, Ryan Gosling, est tout de même très fort lorsqu’il s’agit de jouer les taiseux.

L’histoire casse les a priori qu’on peut se faire en connaissant le film d’origine et surtout s’avère émouvante car elle s’intéresse à ce qui fait que l’on est humain. On s’humanise en se trouvant un sens, un objectif à sa vie …on a besoin de se sentir aimer et d’aimer en retour sinon pourquoi ? L’utilisation du personnage féminin holographique est une excellente idée, plus proche de Spielberg et d’AI que de Blade Runner mais non moins pertinente.

La thématique est aussi celle de l’humanisation face à la prise de conscience de l’immense solitude de l’humain face à la mort. Et c’est en cela que Blade Runner 2049 est un grand film. Sa thématique est différente de l’original et complémentaire.

Le seul problème est qu’elle ne se révèle pas facilement, l’émotion étant plus contenue que dans le premier film. Harrison Ford est très bon et son rôle ne fait pas figure de justification scénaristique. Seul le personnage de Jared Leto est un peu sous utilisé.

Denis Villeneuve utilise des décors en dur au maximum et use des effets spéciaux de façon intelligente, sans en foutre plein la vue et réussit à créer une identité visuelle aussi forte que l’original et pourtant différente.

Son film est contemplatif par moment mais ne se perd jamais dans une narration complexe, chaque scène étant justifiée malgré la durée du film.

« Blade Runner 2049″ est une grande dystopie, une histoire dépressive et triste mais tellement réussie. Le film manque peut être du lyrisme qui le ferait accéder au niveau du premier mais il a une qualité énorme pour ce genre d’entreprise, l’humilité.

 

N°1 – Ex Aequo 

« A Beautiful Day – You Were Never Really Here » de Lynne Ramsay

Il est rare de sortir d’une séance de cinéma en se disant qu’on vient de visionner un chef d’oeuvre instantané. Et pourtant Lynne Ramsay, qui m’avait déjà impressionné il y a 7 ans avec « We need to talk about Kevin« , vient de produire un chef d’oeuvre, un vrai.

Avec cette histoire de vétéran tueur à gage, traumatisé par son passé, à la limite du suicide, hors sol, Lynne Ramsay donne à Joaquin Phoenix un de ses plus beaux rôles et il en a déjà eu de sacrément bons. Son prix d’interprétation à Cannes est une évidence tant il incarne avec puissance cette masse brutale et fragile, totalement perdu, déshumanisé par les horreurs de la guerre et le boulot d’effaceur, naviguant en eaux troubles, avec pour seul repère sa vieille maman qu’il aime.

Et un jour on lui propose de récupérer une adolescente prostituée de force dans un réseau pédophile car c’est la fille d’un sénateur. Et là, il va trouver un sens à son existence, une rédemption pour ses pêchés.

Le film est magistral du point de vue de la mise en scène, de la bande-son stridente et parfois mettant de gros coups de pression sur le suspens. La caméra épouse totalement cet ogre barbu dont on ne sait si il veut mourir ou rester ce fantôme de la mort qui assassine des gens sans aucun affect. Il est la figure désincarnée car sans âme, des laissés pour comptes de l’Amérique, de types de l’Amérique pauvre envoyés en Afghanistan, et laissés dans leur puit sans fond à leur retour du front.

Le rapport entre cet homme fracassé et cette enfant victime de l’ignominie des adultes, est d’une grande sensibilité, romantique et désenchanté. Et pourtant le film est parfois quasi muet, l’économie de dialogues se justifiant par leur inutilité. Tout est sur l’écran, Joaquin Phoenix crève l’écran.

« A Beautiful Day » aurait dû garder son très beau titre d’origine « You Were Never Really Here« .

C’est un uppercut de cinéma, un très grand film qui deviendra un classique assurément. Courrez le voir ou ne prétendez pas « aimer » le cinéma. C’est l’un des deux films de l’année, avec « 120 battements par minute« .

 

N°1 – Ex Aequo

« 120 battements par minute » de Robin Campillo

Le Grand Prix du dernier festival de Cannes, qui a bouleversé la Croisette sort enfin et c’est un film important.

La première réussite est la direction d’acteurs de Robin Campillo, qui a été membre d’Act Up et çà se sent profondément dans le détail des échanges entre les protagonistes. Le lieu récurrent est donc l’amphithéâtre dans lequel l’association d’activistes se réunissait chaque semaine afin de discuter des actions à mener pour sensibiliser l’opinion publique, faire de la prévention contre le VIH et bousculer l’état, les corps intermédiaires peu actifs et les laboratoires.

La justesse et le naturel du jeu des acteurs qui s’invectivent et discutent de fond est bluffante. Bien sûr l’histoire d’amour entre le très attachant personnage joué par Nahuel Perez Biscayart et le garçon plus en recul joué par Arnaud Valois, permet au film d’avoir une ossature et un fil directeur. Mais l’ensemble des acteurs donne corps à cette rage qu’avaient les militants de réveiller les consciences et de choquer le public endormi. D’ailleurs le film montre très bien des homos qui début des années 90 fustigeaient le comportement d’Act up car ceci les dérangeaient, leur faisait peur et ils préféraient se voiler la face et nier la réalité de l’épidémie. D’autres scènes montrent l’incrédulité des adolescents dans les lycées, l’irresponsabilité des adultes refusant de parler de sexe et de capotes quitte à mettre en danger la jeune génération. Act up dénonçait le retard considérable que les campagnes de préventions mirent à s’installer. On y voit même une homophobie violente de jeunes filles préférant considérer que c’était une maladie réservée aux Pd.

Robin Campillo nous fait revive ce parcours d’une bande dont la plupart étaient séropositifs, de leurs divergences d’opinions, de leur volonté d’agir et de combattre plutôt que de laisser la maladie s’installer et les emporter. A l’image de Nahuel Perez Biscayart, le film fonctionne comme une force portée par des êtres humains qui n’ont rien à perdre.

Le film est politique, romanesque, à la fois porté par l’espoir d’obtenir des avancées et l’immense tristesse face à la disparition de certains. Mêlant la joie de la gay pride ou de relations amoureuses, l’humour des activistes, la colère de leurs actions ou de leurs débats, « 120 battements par minute » nous déchire aussi et nous tire des larmes lorsque le rideau tombe sur certains. Mais il le fait sans mélo, sans violons, juste porté par ce jeu encore excellent des protagonistes, dont la sincérité crève l’écran de réalisme.

Et puis le film a un scénario très bien construit, allant du collectif vers son couple de héros, de la force du groupe à la solitude face au déclin et c’est particulièrement fin dans la mise en abîmes.

« 120 battements par minute » est parsemé de morts mais il respire le désir de vivre et c’est ce qui fait que c’est un très grand film. Il vibre de la palpitation de ses héros qui ne veulent pas se laisser aller au déterminisme d’une maladie dont certains se foutent car elle vise les Pd.

Le film est passionnant de part ce qu’il décrit de cette lutte, emballant par sa vigueur et l’énergie des personnages, très émouvant et il aurait mérité la palme d’Or.

Il restera l’un des plus beaux films de l’année, digne, fier, et bouleversant.

 

Et comme d’habitude le podium de l’année :

 

 

Et pour rappel, les classements précédents des huit premières années :

 

Les meilleurs films 2017 du Blanc Lapin Partie 1 : N°21 à N°11

Avec 70 films sortis et vus cette année 2017 et compte tenu du tri méticuleux opéré dans les sorties, post accueils en festivals, accueil presse, retours d’avant premières etc…on peut dire que la sélection du Blanc Lapin 2017 a été des plus trépidantes. Or 2017 est un excellent cru.

Voici donc la première partie du classement annuel des films qu’il ne fallait pas rater !

Avec les critiques écrites par mes mimines à chaque fois.

 

N°21 – « Compte tes blessures » de Morgan Simon

Ce premier film a hélas été très peu distribué dans les cinémas en janvier d’où le temps long pour enfin le voir. L’histoire suit un jeune chanteur charismatique de hard rock, qui s’est tatoué de partout et vit encore chez son père, poissonnier.

Il est jeune, beau, son groupe cartonne mais il est aussi très seul. Au lieu de profiter de la vie, il se heurte à son père insensible et froid. Et surtout, il voit arriver la nouvelle copine de ce dernier qui vient bouleverser son monde et le silence causé par la mort de sa mère quelques mois auparavant.

« Compte tes blessures » n’est pas dénué de défauts mais il est tellement généreux par sa belle humanité, par la délicatesse de l’expression des sentiments des protagonistes, qu’on lui pardonne toute le reste. Morgan Simon réalise déjà un film ultra court, 1H20 seulement et c’est probablement une très bonne idée car il évite les scènes inutiles qui auraient dilué le message.

Kévin Azaïs, qu’on avait découvert dans « Les combattants » en 2014, est brillant dans ce rôle de jeune homme qui n’est pas totalement sorti de l’adolescence, dont le regard cherche en permanence l’amour de son père. Il est perdu, blessé car son monde s’est effondré à moitié par la mort de sa mère adorée. Et il se cherche, il provoque, il doit « tuer le père » pour grandir et c’est douloureux. La partition de l’acteur est vraiment émouvante tout en étant brusque et animale. Nathan Willcocks joue lui ce père rugueux et aux propos violents et livre lui aussi une très belle prestation.

Le film traite donc de l’après-deuil et de la reconstruction entre un père et un fils qui s’aiment mais ne savent plus se parler et se sentent étrangers.

« Compte tes blessures » est un film intelligent, fin et dont le final est surprenant.

 

N°20 – « Neruda » de Pablo Larrain

Après les réussis « No » et  « El Club« , et avant de livrer d’ici 15 jours son biopic sur Jackie Kennedy avec Natalie Portman, le réalisateur chilien Pablo Larrain se paie le luxe de sortir un autre biopic. Le metteur en scène sort donc deux films en un mois ! Et le premier est très réussi car il décide d’opter pour un biopic non conventionnel.

Comment parler d’un des immenses poètes du 20ème siècle, chilien comme lui, sans tomber dans l’hagiographie pompeuse et ennuyeuse ? Et bien Larrain choisit tout simplement de le raconter tel un poème, un conte où l’on devine que l’imaginaire est proche de la réalité telle que présentée, toujours à la limite mais jamais assez pour verser dans le surréaliste. Il donne juste une réalité déformée, embrassant la poésie et l’implication politique de l’artiste. Les dialogues permettent ainsi souvent d’énoncer des poèmes et l’histoire en tant que telle joue avec nous et la créativité de Pablo Neruda.

En 1948, le sénateur Pablo Neruda, communiste de renom et star dans son pays pour son œuvre fournie, est en opposition avec le gouvernement. Le président demande sa destitution et on arrestation et va confier la traque à l’inspecteur Óscar Peluchonneau.

Notons d’abord le jeu impeccable de Luis Gnecco en Neruda infidèle, tendre, révolté, provocateur et très imbu de lui-même. Larrain choisit d’ailleurs de montrer tant la lumière que l’ombre ou les incohérences, notamment lors de ce diner au restaurant où Neruda est confronté à une ouvrière qui  lui fait remarquer qu’il est nanti et que sa révolte est facile. La table est alors très gênée et le poète choisit la fuite par l’exposé d’un idéal dont il sait qu’il n’est que mensonge mais qui redonne espoir malgré tout. Ces paradoxes de Neruda sont ainsi illustrés avec un regard bienveillant mais lucide.

Le film est donc sans concessions et pourtant rend le personnage très attachant. Mieux il choisit de nous emmêler les pinceaux avec ce policier joué à merveille par un Gael Garcia Bernal, décidément toujours aussi classe. Ce flic déterminé qui ne veut pas vraiment arrêter sa cible est un personnage littéraire en tant que tel et le plus bel hommage au poète. En miroir de l’artiste qui fuit, il donne au film une dimension poétique et d’aventure qui rend le long métrage attachant et unique.

Une très belle réussite.

 

N°19 – « Brimstone » de Martin Koolhoven

Si vous souhaitez voir une comédie ou un film fun, passez votre chemin. En revanche si vous appréciez les histoires de vengeance, les westerns ou tout simplement des films surprenants par leur montage et l’excellence du climax qui s’en dégage, courrez voir ce « Brimstone » !

Alors certes, le film est violent, sombre, et l’héroïne s’en prend plein la tronche. Mais il s’élève largement au dessus de la moyenne par le montage du film, par le jeu des excellents Guy Pearce et  Dakota Fanning, par les surprises du scénario et par le fait qu’il ne tombe jamais dans les clichés du genre.

Guy Pearce décroche un de ses meilleurs rôles dans ce pasteur limite démoniaque et complétement fou. Une ordure, une vraie et il n’y a pas à dire, un excellent méchant dans un film, c’est rare et c’est jouissif.

Alors l’histoire ? Dans l’Ouest américain, à la fin du XIX siècle, une jeune femme mariée à un homme mur voit sa vie basculer lorsqu’un psychopathe de pasteur déboule dans son village.

On ne comprend pas au début pourquoi ce type fait une fixette sur lui mais on va l’apprendre par étapes et devenir vite scotché au dénouement de l’intrigue, très habilement menée.

Le film fonctionne davantage sur l’angoisse d’un film d’horreur que sur les concepts du western. La violence psychologique et visuelle parsème le film et créé un suspens de haut niveau.

Cette traque est fascinante car on découvre sa raison au fil de l’histoire. Le film est choquant à plusieurs reprises  et s’enfonce vers les enfers de façon impitoyable.

Ça saigne, c’est brutal mais putain qu’est ce que c’est réussi !

 

N°18 – « La planète des singes, suprématie » de Matt Reeves

Alors que le 1er épisode avait surpris tout le monde de part la qualité des effets spéciaux, de l’intrigue et de la mise en scène, le second film de cet immense préquel au chef d’oeuvre de 1969, m’avait un peu déçu. Matt Reeves, qui reprenait le flambeau avait livré un très bon divertissement hélas trop centré sur l’action et surtout terriblement manichéen dans l’archétype des personnages.

Ce défaut est toujours présent dans ce troisième volet mais il devient secondaire grâce à la mise en scène peut être moins épileptique et surtout une histoire bien plus écrite.

Comment César devient la légende des singes qui les amène et se libérer des derniers hommes ? Tout un programme et aussi une explication logique à la montée en puissance d’une race au détriment d’une autre.

Le film s’inspire des nombreux bijoux du genre film de prison et évasion et apporte même une touche d’humour totalement absence auparavant. Il va même jusqu’à citer balourdement Apocalypse Now et faire référence plus finement à la Shoa.

Enfin, Andy Serkis donne encore une fois à la technique de motion capture toutes ses lettres de noblesse tant son César transpire le réalisme.

« La planète des singes, suprématie » est surtout un film de SF qui ne prend pas ses spectateurs pour des demeurés et leur apporte divertissement et réflexion sur la place de l’homme sur cette planète et son bref passage à l’échelle du temps.

La mise en scène est inspirée et suit des singes désespérés et totalement mus par leurs émotions. Il est d’ailleurs assez bluffant de s’attacher aux personnages à ce point alors que le rôle des humains est basique, et les dialogues rares et remplacés par des traductions de langage des signes.

Pour une fois, la reprise d’une franchise culte est digne et même supérieure à l’original. Le blockbuster n’est alors jamais aussi bon que lorsqu’il parle en miroir de notre société où l’empathie est moquée et où l’entraide laisse la place à des peurs primales, à travers des évènements quotidiens que l’actualité nous démontre.

Le film est sombre et très réussi.

 

N°17- « Seule la terre » de Francis Lee

Pour cette histoire d’amour homosexuelle en plein Yorkshire, Francis Lee aurait pu tomber dans le méga cliché et nous pondre un « amour est dans le près » agaçant.

Il n’en n’est rien car son choix de mise en scène est âpre, filmant la rudesse de la vie rurale et d’un quotidien de labeur. Il donne aux personnages de cette famille une agressivité liée à la pauvreté qu’ils tirent de leur vie harassante, où il n’y a pas de place pour la tendresse et les sentiments. Ce côté autiste est assez surprenant mais compréhensible.

L’arrivée d’un travailleur roumain pour soulager leur quotidien va bouleverser la vie de Johnny, qui ne vivait son homosexualité que bestialement à de rares occasions. Il va découvrir pour la première fois le sentiment amoureux et la bienveillance.

Sa grand-mère et son père ne lui donnent que réprimandes et aucun amour. Il vit seul et reclus sur lui-même. Il se saoule dès qu’il peut afin d’oublier l’enfer d’un quotidien où il n’a aucun avenir et la responsabilité de faire survivre une exploitation agricole obsolète.

Francis Lee fait donc murir cette histoire comme un apprivoisement d’un animal farouche et blessé par un garçon lumineux. Ceci manque peut être de réalisme mais c’est une très belle histoire, émouvante à plus d’un titre. On pense évidemment au cinéma social britannique dans ce qu’il fait de meilleur, de façon simple et efficace.

Surtout, le réalisateur fait émerger un romantisme premier degré qui fait du bien. Son film va vers la luminosité avec une très belle fluidité.

Cette histoire d’éveil et de prise de conscience de soi, de l’autre, de la beauté de construire un couple est à la fois subtile et dénuée d’une quelconque niaiserie, ce qui rend le final d’autant plus émouvant.

 

N°16- « Mother ! » de Darren Aronofsky

Darren Aronofsky est certes l’un de mes chouchous, il est certes extrêmement doué…mais il a le don pour se faire des détracteurs qui le critiquent avec animosité. On lui a reproché son « Requiem for a dream » tape à l’oeil, son « The fountain » complètement perché où une partie de la presse considérait qu’il se masturbait intellectuellement et de façon pompeuse. Moi personnellement, j’adorais. Puis « The Wrestler » et « Black Swan » furent mieux accueillis… »Noé » fut un ratage partiel que pour le coup, je partage…et voici son nouvel opus qui divise à son tour public et critique.

« Mother! » est un film somme de l’œuvre d’Aronofsky, d’une ambition tant formelle que thématique assez délirante. C’est un film sans concession, qui pousse très loin le délire en se référençant très largement au « Rosemary’s Baby » de Polanski pour pousser les thèmes chers au cinéaste, la création, la réincarnation, l’addiction, la religion etc…

Avec autant d’universalité et d’ambition dans un propos volontairement ultra radical, il est normal qu’il provoque autant de haine chez les critiques qui n’ont rien capté à sa démarche et préfèrent le traiter de tous les noms, le parer de snobisme surfait et de pas s’attarder sur l’une des réussites majeures de cette année.

Aronofsky n’a pas peur du ridicule et fonce droit dans une horreur fantastique bourrée à mort de symboles. Car oui, il faut un certain courage pour livrer une fable à multiples lectures et risquer la volée de bois verts qu’il vient de se manger. Le film est dément et dévore le spectateur de son angoissante thématique. On est perdu entre cauchemar et symbolisme, ne sachant pas vraiment où veut nous emmener le metteur en scène. Certains diront « tout çà pour cela ? », oui mais justement, Aronofsky déchaine les passions comme son écrivain égotique joué par l’immense Javier Bardem  intrigue autant qu’il fascine. Est-il un démon ? un Dieu ? un simple artiste ? Le réalisateur donne certaines clés mais pas toutes pour laisser à son film protéiforme le soin de gangréner son interprétation par le spectateur.

Le film est effrayant, fascinant que vous le détestiez ou que vous en sortiez bluffé, en tout cas il ne laisse pas indifférent. Et c’est aussi pour cela qu’on se bouge dans un cinéma. Pour être surpris, de colère ou d’admiration, et c’est au final le but du film…vous provoquer en espérant que vous tombiez du bon côté.

Les visions radicales du réalisateur forcent le respect.

 

15 – « Thelma » de Joachim Trier

Le réalisateur norvégien Joachim Trier, remarqué avec son « Oslo, 31 août », est de retour avec un film très réussi.

Il choisit en effet un récit de science fiction pour conter l’émoi amoureux et les premières pulsions sexuelles. Mais non seulement il fait de son héroïne une jeune lesbienne que toute son éducation catholique culpabilisent, mais en plus cette dernière a un super-pouvoir qu’elle découvre.

Trier choisit une mise en scène méthodique pour instaurer une curiosité palpitante pour ce que va devenir son héroïne et surtout nous faire craindre ce que l’on va découvrir.

En ces temps de blockbusters Marvel et DC Comics, c’est une excellente idée que d’en prendre le contrepied par un sujet multiple utilisant la coquille souvent vide des grosses productions américaines.

Le refoulement et le poids de cette éducation étouffante sont bien entendu au cœur du récit mais le récit est forcément émaillé de scènes fortes visuellement, faisant la part belle à l’onirisme.

Et pourtant l’humain est au cœur de ce drame alternant terreur et émotions pour cette jeune femme tiraillée entre son désir et le carcan idéologique qu’on lui a inculqué. Le tout est illustré par des métaphores et par une quête fantastique menée avec un excellent rythme.

Ce mélange des genres, du thriller au drame, donne à l’ensemble un rendu assez captivant, souvent surprenant et malin.

Le refoulement est un thème souvent traité au cinéma mais cette approche a le mérite d’être originale et rigoureuse dans son déroulé et sa mise en image.

Un très bon film.

 

N°14 – « Trainspotting 2″ de Danny Boyle

Danny Boyle a donc tenu promesse, il a donné suite à son chef d’oeuvre pop des années 90, 20 ans après ! Et pourtant le projet est une sacrée arlésienne de cinéma qui a été annoncée des tas de fois en 20 ans puisque cette suite est inspirée en grande partie de « Porno » que le romancier Irvine Welsh écrivit comme suite à son livre « Trainspotting« .

Réconcilié avec son acteur fétiche des débuts, Ewan McGregor, brouille qui dure depuis « La PLage« , Boyle peut enfin donner cette suite. Si ce n’est qu’elle a été remodelée puisque 20 ans se sont écoulés et qu’il va surprendre avec un film plutôt…émouvant !

Celles et ceux qui n’ont pas vu « Trainspotting« , d’abord vous devriez corriger rapidement cette lacune histoire de parfaire votre culture car ben oui, il faut avoir vu Trainspotting. Car si le film est générationnel, il n’a rien perdu de sa force, de sa provocation, de sa vitalité et de son désespoir.

Danny Boyle, après avoir livré un excellent « Steve Jobs » curieusement défait de ses tics clipesques que personnellement j’adore, nous fait un gros doigt en direction de ses détracteurs pour retomber dans le style qui l’a fait connaitre avec brio.

Alors certes, çà pulse moins, çà ne s’envole jamais dans des trips puisque l’histoire n’est plus celle de junkies mais plutôt d’ex junkies qui ont eu une histoire commune depuis l’enfance et se sont fait trahir par Renton. Et d’ailleurs, le réalisateur a l’excellente idée de redémarrer le début des titres les plus cultes de la BO d’origine pour les couper net, histoire de bien faire comprendre qu’il rend hommage mais pas avec facilité. Non, il utilise des images du premier film, fait des tonnes de clins d’œils mais à chaque fois c’est justifié, c’est pour illustrer cette amitié qui lie les personnages et pour mieux mettre un miroir entre un passé de paumés sans avenir et un présent de pauvres types en galère.

Vingt ans se sont passés mais en fait, ils ont peu changé. Sick Boy ne tourne plus qu’à la coke et non à l’héroïne mais il poursuit ses petites combines sans avoir rien construit. Quant à Renton (McGregor), je vous laisse découvrir. Spud est quant à lui bien plus présent que dans le premier volet et son personnage est très attachant.

En fait on a l’impression de retrouver de vieux copains vingt ans plus tard, les personnages étant très bien interprétés mais surtout très bien écrits. Et Danny Boyle use de l’auto-citation jusqu’à en faire un art en soit. Trainspotting 2 n’est pas un film sur la perte des illusions puisque les personnages n’en n’avaient déjà pas à 25 ans. Mais c’est un film à la fois triste et mélancolique tout en étant très divertissant. C’est l’histoire de retrouvailles jouissives entre des personnages cultes et surtout un exemple très réussi de suite qui ne soit ni inutile ni facile et c’est rare ! Le film ne veut jamais être incisif comme le premier et c’est tant mieux. Enfin la BO est très bonne, encore une fois.

Ce constat sur le vieillissement est traversé d’une nostalgie cynique et d’un regard mature et affectueux de Danny Boyle sur ses personnages. Il en profite également pour tacler les »progrés » de la société en 20 ans à savoir réseaux sociaux, télé réalités et autres choses ultra utiles qui n’existaient pas en 1996, sans pour autant tomber dans des remarques de vieux con.

Un des films de 2017 à bien évidemment aller voir.

 

N°13 – « On the Milky Road » d’Emir Kusturica

Après 10 ans d’absence et presque 20 ans après son dernier chef d’oeuvre, « Chat noir, chat blanc« , le maitre serbe revient enfin ! Si la presse est divisée et que Kustu a perdu sa place de chouchou des critiques, il n’a rien perdu de son univers, bien au contraire.

C’est vrai qu’un réalisateur à l’univers fort et reconnaissable immédiatement, c’est non seulement assez rare (Terry Gilliam, Guillermo Del Toro, Tim Burton, Wes Anderson, David Lynch, Wong Kar Wai, Pedro Almodovar…) mais surtout, çà ne vieillit pas toujours très bien.

« On the Milky Road » n’est pas au sommet de la carrière de Kusturica mais il convoque un imaginaire débordant et oh combien salvateur dans une époque si normée. Ses délires sont peut être moins jouissifs mais tout autant désespérés, autour de personnages hauts en couleurs qui boivent et font la teuf en plein milieu des bombardements.

C’est surtout que son film est plus tendre, plus porté sur une belle histoire d’amour impossible que la folie suicidaire d’ « Underground » ou la contemplation et les délires du « Temps des gitans ». Mais l’esprit est le même.

J’ai adoré replonger dans cet univers où le fantastique s’immisce dans la nature, permet aux mariées de voler et aux héros de jouer à saute moutons avec des explosifs.

C’est délirant sans l’être trop, d’une créativité jouissive, souvent très poétique et c’est déjà beaucoup.

Non, Kusturica vit encore et il en a sous la pédale et c’est sans doute l’une des excellentes nouvelles de cette année ciné.

 

N°12 – « Kingsman, Le cercle d’or » de Matthew Vaughn

Matthew Vaughn a donc décidé de faire une suite à son succès surprise, Kingsman, lui qui se refusait jusqu’alors à se prêter à l’exercice de capitaliser sur un succès comme son Kick Ass ou X-Men Le commencement.
« Kingsman Le Cercle d’Or » respecte l’esprit barré et too much du 1er, gavé de gadgets délirants et de répliques so british clin d’œil à James Bond façon 10èle degré. En ceci cette suite est réussie puisqu’elle ne déçoit ni par son rythme ni par ses personnages.

Évidemment le réalisateur devait faire revenir l’immense Colin Firth dont le rôle avait imprégné le 1er volet. Et là où c’est réussi, c’est qu’il joue sur un registre inattendu, celui de l’émotion et ça fonctionne très bien.

Les nouveaux personnages sont peut être trop nombreux, Halle Berry, Channing Tatum ou Jeff Bridges faisant de la quasi figuration. En revanche Pedro Pascal (Narcos, Games of Thrones) et Julianne Moore en méchante complétement perchée excellent et cabotinent certes mais c’est drôle. Quant à Elton John, il a plusieurs scènes marrantes dont un plan très drôle qui vaut le détour à lui seul.

Le bémol de ce Cercle d’Or est que derrière son indéniable efficacité et les plaisirs régressifs qu’il procure, il manque deux éléments du 1er film. D’abord l’effet de surprise n’est pas toujours là puisqu’on connait l’univers même si Vaughn n’hésites pas à torpiller des personnages pour rendre son scénario imprévisible. Ensuite l’originalité a fait place parfois à de la surenchère d’action et d’effets spéciaux au détriment des dialogues…de l’irrévérence et du délire débile.
Entendons nous, Kingsman Le Cercle d’Or reste jouissif et l’un des excellents blockbusters de 2017. Mais le 3ème volet devra trouver une idée géniale si la saga ne veut pas rapidement tomber dans de la ressucée. Mais il est normal que l’on soit exigeant avec des réalisateurs aussi réjouissants que Matthew Vaughn !

 

N°11 – « Au revoir là-haut » d’Albert Dupontel

 

Il est long le chemin qu’a parcouru ce déménageur devenu comique de stand up avant de devenir peu à peu, depuis Bernie, l’un des cinéastes respectés quoique toujours à la marge du cinéma français. Il faut dire que son amour du burlesque et des cartoon transpirait dans ses dernières réalisations, « 9 mois fermes » lui ayant permis d’atteindre un succès critique et public au-delà de son cercle habituel de fidèles.

En adaptant le prix Goncourt de 2013, « Au revoir là-haut » de Pierre Lemaitre, Dupontel s’attaque à un plus gros projet en terme de budget mais aussi en adaptant pour la première fois l’histoire d’un autre. Le film en costumes peut souvent s’avérer balourd et ici le réalisateur réussit à filmer avec un plus grand soin, une image léchée faisant penser à « Un long dimanche de fiançailles« . Mais là où le film de Jeunet était un peu chiant, celui de Dupontel est touchant. Touchant parceque son histoire de père et fils et d’éducation manquée est très belle mais aussi parceque ses interprètes sont tous excellents.

La révélation de « 120 battements par minute« , le jeune Nahuel Perez Biscayart, joue à merveille de son corps frêle et de ses yeux très expressifs un rôle pas facile car muet. Il donne à cette gueule cassée une dimension poétique portée par de superbes masques. Il est rare de voir l’après guerre et là où l’histoire se mêle parfaitement à l’univers de Dupontel c’est dans Dupontel bien sûr, qui apporte dans son personnage gauche sa dose d’humour et de délicatesse, d’humilité de l’homme du peuple dépassé par les évènements, toujours du côté des exclus, des gens qu’on ne considère même pas, anar comme on l’aime. Mais il le fait avec intelligence, par petites doses. Laurent Lafitte joue décidément les salauds merveilleux, Philippe Uchan, fidèle de Dupontel rajoute une dose perchée à l’ensemble.

Niels Arestrup est impérial dans le rôle de ce bourgeois solitaire qui a fait fortune toute sa vie et regrette au seuil de sa mort d’avoir raté son fils, la beauté de ce qu’il exprimait, à savoir l’inverse de lui, l’art plutôt que l’argent, l’imaginaire plutôt que le concret.

« Au revoir là-haut » est un bijou de créativité, mêle poésie, tragédie et aventure tout en restant populaire. Certains seront déçus par la réalisation plus sage de Dupontel, moins épileptique, moins barrée. Mais le film demeure un récit picaresque de haute volée et l’un des meilleurs films de cette année.

 

Voilà, on réfléchit encore un peu avant de vous sortir le top 10 de 2017…

 

Les pires films de l’année 2017 du Blanc Lapin

En ayant vu 70 films sortis cette année 2017 soit beaucoup plus que d’habitude, forcément, j’ai vu des mauvais longs métrages. Et pourtant ma sur-sélection est rodée depuis 8 ans avec l’écrémage que me vaut la connaissance des projets, puis des accueils en festivals puis des sorties presse. Il y a donc des films encore plus ratés  que ceux qui vont suivre car je trie énormément avant d’aller au cinéma. Voici donc les films méritant des lapins bien vénères car je ne les ai pas vus venir.

 

N°12 – « Rodin » de Jacques Doillon avec Vincent Lindon

Vincent Lindon joue Auguste Rodin à 40 ans, alors que le succès arrive et que sa première commande d’Etat se concrétise avec « La Porte de L’Enfer« .

Je suis assez partagé sur le long métrage qui comporte du très bon et du très pénible en même temps. Vincent Lindon compose bien son personnage même si ce dernier parle souvent dans sa barbe et parfois c’est un peu relou. Izïa Higelin joue une Camille Claudel amoureuse et qui perd pied face au refus de s’engager de Rodin mais comment dire…cette partie de l’histoire n’est pas très intéressante…et comme c’est 70% du film, forcément, çà lasse. Ou tout du moins il aurait fallu de la fougue, de la fièvre, ressentir la passion des personnages.

Et là, c’est le drame. La mise en scène de Doillon est d’une platitude absolue, avec des ellipses ou des cartons inter scènes qu’on ne voit plus depuis 30 ans. C’est très lent et très caricatural du cinéma d’auteur français se regardant le nombril et donc de nombreux spectateurs trouveront le film juste chiant. Et puis bon le film comporte trois lieux en tout et ce huis clos est parfois pénible.

Et pourtant…et pourtant il y a aussi du très bon à s’attarder sur Rodin en train de modeler et non de sculpter, ce qui pour moi, qui aime modeler à mes heures perdues, m’a profondément touché. Je comprend en effet cet abandon dans la créativité du personnage, ce lien quasi paternel au résultat de son travail. J’ai beaucoup aimé également cette réflexion du personnage ventant les œuvres inachevées, justifiant le choix de l’inabouti par le fait que de nombreuses Cathédrales sont dans cet état, ou qu’on ne reproche pas à un arbre de continuer à pousser.

Ainsi le Rodin au travail est plutôt bien croqué, comme quasi documentaire de l’artiste composant certaines de ses œuvres de multiples morceaux sculptés à d’autres occasions. Mais cette pépite dans le film est noyée par la façon ascétique de filmer , qui ne va pas du tout avec la relation Rodin/Claudel.

 

N°11- « Loving » de Jeff Nichols »Loving » de Jeff Nichols

Jeff Nichols, l’un des chouchous des critiques ces dernières années, revient avec un film d’un très grand classicisme sur une thématique qui sur le papier est intéressante. On y parle donc du couple mixte qui fit juger par la Cour suprême la validité du premier mariage entre un homme blanc et une femme noire dans l’Amérique ségrégationniste de 1958.

Bon, une fois qu’on a dit cela, il faut bien avouer que l’on a tout dit.

J’ai adoré « Mud » mais j’ai peur que ce film ne soit pas celui qui me réconciliera avec le reste de la filmographie du cinéaste. Bien au contraire. J’ai trouvé ennuyeux et surestimé tant son « Take shelter » que son « Midnight special » l’an dernier. Je ne trouve pas sa mise en scène particulièrement originale, elle est même beaucoup trop référencée et ses histoires font du surplace ou ne m’intéressent tout simplement pas, à part Mud donc.

Avec « Loving« , je dirais que je ne me suis pas ennuyé, les acteurs sont bons, Nichols montre des gens simples qui ne demandent qu’à ce qu’on les laisse vivre tranquilles…ok…mais bon çà on le comprend tellement vite que lorsqu’au bout d’une heure, on réalise que le film va durer 2 h, et qu’il ne va probablement pas décoller et devenir passionnant, on se dit « merde, je suis coincé ».

Alors certes, le film n’est pas mauvais, il ne tombe pas dans la facilité non plus, ni dans la caricature, c’est une belle histoire d’amour et de tolérance mais c’est juste chiant. Rien n’est original dans la mise en perspective des protagonistes et surtout tout est ultra attendu. Alors certes dans un Alien, on s’attend à ce que tout l’équipage y passe mais dans un film d’une mise en scène aussi plate, on se prend à rêver qu’un énorme monstre de l’espace débarque et bouffe tous ces méchants racistes qui sont très vilains.

Je n’ai pas été bouleversé par cette histoire. Je dois avoir un cœur de pierre ou alors j’attends un peu plus que la bande-annonce étalée sur 2 h. C’est lisse, çà manque de souffle, de rythme, d’enjeux, autour de personnages qui ne disent rien car ils n’ont rien à dire. Ils sont victimes de racisme mais çà ne rend pas leur histoire intéressante. Et çà ce n’est pas cliché.

Je suis un peu dur, le film se regarde mais bon il y a tellement de films qui sortent dans une année…qu’on peut se passer de celui là.

 

N°10 – « Nocturnal Animals » de Tom Ford

Nous avions laissé le célèbre couturier il y a 7 ans déjà avec le très beau « A single Man« , qui avait surpris tout le monde par la qualité et la délicatesse de sa mise en scène. Aujourd’hui Tom Ford revient avec un thriller sombre et nihiliste sur les bords, très éloigné de son premier essai.

Il s’entoure d’acteurs excellents au premier rang desquels la très hype Amy Adams, l’excellent Jake Gyllenhaal et un Michael Shannon au sommet de ses 50 nuances de noir.

Susan, galeriste à Los Angeles, est délaissée par son richissime et très bel époux. Seule dans sa maison, elle reçoit le livre écrit par son ex mari, Edward. C’est elle qui l’a quitté violemment, sans raison, alors qu’il incarnait la douceur, la culture, la créativité qui lui manque aujourd’hui. Elle est sans nouvelles de lui depuis lors. Et en lisant son livre, elle est subjuguée par la terreur d’une histoire ultra sombre où le personnage principal est incarné par son ex mari. Et là, le manque de ce dernier, la culpabilité de l’avoir abandonné et le vide de son existence vont peu à peu apparaitre.

Sur le papier, « Nocturnal Animals » avait tout pour réussir, l’histoire, le metteur en scène et le casting…sauf que voilà, l’histoire est franchement…bancale.

Nous suivons en parallèle par flashs backs et moments présents l’histoire de Susan, en comprenant très vite les thèmes passionnants que Tom Ford veut développer, entre avidité pour l’argent, la gloire au détriment de ses sentiments et de sa personnalité, déterminisme social, renoncement à ses idéaux de jeunesse par confort, etc…d’ailleurs cette partie est plutôt très bien filmée et la scène finale sobre et implacable.

Mais le problème est que l’histoire du livre est très éloignée du sujet. Cette partie du film est très bien réalisée également et angoissante à souhait, mais voilà, quel est son rapport avec le sujet principal ?

On cherche tout au long du film et on finit par comprendre qu’il n’ y en n’a pas ou si peu que le film devient incongru. Le cauchemar est déroutant mais son lien n’est pas assez évident. Certes, on comprend les symboles de mort d’une âme et de projection familiale de l’ex de Susan, qui l’exprime par son récit…mais c’est totalement tiré par les cheveux.

Le résultat est bâtard et livre davantage un double film qu’une histoire suffisamment mêlée. Et c’est dommage car les deux parties sont réussies à leur manière, c’est juste que le liant est raté. La confusion du récit l’emporte donc au final et fait de ce « Nocturnal Animals » une grande déception.

 

N°9 – « Ouvert la nuit » d’Edouard Baer

J’adore Edouard Baer mais il faut se rendre à l’évidence, c’est un très mauvais cinéaste et un scénariste beaucoup trop décousu. Dans ses spectacles vivants, au théâtre, sa folie farfelue fait merveille. Mais au cinéma, tout devient poussif, les trous béants dans l’histoire se voient et on ne voit plus que celà. A chaque fois il nous sort un bon pitch puis tente de relier les scènes entre elles. C’est parfois drôle mais souvent pathétique. Peut-être lui faudrait-il un co-scénariste pour éviter ce type de naufrage qui fait franchement mal quand on apprécie l’artiste.

 

N°8 – « Sand Castle » de Fernando Coimbra

Au début de la seconde guerre du Golfe en Irak, en 2003, Sand Castle suit un groupe de soldats qui se rendent dans la banlieue de Bakouba pour réparer une station de pompage d’eau endommagée par les bombes américaines. Dans une chaleur étouffante, Matt Ocre, un jeune soldat inexpérimenté, découvre l’horreur dans l’atmosphère de ressentiment et de colère que manifestent les populations locales. C’est dans les rues, les places et les écoles qu’il va prendre conscience du danger et du véritable coût de la guerre.

Ce film racheté par Netflix dispose d’un bon casting avec Nicholas Hoult, Logan Marshall-Green, Henry Cavill.

Il tente de montrer le quotidien des soldats, l’incompréhension entre ces déracinés qui font cela souvent pour gagner de l’argent et les population enserrées entre l’occupation américaine et les combattants irakiens.

Mais voilà, pour faire un bon film ambiance guerre, il faut plus qu’un bon casting et du sable. Il faut aussi un scénario et une mise en scène originale. Et j’ai peur que vu l’absence de tension du long métrage, il n’y ait ni l’un ni l’autre.

Le film se regarde mais il est assez chiant, surtout au regard d’innombrables films sur le même sujet. Les rois du désert avait le mérite de traiter avec humour et décalage la situation afin d’acquérir une identité.

Le sentiment devant Sand Castle est plus diffus. On ne s’attache ni assez aux personnages ni à leur quotidien parceque c’est tout simplement peu surprenant.

Bref, un film pas très utile et une mauvaise pioche pour Netflix.

 

N°7 – « Rules don’t apply » de Warren Beatty

Warren Baetty n’avait pas réalisé de films depuis trèèèèès longtemps et franchement, il aurait dû s’abstenir de récidiver.

Avec son film sur un jeune homme entrant au service du célèbre milliardaire Howard Hughes, joué par lui-même, Baetty a réussi à nous prouver qu’il était vieux. Oui parceque son film est d’un ennui mortel de part son classicisme, l’absence d’enjeux et le fait que l’on se contrefout très rapidement des personnages, pas du tout attachants et de celui de Hughes, qui était un connard égocentré imbuvable et dans le film juste gonflant. C’est réalisé avec mollesse, de façon archaïque et ce type d’histoire a été vu et revu 15 000 fois. Aucun intérêt.

 

N°6  – « Nos Années Folles » d’André Téchiné

André Téchiné avait ému tout le monde avec son magnifique « Quand on a 17 ans » en 2016.

Dès lors le voir faire jouer deux formidables acteurs que sont Pierre Deladonchamps et Céline Sallette dans une histoire vraie aussi surprenante et un film en costumes ne pouvait que réjouir les cinéphiles.

Alors que Paul est envoyé au front durant la première guerre mondiale, alors qu’il est fou amoureux de Louise, sa femme, ce dernier décide au bout de deux ans de tout faire pour échapper au massacre et retrouver son épouse.

Il déserte et Louise trouve le stratagème de le travestir en femme. Sauf qu’il se prend au jeu, même dans le Paris d’après guerre des Années Folles…

Et là la déception est sévère. Car en fait, les acteurs ont beau être très bons et crédibles, on a du mal à percevoir la fièvre de Paul/Suzanne à tomber dans le plaisir et surtout pourquoi ? En effet, ce type amoureux fou devient soudainement bi-sexuel sans aucune raison particulière, son épouse trouvant cela parfaitement normal parcequ’il se transforme et qu’elle l’aime. Et c’est peut être possible en vrai sauf que moi je n’y ai pas cru une seconde et çà, c’est très très emmerdant. Peut-être Téchiné aurait-il dû être plus trash pour montrer le sexe et moins dans la pudeur mais là vraiment, çà fait fake et surtout le scénario manque d’explicatif psychologique. Que ce type décide du jour au lendemain de faire le tapin au Bois de Boulogne c’est juste incompréhensible.

En fait il y a des incohérences temporelles tout du long du film. Elle est enceinte puis plus puis de nouveau. Mais bon Téchiné n’est pas Chistopher Nolan pour jouer ainsi avec le temps.

Le résultat est frustrant et surtout il est fade. On ne se prend pas d’émotions pour les personnages ni pour ce qui leur arrive.

C’est hélas un ratage et c’est bien dommage parceque j’aime Téchiné et ses deux acteurs. Mais cette fois-ci l’alchimie s’est évaporée je ne sais où. J’en suis navré car je voulais aimer ce film.

 

N°5 – « Get Out » de Jordan Peele

Alors là c’est typiquement le genre de film qui me fout en rage. La presse est unanime, le film se prend un accueil public monstrueux pour sa mise en scène novatrice, sa thématique osée, le sous texte social et bien sûr la frayeur qu’il provoque.

Or j’ai vu surtout une série Z même pas digne de sortir sur grand écran. Les acteurs jouent plutôt mal, le suspens est inexistant et j’avais deviné au bout de 10 minutes la fin ! Super le film monté en sauce ! Enfin la mise en scène est passe partout, le film ne fait pas peur une seconde et il doit y avoir trois pauvres gouttes de sang.

C’est un film affligeant à tous les niveaux et une très grosse incompréhension pour cet enthousiasme moutonnier. Un film sans saveur et sans surprise, avec une des fins les plus nulles de ces dernières années. Vraiment vénère d’avoir perdu deux heures.

 

N°4 – « Wonder Woman » de Patty Jenkins

Autre exemple de film encensé par la critique et pour lequel j’ai hésité entre les petits-fours de l’avant première qui devaient être boostés aux champignons hallucinogènes ou le blackout total d’une presse tombée dans une quatrième dimension cette semaine là. Non mais les films Marvel sont souvent simplistes et très mauvais mais là DC Comics arrive à faire super fort. Certes, je n’ai pas voulu subir Justice League pour comparer. L’histoire est complètement neuneu. C’est quoi ce délire des Amazones immortelles seules survivantes d’un monde antique où tous les Dieux sont morts ? Déjà le début est complètement con. Ensuite le super méchant est reconnaissable à sa première apparition alors qu’il est censé surprendre. Ensuite la love story est particulièrement chiante et bon ce n’est pas parceque le super-héros est une femme que c’est original. Au contraire, le film est d’un consensualisme sidérant. C’est ultra classique, pareil, vu et revu et çà mérite une telle mauvaise critique qu’à l’époque je ne l’ai même pas critiqué tellement c’était nul, c’est dire !

 

N°3 – « War everyone » de John Michael McDonagh

« War everyone » est un direct to vidéo précédé de quelques bonnes critiques, raison pour laquelle j’ai enduré ce film de seconde zone qui recueille à peu près tout ce qu’il ne faut pas faire pour créer un film de flics faussement cools.

Alexander Skarsgård est bon quand il fait son méchant blondinet rebelle mais Michael Peña est à exploser contre les mûrs du début à la fin avec ses vannes de films d’action des années 90. Le film veut se comparer aux autres films de ce style où deux flics ou détectives sont limites niveau morale et se baladent sur la ligne jaune en permanence. Et c’est censé être drôle et cynique. C’est juste chiant et long. Le contraire de « The Nice Guys » avec Ryan Gosling et Russell Crowe, que le film essaie de singer misérablement.

Sauf que non. Les situations sont attendues, déjà vues. Les blagues homophobes sont affligeantes. Le jeu des acteurs genre « regardez comme je joue le bad guy cool » est franchement gonflant.

Les méchants n’ont aucun charisme à commencer par Théo James et Caleb Landry Jones, beaucoup trop fades mais c’est plus leur rôle qui est mal écrit que leur jeu, pauvres d’eux même.

L’histoire est nulle et incompréhensible.

Bref c’est à chier !

 

N°2 – « War machine » de David Michôd avec Brad Pitt

Voici le 1er gros film Netflix à sortir avec Brad Pitt en tête de pont, jouant le général Stanley McChrystal, personnage sûr de lui, qui pris la tête des forces de l’OTAN en Afghanistan avant de se faire virer suite à un article assassin.

David Michôd est le très bon réalisateur derrière « Animal kingdom » et « The Rover« . Et c’est donc une grande déception que de voir ce résultat particulièrement fade, avec un Brad Pitt en roue libre qui surjoue, mal, un espèce de machiste un peu con au milieu d’une mission pour laquelle son manque de finesse sera fatal.

Le problème vient d’une mise en scène décousue qui ne permet pas de comprendre les enjeux politiques et d’un scénario lui aussi manquant cruellement de clarté.

Le jeu est outrancier, le film ne choisit jamais entre le film de guerre et la comédie et ces allers retours aussi balourds que le jeu des acteurs, font perdre le fil du récit, déjà pas très intéressant.

Un vrai ratage.

 

Et le plus mauvais de tous est ….tadaaaaaaaaaaa !!!!!!!!!!

 

N°1 – « Death Note » de Adam Wingard

L’idée d’adapter de nouveau le célèbre manga japonais de Tsugumi Ohba n’était pas dépourvue d’intérêt puisque les versions japonaises étaient franchement mauvaises.

Que Netflix s’y attelle et balance un bon gros budget était donc une bonne nouvelle.

Pour rappel, le concept est simple, on suit un lycéen qui trouve un carnet doté d’un pouvoir surnaturel. Lorsqu’il inscrit le nom de quelqu’un sur le carnet, ce dernier meurt comme il l’a décrit.

Sauf qu’évidemment, le jeune homme, poussé par un démon qui passe le livre de détenteur en détenteur, va vite perdre les pédales.

Et Death note permet de faire un 1er constat sur les productions Netflix. Pour l’instant, c’est franchement 80% mauvais. Seul « Okja » de Bong-Joon Ho était d’une grande qualité. On peut espérer que les productions à venir avec de grands noms comme Scorsese, les Coen, Duncan Jones relèvent le niveau.

Ici le film fait le miracle d’être encore plus nul que les versions asiatiques, avec un budget dix fois supérieur. Certes, les acteurs jouent assez mal et ont le charisme d’une demi douzaine d’huitres avariées. Certes, on devine la fin de l’histoire au bout de 15 minutes. Certes, il n’ y a aucun suspens. Certes, l’antagoniste est à exploser contre les murs et les incohérences sur ses interventions sont multiples tant le film coupe dans l’histoire, longue, du manga. Il n’ y a aucune magie, une noirceur de films pour ados un peu cons.

Le problème c’est que le manga est excellent et qu’il n’ y avait pas de raisons de rater le coche si de vrais scénaristes avaient été embauchés.

L’autre problème est que Netflix envisage une suite. Déjà que le 1er est horriblement chiant et affligeant, j’ai peur que la plateforme grille ses soussous pour rien. Enfin je ne verrai pas la suite. J’éviterai ainsi de perdre deux nouvelles heures précieuses d’une vie bien trop courte.

 

Voilà bon là j’ai été méchant…maintenant arrive le classement des 20 meilleurs films, chargé de bigs bisous !

Les meilleurs films de l’année 2016 du Blanc Lapin : N°10 à N°01

Après avoir détaillé le classement du Blanc lapin du N°20 au N°11 (cliquez ici pour le retrouver), nous poursuivons avec les films qui m’ont le plus accroché en cette année 2016 !

 

N°10 – « Premier contact » de Denis Villeneuve

Denis Villeneuve est devenu l’un de mes chouchous avec ses remarquables films « Incendies« , « Prisoners« , et « Sicario« . On l’attend l’an prochain avec la suite du chef d’oeuvre de SF « Blade Runner« , intitulée « Blade Runner 2049 » et ce qu’on peut dire à ce stade, c’est que la SF lui va bien, même très bien.

Avec « Premier contact« , on aurait pu craindre un reboot caché de « Rencontre du troisième type » de Steven Spielberg et sa naïveté un peu datée, ou pire un énième film d’invasion extraterrestre dont la plupart sont bourrins et aux scenari identiques. Car oui, ici, douze vaisseaux spatiaux apparaissent à la surface de la terre, aux douze coins du globe et il est indispensable de comprendre les intentions de ces visiteurs.

La première force du film est d’opter pour un calme absolu. On voit certes la panique des populations qui inévitablement s’emparerait du monde dans une telle situation, mais on le voit via des écrans de télévision, des news de chaines continues, permettant d’instaurer une distance avec cette frénésie et de nous isoler avec l’héroïne, les militaires et les scientifiques. Il n’y a pas de grands effets spéciaux destructeurs mais une réflexion sur comment entrer en contact avec une autre civilisation, s’inspirer du passé de l’homme quand des cultures se sont percutées et surtout, éviter les raccourcis.

Pour imposer ce mélange de curiosité, d’interrogations, de peur de l’avenir, Denis Villeneuve a choisit l’une des meilleures actrices au monde, Amy Adams, qu’on retrouvera très bientôt en janvier dans le parait-il excellent second film de Tom Ford, « Nocturn Animals« . Son jeu est parfait de sensibilité introvertie et de regards énigmatiques lorsqu’elle est en pleine réflexion. Et pourtant, un film sur des aliens et des spécialistes du langage qui jouent à « dessiner c’est gagné » c’est comment dire…potentiellement très chiant.

Or malgré sa durée d’1h56, le film tient en haleine de bout en bout tant les aliens en question sont insondables par leur apparence et leur manière de communiquer. L’idée même des vaisseaux, du physique de ces aliens est originale. Mais surtout Villeneuve filme avec douceur, retenue, un sujet susceptible de tomber dans l’épilepsie filmique à tout moment. Il introduit aussi une seconde histoire en parallèle qui provoquera une émotion et un dénouement inattendu, faisant décoller le film au niveau d’un très bon film de SF car différent et ne sombrant pas dans les clichés multiples du genre. Il s’intéresse alors à la relativité du présent et du futur, à l’acceptation de la mort comme point d’orgue d’un cycle et c’est très beau.

« Premier contact » est un très beau film humaniste, d’un stoïcisme assez rare pour ce type de production, un film intelligent, délicat, qui passe du mystère de l’univers à celui de l’humain en un clin d’œil  bref et d’une efficacité émotionnelle assez inattendue. Denis Villeneuve est un des grands réalisateurs de son temps et les fans de Blade Runner dont je suis peuvent être rassurés, l’an prochain nous pourrons vivre un autre grand moment de science fiction grâce à lui.

 

N°9 – « Kubo et l’armure magique » de Travis Knight

Kubo est un jeune garçon aux pouvoirs magiques, qui conte des histoires dans un village de bord de mer en faisant s’envoler des origamis. Mais c’est surtout l’héritier caché du dieu lune, son grand-père, qui le cherche depuis la mort de son père afin de lui arracher son deuxième œil et l’empêcher de se rebeller contre lui.

« Kubo et l’armure magique » est de très loin le meilleur film d’animation des studios Laika, à qui l’on doit Coraline (2009), Paranorman (2012), Les Boxtrolls (2014).

Comme pour les autres longs métrages, c’est la technique magnifique de L’étrange Noël de Mister Jack qui est utilisée, le stop-motion !

Et le résultat d’un film animé par des marionnettes puis retravaillé en studio est tout simplement ultra classe. Car chaque mouvement et une expression de marionnette différente et à l’écran, çà ne se voit plus du tout, à tel point qu’on pense que le film est une animation 3D qui imiterait le stop motion. Mais non, pour arriver à un tel résultat il faut 5 ans de travail, 94 semaines de tournage, 35 animateurs, 400 personnes, 250 000 feuilles de papier, 70 plateaux mais le résultat est surprenant car vraiment vraiment magnifique. Qu’une marionnette fasse passer autant d’émotion c’est juste un petit miracle.

L’univers médiéval japonais de Kubo est non seulement très original (sachant que le studio est de Portland aux Usa) mais surtout d’une poésie et d’une finesse rarement vue pour un tel projet d’animation.

Le film et les mouvements sont fluides, l’action est très présente, l’histoire est une simple quête mais parsemée de moments où on se surprend émerveillés par le résultat. Le film parle aussi aux petits du deuil, de la résilience, de la filiation avec des messages qui ne sont jamais balourds.

Quant le tour de force technique est tout aussi bluffant que la beauté de son récit, je ne peux que vous inciter à courir voir ce petit bijou.

 

N°8 – « Saint Amour » de Benoît Delépine, Gustave Kervern

Ce septième film de Benoît Delépine et Gustave Kervern est probablement leur plus accessible, leur plus généreux et l’un des plus drôles aussi.

Quelle idée géniale que de réunir deux acteurs connus pour leurs excès et monstres sacrés d’un cinéma parfois populaire, parfois « auteuriste » et souvent les deux à la fois.

Gérard Depardieu interprète Jean, le père de Bruno (Benoît Poelvoorde) et les deux sont en plein salon de l’agriculture pour y montrer leur taureau Nabuchodonosor. Vous les imaginez très bien dans cet univers « bucolique » et festif ? Vous avez raison, ils y sont parfaits. Mais on ne reste pas longtemps dans le salon car Jean, devant le pétage de plomb depressif de son fis, décide de l’amener faire la route des vins, avec un chauffeur privé, joué par un Vincent Lacoste cynique et sûr de lui. Ce dernier incarne la génération d’après Bruno et apporte une dimension décalée et oh surprise, touchante à ce road movie pas banal.

Car oui, Delépine et Kervern ont décidé de parler de sentiments, d’amour filial, de deuil, de malheur amoureux mais tout çà avec une tendresse qui vous cueille à des moments inattendus et on n’avait pas mais alors pas du tout l’habitude de cela de leur part. Ils restent certes fidèles à leur humour décalé, le film étant d’ailleurs le plus drôle avec « Louise Michèle« . Mais cette fois ci ils utilisent ces trois excellents acteurs pour nous conter une belle histoire de décrochage, de parenthèse enchantée pour des mecs qui bossent sans compter et dont le travail d’agriculteur leur empêche d’avoir une vie indépendante. Depardieu est incroyable lorsqu’il dégage une délicatesse troublante malgré sa carrure d’ogre maladroit. C’est l’un de ses plus beaux rôles depuis longtemps et çà fait un bien fou pour tout cinéphile qui connait l’animal et ce dont il est capable. Quant à Poelvoorde, son rôle est très beau. Il oscille entre pathétique et comique, son personnage étant brisé, blessé mais lui aussi très touchant.

Et puis tout en rendant hommage à cette France profonde avec un regard bienveillant, Benoît Delépine et Gustave Kervern optent pour des chemins de traverse qu’on leur connait si bien et qui font leur identité de cinéastes. Car la marque de fabrique des deux réalisateurs est aussi de s’inspirer fortement d’Aki Kaurismaki, de scènes parfois surréalistes et drôles voire poétiques. L’absurde fait souvent mouche et déclenche l’hilarité mais c’est la première fois que leur scénario mêle habilement l’ensemble avec autant de cohérence. Autant pour leurs tous premiers films, leurs essais pouvaient sembler trop radicaux pour certains (par pour moi j’ai adoré Aaltra), autant ici cet ingrédient donne au tout une ampleur dont Bertrand Blier n’aurait peut être pas renié le résultat.

Bref, allez voir « Saint Amour« , un film émouvant, drôle, engagé, libre avec le style de plus en plus fluide de deux réalisateurs qu’on a plaisir à voir évoluer et offrir quelquechose de différent à chacun de leurs projets. Respect.

 

N°7 – « Elle » de Paul Verhoeven avec Isabelle Huppert

Voir Paul Verhoeven, revenir à 77 ans, réaliser un film français, 10 ans après son précédent long métrage sorti mondialement, Black Book, c’est en soit un évènement.

Mais ce qui est le plus réjouissant c’est de voir qu’il est très en forme et renoue avec ses thèmes de prédilections, servi par une Isabelle Huppert plus trouble que jamais.

« Elle » est donc l’adaptation du roman « Oh… » de Philippe Djian, sorti en 2012 et prix Interallié. On y suit Michèle, working girl chef d’entreprise, qui dirige une entreprise de jeux vidéos. Elle semble blasée par la vie et très détachées du quotidien, comme de sa vie sentimentale…mais un jour elle se fait violer chez elle par un inconnu qui entre par effraction.

Et parceque l’histoire de son père meurtrier a détruit sa vie et qu’elle a su y faire face et s’en sortir, elle préfère ne pas faire appel à la police et régler elle-même son enquête et sa vengeance.

Verhoeven nous montre une vision du sexe pas banale car dénuée de tout jugement moral et de tout voyeurisme.Verhoeven se fout des conventions et les envoie balader très vite pour mieux se concentrer sur son monstre froid et intriguant qu’est le personnage d’Isabelle Huppert. Cette femme est sulfureuse mais pas antipathique pour autant car on devine ses blessures, ses échecs et le masque qu’elle s’est créée, la distance qu’elle a choisi comme bouclier vis à vis du reste du monde. Elle a vue l’horreur adolescente et le jugement de la foule déchainée, elle a vu l’excès et les barrières morales ont justement cédé.

Les pulsions sont tantôt malsaines, tantôt libératrices, parfois outils de manipulation mais font partie du quotidien des personnages, alors pourquoi les traiter honteusement ? Il préfère les regarder en face et décortiquer leurs incidences psychologiques sur les personnages. C’est provocateur certes mais jamais de mauvais goût. Bien au contraire, il distille de l’humour à des moments où on ne s’y attend pas du tout avec une ironie salvatrice qui donne à ce grand jeu de cache cache une couleur très particulière. On est à la limite de la folie et sur le fil du rasoir en permanence, un certain malaise restant en suspens tout au long du film. Le film nous surprend et joue avec nos prérequis avec un plaisir coupable pour les rebondissements tordus.

Avec ce film dérangeant, grinçant mais comique, satirique et cynique, Paul Verhoeven signe sont grand retour et a annoncé vouloir tourner rapidement un autre long métrage en France. C’est réjouissant car son talent manquait au septième art et il est de retour, enfin !

 

N°6 – « Nocturama » de Bertrand Bonello

Avec ce sujet éminemment casse gueule, Bertrand Bonello revient avec son meilleur film, encore plus abouti que son « Saint Laurent » et son « Apollonide« .

Le film débute par un long ballet de jeunes gens dans les rues et le métro parisien. On pense forcément à Gus Van Sant et son Elephant, puisqu’on suit de manière silencieuse, sans aucun dialogue des personnages sur le point de faire quelque chose de grave. Et pourtant, ils ont des têtes de gamins, ils sont très jeunes. On les verrait plutôt aller en fac qu’aller poser une bombe. Le métro ou les rues sont d’ailleurs filmés sans effets de mise en scène particuliers, de façon ultra réaliste.

C’est juste le découpage et la synchronisation qui font de cette première partie, une mise en scène du pire assez fascinante par la banalité des intervenants et la confrontation au réel. On se dit que ce n’est pas possible, qu’une telle organisation n’est pas millimétrée à ce point par des post-adolescents …et pourtant on réalise peu à peu et bien sur, on pense à tout ce qui est arrivé depuis dix-huit mois en France et en Belgique et on se dit que si, c’est possible et c’est très, très simple.

Bertrand Bonello fait ensuite s’enfermer les personnages dans un grand magasin afin de se faire discrets. Il n’explique pas pourquoi, à aucun moment. Il ne donne aucune indication non plus sur leur mobile. Il ne semble pas religieux. Les jeunes gens se mettent alors à dialoguer. On perçoit quelques ressentis contre la société mais rien de très clair. D’autant qu’ils sont eux-même fashion victimes, acteurs de ce monde consumériste et quelle belle idée que de leur offrir comme lieu de refuge un grand magasin dans lequel ils gouttent à tout avec frénésie. L’une des scènes montre l’un des jeunes avec le même T Shirt Nike qu’un mannequin en face de lui. Il n’y a pas mieux comme image pour résumer ce décalage total entre des jeunes qu’on comprend révolutionnaires et leur absence de logique et de réflexion.

Les personnages peuvent même pour certains provoquer de l’empathie mais elle est suivie rapidement par un effroi terrible, face à leur détermination et leur absence totale de regret, de considération pour les personnes tuées. L’une des filles s’inquiète du nombre de morts provoqué par leurs attentats, ayant fait sauter des bombes non pour tuer mais pour le message…tandis que d’autres n’ont aucune notion de ce qu’ils viennent de commettre, de la valeur d’une vie. Ils ont fait quelque chose d’inédit et c’est plus important que le fond. Tout devient objet dans cet immense univers de consommation et plus rien n’a d’importance. On vient de tuer des agents de sécurité et on joue trois minutes après sur une console en écoutant de la musique à fond. Où est l’intellectualisation de leur mobile. Où est la responsabilité de l’ogre qui engloutit les idéaux pour leur vendre ces consoles ? Nulle part et c’est encore plus effrayant que lorsqu’il y a une revendication, tout aussi inexcusable et condamnable soit elle.

Ces personnages confondent absolument tout et sont donc capables du pire car ils sont en colère et « purs » dans leur criminalité. Mais comme on ne connait pas le message exact et qu’ils n’ont pas l’air de bien le maitriser non plus, le gouffre semble encore plus béant. Qu’est ce qui a déconné à ce point pour que ces gamins se solidarisent autour de ce projet terroriste ? Peut-être rien de très concret, et juste de la manipulation…

C’est donc brillant que de choisir des individus tous mignons, sans revendications ni conscience politique apparente, pour dresser ce portrait de jeunes hors sol qui veulent cesser d’être spectateurs de leur destin et commettent des actes atroces sans aucune conscience.

La mise en scène est bluffante, Bonello choisissant de terminer son film sur une vision opératique de la chute. Sa façon de remontrer une scène sur divers angles à partir du début d’une chanson, est tout simplement l’une des meilleures idées de cinéma depuis longtemps. Ce n’est peut être pas nouveau, mais là c’est ultra efficace.

On suit le mouvement des corps qui fuient, qui tombent, qui ont peur, que sont amenés vers un destin tragique et inévitable. Le ballet reprend alors, mais de façon confinée dans un espace clos qui représente tout ce qu’ils ont voulu détruire, emprisonnés dans ce mausolée alors qu’ils étaient libres de leur mouvement et en plein air lorsqu’ils ont commis l’irréparable. C’est visuellement d’un formalisme qui force le respect.

 

N°5 – « The Neon Demon » de Nicholas Winding Refn

Le retour du réalisateur de « Drive » a de nouveau divisé la croisette à Cannes cette année, comme il l’avait fait avec « Only god forgives » il y a trois ans. Il faut dire que son concept est tout autant basé sur de la pure mise en scène, beaucoup d’esbroufe et une stylisation qui cannibalise parfois le propos. Celles et ceux qui veulent revoir un duplicata de Drive en seront donc pour leurs frais. Refn ne fera peut être plus de film aussi « grand public » et si « Bronson » était très bon et construit, on oublie souvent son « Valhalla Rising, le Guerrier silencieux » qui était bien perché et se foutait des conventions narratives.

Ici avec, « The Neon Demon« , le scénario est tout aussi mince que dans le précèdent opus mais personnellement, je m’en fout. Car Winding Refn est juste brillant dans sa façon de raconter son histoire, de sublimer ses personnages, de créer une tension morbide dans cette histoire parfois lesbienne, parfois un peu gore mais jamais vraiment ultra trash. Ça ne dégouline pas de partout car il veut juste nous exposer sa vision de l’asservissement du corps à une beauté irréaliste définie par quelques grands meneurs d’opinion du milieu. Le culte de la perfection est montré d’une façon si morbide que le film en devient vraiment troublant et marque la rétine de longs jours après son visionnage.

Elle Fanning est excellente en jeune ingénue, pas agaçante pour être tête à claque, pas naïve non plus mais juste qui a la vie devant elle et un charisme tel que rien ne peut lui résister. Et pourtant, elle va se confronter à la jalousie, à l’envie d’autres mannequins, cyniques, frustrées, névrosées.

Winding Refn rend évidemment hommage au cinéma bis de Dario Argento mais surtout se fait énormément plaisir en étant radical dans ses choix. Il se tape complètement de l’accueil critique qu’il va jusqu’au bout de son fantasme. The Neon Demon impressionne par diverses scènes inventives visuellement, dont les codes remplacent bien des dialogues qui seraient tombés à plat. Le film est ultra léché et vous met quelques coups de poing dans la gueule sans vous avertir et c’est excellent comme sensation, d’enfin ne pas se sentir en milieu balisé, dans un style donné de film d’auteur mais bien dans un univers en mouvement. J’imagine d’ailleurs très bien Winding Refn tourner son film sans savoir exactement quelle serait sa fin.

Le film est par ailleurs souvent marrant, bourré de métaphores. Il se déroule de façon si fluide et utilise si bien la froideur de l’imagerie clipesque que son dénouement est d’autant plus glaçant.

« The Neon Demon » est un grand film esthétique sur l’obsession, la paranoïa, la concurrence et la vacuité de nos nouveaux dieux, mannequins éphémères, photoshopés et d’une tristesse sans nom.

Un coup de maitre.

 

N°4 – « Belgica » de Felix Van Groeningen

Après « Alabama Monroe » et « La merditude des choses« , très bien accueillis par la critique et le public, Felix Van Groeningen revient avec l’histoire de deux frères, Jo et Frank, qui vont ouvrir et développer leur propre bar, le « Belgica« .

Ils ont un idéal, celui de créer un lieu de fête, ouvert à tous, multiculturel et baigné dans le rock et l’électro, un endroit qui leur donne un boulot et les empêche de vieillir trop vite.

Frank est père d’un petit garçon et vit avec sa femme mais il s’ennuie, il a du mal à ne pas avoir la bougeotte, cherchant toujours un nouveau projet ; c’est un rêveur, un créatif, mais toujours dans l’excès. Jo est célibataire et fêtard aussi mais il a plutôt le sens des affaires et la tête sur les épaules ; il « grandit » là où son frère reste souvent incontrôlable.

« Belgica » est un film profondément sympathique et festif, l’enthousiasme de la création de ce lieu de perdition étant accompagnée de la bande son de Soulwax. A un moment on se demande si cette ambiance enivrante, cet endroit où on aimerait danser, ne dessert pas le film, qui, dans ses premières 45 minutes reste beaucoup dans le survol de ce décollage des deux frères vers le succès. Et puis Felix Van Groeningen distille peu à peu des indices. La fête permanente se transforme, prend un tour de soirée qu’on a tous connus, lorsque parfois on se dit que la débauche est veine et que la vie est ailleurs. Le réalisateur arrive parfaitement à capter l’évanescence du délire festif, l’anarchie de l’ivresse et l’absence d’accroche à la réalité. On ne construit pas une vie sur une série de beuveries et parfois çà vire à l’enlisement et çà devient moche. Moches aussi les rapports entre ces amis de fiesta qui n’ont pas tous les mêmes principes, les mêmes envies de long terme…et qui se connaissent peu, au final. Moche enfin lorsque l’un des frères sombre dans son côté obscur, ses démons de perdition de sexe et d’alcool, au mépris de ce qu’il a construit, au mépris de ses valeurs de partage et au prix du reniement de ses idéaux pour de l’argent.

Van Groeningen arrive de manière brillante à démontrer comment un rêve professionnel se ternit lorsque la réalité des affaires, de la rentabilité rattrapent les beaux principes et dénaturent le projet d’origine. On passe ainsi d’un film joyeux à la déception du réel pour revenir à ce qui compte le plus, les liens familiaux et amicaux. « Belgica » est un très beau film sur la fratrie. On choisit ses amis mais pas son frère. On doit donc faire avec ses défauts quoiqu’il arrive et trouver le courage d’affronter les démons familiaux là où des amis peuvent rompre de façon irréversible.

Encore un excellent long métrage pour Felix Van Groeningen. Un film bien plus profond que ne le laisse présager son début enchanteur et léger.

« Belgica » est généreux et bienveillant et çà fait beaucoup de bien.

 

 

Et on arrive au trio de tête…

 

N°3 – « Manchester by the sea » de Kenneth Lonergan

Voici donc le bijou de cette fin d’année.

A la mort de son frère ainé d’une crise cardiaque, Lee est désigné tuteur légal de son neveu, qui a 16 ans. Mais Lee n’habite plus dans la ville depuis plusieurs années suite à un drame qui a provoqué la rupture avec femme Randi. Il a d’ailleurs tout quitté et s’est éloigné du Massachusetts mais pas de son frère décédé. Son neveu Patrick l’a toujours admiré mais Lee semble plombé par le passé.

« Manchester by the sea » se situe dans une classe ouvrière du Massachusetts plutôt pauvre, où tout le monde se connait et tout le monde connait l’histoire tragique de Lee. Pour interpréter ce personnage brisé qui laisse très peu transparaitre ses émotions, Casey Affleck était le choix idéal. Il est tout en retenue, déphasé et terriblement touchant lorsque le réalisateur lui autorise l’expression d’un chagrin. Casey Affleck porte le film et trouve son meilleur rôle mais il est accompagné d’un très bon Lucas Hedge, en adolescent pour qui tout semble couler sur lui. Le jeune homme a plusieurs copines, des tas d’amis, il semble impénétrable à tout ce qui lui arrive, comme pour donner le change à cet oncle qui revient dans sa vie tel un fantôme. Les scènes entre les deux acteurs sont d’une grande justesse, ne tombant jamais dans le mélo, le tire larme et conservant une distance qui force le respect et qui amplifie l’impact de cette histoire. C’est celle d’un garçon qui aimerait que son oncle reste, de cet homme qui n’arrive pas à oublier le passé ; c’est surtout l’histoire d’un impossible deuil, d’une vie brisée après laquelle rien ne pourra plus se dérouler normalement.

Le film dure 2h18 et pourtant il se déroule sans peine, par petites touches nouant scènes du passé heureux aux scènes du présent où il faut gérer le décès du frère et la prise en charge de son fils. Kenneth Lonergan prend ainsi le temps de nous faire découvrir pourquoi son personnage principal est si asocial, reclus sur lui-même et solitaire.

La mise en scène est d’une grande sobriété et vous aurez du mal à ne pas retenir vos larmes. Le personnage de Lee est comme mort, congelé comme le froid qui enneige tout le film. Son cœur rebat par petites touches et on doute qu’il ne s’éteigne à nouveau. Mais ne vous attentez pas à un film larmoyant, à un feel good movie, non  « Manchester by the sea » est un film très beau mais très triste tout en conservant une grande classe, celle de la pudeur des personnages. Le film est intense de bout en bout et montre la résilience sous un jour rare au cinéma. Un grand film.

 

N°2 – « Quand on a 17 ans » d’André Téchiné

Le retour d’André Téchiné en aussi grande forme est réjouissant. Il signe avec « Quand on a 17 ans » son meilleur film depuis « Les témoins » sorti en 2007.

Le film s’intéresse aux rapports très conflictuels entre deux adolescents de 17 ans, qui vont évoluer tout au long de l’année scolaire et déboucher sur une histoire d’amour. Aux critiques qui demandent à Téchiné pourquoi il parle d’homosexualité encore une fois, il leur répond qu’ »on voit assez d’histoires hétéros comme çà ».

Mais surtout son film est une très belle histoire de découverte de son identité, plus réussie encore que « Les roseaux sauvages » sortis il y a 22 ans.

La scénariste Céline Sciamma, réalisatrice de Tomboy et Bande de filles, apporte une dimension supplémentaire aux thématiques habituelles de Téchiné. Elle décrit une adolescence d’aujourd’hui et c’est loin d’être évident d’en décrire les contours avec justesse. Téchiné montre ce qu’est une famille dans son quotidien, dans ses malheurs et ses petits bonheurs.  Les classes sociales n’existent pas et il met tout le monde au même niveau, chacun s’entraidant sans se poser de questions. Le film en ressort d’autant plus humain sans tomber dans un quelconque angélisme.

Et puis surtout, il ne se focalise pas que sur le couple de jeunes hommes et donne à son film une respiration via les autres personnages, ceux des parents notamment. En donnant le rôle d’une mère moderne et fantasque à Sandrine Kiberlain, le réalisateur a vu très juste. En effet, cette dernière est parfaite tant dans le comique que la tristesse profonde. Elle est prodigieuse.

Le film ancre l’histoire dans deux contextes familiaux radicalement opposés. L’un vient de la montagne et de la campagne et l’autre de la ville mais cette fracture qui aurait pu s’avérer caricaturale, est au contraire propice à de très beaux moments, illustrant certains comportements lorsqu’un ado se cherche et veut se couper du monde, rester dans le sien.

Et puis cette bienveillance pour ses personnages illumine le film.

« Quand on a 17 ans » est frappé de la grâce des grands films. La simplicité avec lequel il traite de désirs, de violence, d’appartenance, de la peur de l’inconnu quand on a 17 ans, est tout simplement touchante. On y voit deux êtres qui n’ont pas franchi le cap de l’indépendance et n’ont pas conscience de la vie d’adulte, pas encore. Ils ont peur mais sont surs d’eux, ils pourraient déplacer ces montagnes puisque la vie est devant eux. C’est bateau comme affirmation et pourtant dans le film c’est juste très beau, attendrissant même.

Mais ce romanesque n’aurait pu être aussi réussi sans ses deux interprètes, Kacey Mottet Klein et Corentin Fila qu’on retrouvera très probablement.

Ce film plein de vie donne le sourire car il est moderne, subtil, solaire, simple et juste. Merci Monsieur Téchiné. Ceci fait un bien fou.

 

N°1 – « Mademoiselle » de Park-Chan Wook

Park-Chan Wook est l’un des trois grands maitres sud-coréens des quinze dernières années.

« Sympathy for Mr Vengeance », « Lady Vengeance », « Old Boy », « Thirst » et « Stoker » ont jalonné une filmographie sous le signe de la violence.

Avec « Mademoiselle« , il adapte Fingersmith de Sarah Waters, livre qui se déroulait à Londres en 1862 et qu’il transpose en Corée du Sud dans les années 30, en pleine invasion japonaise.

On y suit une jeune femme qui se voit proposer d’escroquer une jeune et riche héritière, quelques peu dérangée à force de vivre reclue dans la propriété familiale dirigée par son oncle tyrannique, également tuteur de cette dernière. Alliée à un escroc se faisant passer pour un comte japonnais, l’objectif est de manipuler la riche héritière et de la déposséder de sa fortune.

Et question manipulation, on peut dire que Park-Chan Wook nous livre un scénario et une mise en scène virtuoses comme il ne l’avait plus fait depuis Old Boy.

C’est tout simplement brillant et jubilatoire ! Les décors sont sublimes, les acteurs excellents, l’histoire perverse est truffée de faux semblants. La seule nouveauté, déjà entamée dans Stoker, est que Park est bien moins violent qu’auparavant. Les personnes réfractaires à ses accès furieux peuvent donc se rassurer, ici rien de tel. Park préfère substituer à cette violence de la simple cruauté.

Le réalisateur fait preuve d’une grande classe dans l’élégance de ses choix formels. Le sexe est très présent ainsi que la relation lesbienne entre les deux personnages féminins. Mais contrairement à « La vie d’Adèle » dont les scènes étaient crues et vulgaires, ici elles sont très sensuelles et donc très réussies.

Le diable se cache dans les détails et le maitre sait en jouer pour mieux nous surprendre et nous manipuler puisque le thème du film est justement la manipulation. On est complice du jeu des personnages et tellement absorbés par l’excellence de la mise en scène qu’on ne voit pas comment Park-Chan Wook pourrait lui même nous faire un tour dont il a le secret. Et pourtant, il nous frappe pile au bon moment et fait de ce « Mademoiselle » l’un de ses meilleurs longs métrages.

Ce thriller envoutant, esthétique, joueur et provocateur doit absolument être vu ! C’est probablement l’un des meilleurs films de l’année et peut être le meilleur.

 

Et le podium 2016 du Blanc Lapin

Enregistrer

Enregistrer

Enregistrer

Les meilleurs films de l’année 2016 du Blanc Lapin : N°20 à N°11

C’est déjà l’heure des bilans et l’année 2016 n’est pas si mal que cela en matière de cinéma. Voici le début du classement 2016 du Blanc Lapin du N°20 au N°11.

 

N°20 – « Moi, Daniel Blake » de Ken Loach

Alors qu’il avait annoncé se retraite il y a trois ans, le pourfendeur de la cause sociale est de retour, à 80 ans, avec la verve intacte, les mots justes. Il s’est fait étrier à Cannes avant de recevoir sa seconde palme d’or pour ce « Moi, Daniel Blake« , jugé trop en deçà par la presse…trop facile, trop attendu, trop gentil, trop caricatural. Et puis comme par magie, ces mêmes critiques changent leur fusil d’épaule à la sortie et encensent le film.

Ce seraient-ils acheté un cœur passé le jeu de massacre cannois?  En tout cas, « Moi, Daniel Blake » est un très bon Ken Loach pour ma part. Oui, il est du côté de ceux qui ne vivent pas la mondialisation du bon côté, pointant du doigt, lourdement mais surement le désengagement de l’état, ce qui est très à la mode en ce moment. Le problème c’est lorsque par une politique qui établit des règles à l’aveugle, on perd tout sens de l’humain, parceque la loi est appliquée à la lettre par des individus qui sont de l’autre côté.

Alors oui, ses personnages sont franchement dans la merde et supers sympas et ils se battent contre des fonctionnaires trop zélés.

Le problème c’est qu’un discours simple et efficace comme celui de Loach, on en voit de moins en moins, comme si la population se résignait et se soumettait à des choses parfois absurdes. Et Ken Loach reste un maitre de l’émotion et de la dénonciation d’abus idiots dans un monde égoïste et violent. Ceci fait tout simplement du bien d’entendre autre chose, un autre son de cloche. On n’est pas obligé d’être d’extrême gauche pour apprécier ce type de film, il faut juste avoir du cœur et pas juste des chiffres et des ratios en tête. Car la pensée unique çà rend con, tout simplement, qu’elle soit de gauche ou de droite. Parfois ce type de film permet de rééquilibrer les dérives idéologiques un peu faciles justement. Et Loach le fait de façon simple, évidente, nous arrachant des larmes de tristesse devant son constat particulièrement sombre.

Son film est épuré de tout effet de style, en colère et pourtant humble et fier. C’est ceci que le jury de Cannes a voulu récompenser mais aussi le parcours d’un maitre du septième art qui n’a jamais perdu de vue un idéal. Et même si on peut être en désaccord avec ses idées politiques, on peut avoir un profond respect pour son combat car il est juste.

Ken Loach nous manquera probablement, sa présence étant salvatrice pour toutes les raisons que j’ai évoquées. Il est indispensable à la diversité de pensée, comme une mauvaise conscience pour toutes celles et ceux qui sont du bon côté, comme moi, et qui se sentent trop peu concernés par cette violence sociale. Un très bon Ken Loach, qui mérite sa palme.

La piste aux Lapins :

 

N°19 – « Réparer les vivants » de Katell Quillévéré

Traiter du don d’organe, du parcours de la famille du donneur à celle de celui ou celle qui est sauvé, est un sujet casse gueule. Plusieurs écueils auraient pu plomber le résultat.

Le pire était le pathos, le fait de s’apitoyer sur le sort de ce jeune homme à qui la vie sourit et qui se trouve fauché alors qu’il n’est même pas majeur. Katell Quillévéré a l’excellente idée de nous le rendre proche et quasi muet, en le suivant durant ses dernières heures de vie et de liberté. Quand les deux parents joués par Emmanuelle Seigner et Kool Shen apprennent la nouvelle et tentent de gérer peu à peu ce qui leur arrive, on est certes pris d’émotion, de compassion mais toujours avec une grande pudeur. Cette dernière vient du fait qu’il est inutile de rentrer dans des explications de texte, on se met à la place de cette famille de façon d’autant plus évidente que la réalisatrice nous a préparé au drame.

Le casting s’étoffe alors d’autres grands acteurs comme Bouli Lanners en chef de clinique méthodique et d’un grand sang froid. Il est professionnel et a l’habitude de voir de telles horreurs. Cette distance du personnage et du métier permet au film lui aussi de ne pas tomber dans la facilité. C’est aussi le cas du reste du personnel hospitalier dont l’excellent Tahar Rahim, dont l’humanité et la distanciation sont elles aussi mêlées avec grande intelligence.

On parcourt ainsi un chemin en même temps que la famille, en suivant de façon quasi documentaire les étapes de la décision.

Mais le film est surtout construit comme un parcours vers la renaissance, celle du personnage d’Anne Dorval, toujours aussi classe que chez Xavier Dolan. Elle se fane tout doucement, entourée de ses fils dont l’un joué par Finnegan Oldfield, qu’on a vu dans le très bon Nocturama en septembre. Alice Taglioni apporte quant à elle l’espoir pour l’après opération. L’opération de greffe est extrêmement détaillée, peut être trop mais c’est le parti pris au final globalement très réussi du film. C’est ce qui lui permet de rester digne et de provoquer des émotions sans à aucun moment s’enliser. Le film est mélancolique et triste certes mais avec toujours cette retenue indispensable. Le sentiment est en permanence celui de passer de la nuit au lever du jour. D’ailleurs, deux scènes se renvoient en miroir ce moment d’éveil, l’un vers la mort et l’autre vers la vie.

C’est un très beau film, à l’émotion subtile , à ne surtout pas louper.

La piste aux Lapins :

 

N°18 – « Comancheria » de David Mackenzie

David Mackenzie, réalisateur de l’excellent « Les poings contre les murs« , revient avec un film très différent bien que centré lui aussi sur un lien familial fort.

On y suit deux frères qui après la mort de leur mère, se mettent à braquer des banques, de nos jours, pour pouvoir racheter leur propriété familiale.

Un ranger qui doit partir prochainement en retraite va tenter de les arrêter avec son adjoint.

Et dans le rôle du ranger, l’immense Jeff Bridges excelle comme d’habitude, en vieux bougon susceptible aux remarques racistes  dans le but de faire enrager et taquiner son adjoint comanche. Il apporte les touches d’humour salvatrices au récit. De l’autre côté, Chris Pine tient la dragée haute au toujours impeccable Ben Foster. Pine trouve enfin un rôle où il n’est pas que le beau blond de service mais un vrai personnage écrit avec soin.

Ben Foster interprète donc ce grand frère qui a tout raté à force de toujours emprunter le chemin de traverse. Il est rude et tendre pour son frère tandis que Chris Pine interprète un père qui tente de rattraper ce qu’il a détruit avec l’alcool.

La relation des deux frères est à la fois pudique et touchante et c’est sans doute la plus belle réussite du film. Ils n’expriment pas leurs sentiments mais çà crève les yeux, ces deux frangins s’adorent mais au Texas on préfère rester des mecs virils et ne jamais tomber dans le sentimentalisme. Les deux ont une revanche à prendre sur la vie mais pas que la leur, celle de leurs parents et grands parents, pauvres de générations en générations, oubliés de l’Amérique.

Il faut dire que David Mackenzie passe de l’enfermement de la prison de son précèdent long métrage aux immensités désertiques du Texas. Les deux braqueurs fuient à travers de splendides paysages, mais ils sont pourtant enfermés dans leur destin tragique, et ils le savent très bien.

Le réalisateur mêle les genres entre road movie, thriller, western mais n’oublie pas de livrer aussi un portrait d’une Amérique profonde exsangue d’activité économique et donc de richesse, très loin des succès story des grandes métropoles.

Le rêve américain est mort et Comancheria tire à bout portant sur son cadavre qui bouge encore un peu.

Un excellent film au ton racé et d’une grande classe.

La piste aux Lapins :

 

N°17 – « Dernier train pour Busan » de Sang-Ho Yeon

Le cinéma sud-coréen est décidément surprenant. De grands maitres ont donné un nouveau souffle au thriller (Park Chan Wook avec Old Boy, Sympathy for Mister vengeance ; Memories of murder de Bong Joon Ho ; A bittersweet life de Kim Jee-woon ; The murderer et the Chaser de Na Hong-jin)

…ou se sont diversifiés vers l’horreur, la SF voire le western (The Host et Mother de Bon Joon Ho ; J’ai rencontré le diable et Le bon, la brute et le cinglé de Kim Jee-woon ; The strangers de Na Hong-jin)…

Sang-Ho Yeon arrive donc avec un film de zombies, « Dernier train pour Busan » et confirme une règle…les suds-coréens savent digérer les références culturelles occidentales et leur donner une tournure nouvelle. Car insuffler de la fraicheur au film de zombies c’est quand même balaise.

Et pourtant, ce « World War Z » asiatique au budget microscopique en comparaison du film avec Brad Pitt, est tout simplement bien meilleur.

Tout d’abord parceque le héros n’en n’est pas un. Il est normal et même très égoïste et coupé du monde de par son travail. La relation qu’il entretient avec sa fille donne au film de la profondeur. Les autres personnages sont eux aussi écrits et s’en trouvent attachants, évitant de tout concentrer sur le héros.

Bien sur, il y a des clichés, tous les clichés du film de zombies…mais le réalisateur dissémine quelques moments de regard inversé de la société assez bien vus, notamment lorsque l’entraide laisse la place au chacun pour soi.

Le confinement dans le train rappelle l’excellent concept du Snowpiercer de Bong Joon Ho, exploitant tous les recoins de cet espace clos pour attiser le suspens et la frayeur. L’inventivité créé la tension.

Les zombies sont hyper rapides et se transforment aussi en à peine une minute, ce qui attribue au film un booster encore plus fort. Les attaques sont bien plus impressionnantes que dans les blockbusters américains. L’une des scènes finales dans la gare et la scène où les passagers s’arrêtent dans une mauvaise gare sont d’un point de vue mise en scène, excellentes de bout en bout.

Et puis le film est sombre, très sombre sur la nature humaine. Pour une fois, le spectateur est violenté tout en étant diverti grâce au sous-texte social. L’acceptation d’un individualisme libéral sans aucune direction permet elle de faire face à un cataclysme imprévu ? La métaphore est belle et fait que la rédemption du héros n’en n’est que plus percutante.

La piste aux Lapins :

 

N°16 – « Frantz » de François Ozon

Avec ce nouveau long métrage, le prolifique et talentueux François Ozon change de style et aborde un sujet très différent de sa filmographie. Il s’intéresse au pardon, à la culpabilité pour des êtres jetés dans la tourmente et la boucherie de 14-18. Il le fait avec un angle d’accroche original par son scénario bien que très classique dans sa mise en images.

Le noir et blanc pour épouser l’époque et le visage très années 20 de Pierre Niney collent parfaitement à cette époque post traumatique où allemands et français vivent chacun dans leur pays en ruine, soulevés par une haine de l’autre qui n’est pas encore retombée, les blessures étant béantes.

Ozon arrive, en racontant l’histoire de cet étrange jeune français venant fleurir la tombe d’un jeune allemand dans sa ville natale, à instaurer un certain mystère. Qu’y avait il entre les deux jeunes gens , Pourquoi cet homme est il si tourmenté, si attaché à un autre jeune garçon tombé au combat ?

La pudeur et la finesse de l’interprétation de la famille allemande y est pour beaucoup, au premier rang desquels Paula Beer, qui illumine le film de sa tristesse mélancolique. On voit le visage à fleur de peau de cette jeune fiancée fauchée dans son futur, s’illuminer peu à peu, reprendre espoir. C’est elle le vrai premier rôle auquel on s’attache en quelques minutes, telle une Romy Schneider des temps modernes, d’une beauté évidente dont on ressent toutes les fêlures à l’intérieur.

Pierre Niney joue peut être un peu trop de façon théâtrale mais ceci ne m’a pas dérangé, car le jeu colle au personnage à la limite de la folie que lui a dessiné Ozon.

Le réalisateur choisit un ton neutre, celui du noir et blanc pour montrer à quel point, l’humain, même au fond du trou, a besoin de se raccrocher à quelquechose, à un espoir de renaissance, même par procuration. Mais il n’oublie pas le rythme de son récit pour nous balloter dans une enquête sur le passé puis sur l’avenir avec déconvenues ou surprises qui font le sel du long métrage.

Il arrive à nous émouvoir avec le plus grand des classicismes dans sa mise en scène, avec un film étonnamment très sage pour cet auteur qui nous avait habitué à surprendre. Mais pourtant, ceci fonctionne car l’histoire est troublante et qu’elle capte un moment de l’histoire qu’on n’a pas si souvent raconté.

Le film est plus dense qu’il n’y parait et porte un message politique très fort. En enfants d’une Europe sans guerres depuis deux à trois générations, nous avons perdu l’habitude de mesurer la force de ce qui a été construit à partir de la moitié du 20ème siècle. Frantz arrive à faire toucher du doigt cet acquis sans le faire avec de gros sabots, juste un peu de poésie, des miroirs entre les deux peuples éreintés et l’universalité de la douleur de pères et mères face à des guerres inutiles.

Ce film pacifiste est aussi celui de la maturité de François Ozon et on ne peut que se réjouir de le voir progresser encore tant le niveau de ses précédents films était déjà excellent. Il signe un film élégant et ample, et atteint une belle sérénité dans sa mise en scène.

La piste aux Lapins :

 

N°15 – « Juste la fin du monde » de Xavier Dolan

Le nouveau Xavier Dolan est l’adaptation de la pièce de Jean-Luc Lagarce, où l’on suit Louis, qui, après 12 ans d’absence, retourne dans sa famille pour annoncer sa mort prochaine.

Avec « Juste la fin du monde« , Xavier Dolan va diviser probablement critique et public là où pour l’instant ses films étaient accueillis avec bienveillance. La raison est assez simple et elle est double. Ce que certains n’aimaient pas dans le côté hystérique de ses personnages, parfois théâtraux, est encore plus affirmé. Il s’agit d’une adaptation de pièce comme Tom à la ferme mais ça se voit davantage car Dolan ne cherche pas à s’éloigner du huit clos familial. Ensuite, les effets de style, la musique et l’aspect clipesque de certaines scènes sont là, toujours là. Et ce style Xavier Dolan agace certains et comme c’est encore plus affirmé, ça va donc saigner.

Au premier abord, je trouve que ces effets de style se voient un peu trop et que les acteurs se voient un peu trop jouer. C’est la raison pour laquelle je n’ai pas été cueilli par la même émotion que sur Mommy par exemple. Ce n’était pas immédiat. La scène finale de Vincent Cassel est trop bigger than life, trop « je suis acteur et je vous fait une démonstration« .

En revanche Marion Cotillard est tout en nuances, d’autant que son personnage finit rarement ses phrases. Le regard transmet alors toute sa soumission par rapport à son mari, son manque de confiance en elle et le fait qu’elle comprend, elle qui est une pièce rapportée à ce petit théâtre familial.

Léa Seydoux assure en petite sœur enfermée dans une petite vie paumée à la campagne et qui rêve d’éclore. D’autant qu’elle a un frère célèbre, frère fantôme qu’elle fantasme en sauveur, en figure paternelle et à qui elle en veut aussi car elle ne comprend pas pourquoi. D’ailleurs l’histoire n’explique jamais la raison principale de cette distance prise par Louis avec sa famille. Qu’est ce qui a déclenché tout cela ? Rien de particulier sans doute et on le comprend au fil de ces retrouvailles chaotiques. Il a tout simplement fui pour vivre sa propre vie, fui parcequ’il avait l’ascendant, le talent, la beauté et qu’il ne voulait pas assumer ce rôle, pas être au centre de leur vie mais de la sienne.

La scène entre Nathalie Baye, qui joue une mère un peu folle, irresponsable en apparence et son fils joué par Gaspard Ulliel, est pour le coup très émouvante. On comprend tout de l’excès de cette mère ogre qui a tenté de combler le vide, d’abord celui du père décédé, et celui de sa jeunesse perdue, puis celui de son fils chéri qui l’a mise à l’écart pour mieux s’épanouir. L’étouffement qu’elle provoque est touchant car on comprend que tous ces personnages comblent un vide et continuent à vivre dans leur village, dans une vie totalement décalée de celle de l’enfant prodige qui n’avait d’autre choix que de partir, pour lui.

Gaspard Ulliel trouve probablement son meilleur rôle avec le Saint Laurent de Bonello. Sa diction, son regard amusé, désabusé, tendre, triste, font du personnage de Louis un quasi fantôme qui revient une dernière fois hanter ses proches. La nuance de son jeu combinée à la manière dont Dolan capte ses moindres réactions font de sa prestation une des réussites majeures du film. Il était important qu’on s’attache à Louis, qu’on comprenne la raison de son départ alors qu’il ne l’explique jamais, lui, l’auteur économe de mots. Chaque phrase est ainsi pesée, et prononcée de telle sorte qu’on scrute le visage filmé en plein cadre, afin de distinguer tout ce qu’il ne dit pas.
« Juste la fin du monde » n’est donc pas un film aussi évident et aimable que les autres films de Xavier Dolan. L’émotion se cherche et peut se heurter à la théâtralité des situations ou le jeu d’un Cassel en surjeu justement. Mais ce décalage et cette cacophonie est volontaire par rapport au personnage central de Louis. La panique s’éprend de cette famille qui n’a jamais compris le départ et pas plus ce retour inopiné. Elle sent que quelquechose de grave est en train d’arriver. Et pour mieux se protéger, tous préfèrent surjouer leurs propres personnages, avec les étiquettes immuables qu’ils se sont distribuées.

« Juste la fin du monde » n’est donc pas un film dont il faut sortir avec un avis tranché. Il se décante, se réfléchit et au final apparait comme un film très ambitieux sur la construction/ déconstruction des rapports familiaux, où la place de chacun est telle que l’absence du plus silencieux mais du plus charismatique peut créer un vide déstructurant. Faites l’effort de ne pas juger le film sur ses apparences car il parle justement de cela, de la théâtralité d’une vie et de la difficile communication d’êtres qui ne se sont pas choisis puisqu’ils sont de la même famille. Et pour le coup, c’est la première fois que Xavier Dolan livre un film à double détente, un film plus mature, auquel on pense plusieurs jours après.

La piste aux Lapins :

 

N°14 – « 99 home » de Ramin Bahrani

« 99 home » ne sort pas au cinéma mais directement en Vod et c’est un scandale !

En effet, il s’agit d’un excellent film sur les conséquences de la crise des subprime, les conséquences humaines désastreuses et l’envers du décors d’une Amérique où on peut réussir facilement et sombrer très profond sans aucun filet.

Le film débute par une scène violente psychologiquement où le très expressif Andrew Garfiel est délogé de chez lui, expulsé avec sa mère et son fils par un agent immobilier sans scrupules, qui est missionné par les banques pour saisir physiquement les biens des emprunteurs surendettés. Il s’enrichit sur le malheur et la misère des autres. Le personnage joué par Michael Shannon est flippant car c’est un cow boy qui veut faire du fric à tout prix, prendre sa revanche sur la vie et marcher sur les autres sans aucun état d’âme.

Pour lui ces maisons rachetées à la casse sont des boites accumulées et les faillites familiales qu’il y a derrière, le fait qu’un vieillard se retrouve à la rue au sens premier du terme, ce n’est pas son problème. C’est un être sans aucune compassion pour son prochain. Si ce rôle est en or pour cet acteur de talent, celui de Garfield est aussi intéressant car il vend son âme au diable pour survivre. On voit toute la cruauté d’un capitalisme sans aucune barrière, sans Etat pour poser des limites. C’est juste la loi de la jungle ou du war west. L’Amérique s’est construite ainsi dit le personnage de Shannon.

On voit tout le cynisme d’un système où les perdants enrichissent ceux là même qui ont provoqué la crise en vendant du crédit à des gens qui n’avaient pas les moyens d’assumer les échéances. Leur excuse se limite à « ils n’avaient qu’à pas s’endetter« …C’est sûr qu’il y a un monde entre la protection légale qui existe en Europe pour informer le consommateur et ce qui s’est passé aux Etats-Unis.

Le rêve américain devient ainsi un cauchemar dans cette Floride ensoleillée. Ramin Bahrani ne fait pas pour autant du Ken Loach ou des mises en scènes déjà vues. Il filme ses personnages comme des félins dans un monde sauvage, avec un scénario jamais démago, aux arguments saisissants.

« 99 home » est un film sur le cynisme du billet vert, sur une Amérique tétanisée par les excès de son système, comme des grands enfants qui auraient joué au Monopoly avec tout ce qui leur appartenait. Le réalisateur pointe tant l’irresponsabilité des emprunteurs que la vision gerbante des promoteurs charognards.

Que le grand prix du 41e Festival de Deauville ne sorte pas en salles est vraiment hallucinant.

La piste aux Lapins :

 

N°13 – « Steve Jobs » de Danny Boyle

Il est assez hallucinant de voir à quel point la promotion de « Steve Jobs » tant aux Etats-Unis qu’en Europe est ratée.

On en entend quasiment pas parler alors que son réunis le réalisateur de Trainspotting, 127 heures, 28 jours plus tard et j’en passe, l’un des meilleurs acteurs au monde en la personne de Michael Fassbender et Aaron Sorkin, le scénariste de l’autre excellent biopic du même genre, « The social Network« .

Il est vrai le film n’est pas facile à vendre et le résultat n’est pas très commercial. D’ailleurs le film rentre à peine dans ses frais niveau box office monde…

Le film est très bavard et son concept est certes excellent mais peut rebuter. Car comment raconter l’histoire d’un entrepreneur de génie qui n’était pas lui même à l’origine des créations mais qui savait juste bien les packager, bien les vendre ? Comment raconter l’histoire d’un type obsédé par le concept et convaincu que c’était le nerf de la guerre et que les créateurs, les vrais, les informaticiens, devaient pédaler derrière pour s’adapter à l’objectif ?

Et bien Aaron Sorkin a eu une idée toute simple. Il a divisé son scénario en trois actes, trois lieux, trois périodes de la vie de Steve Jobs, trois moments où il lançait un produit et faisait un de ses célèbres shows devant la presse. Et pour le coup le film est conceptuel lui aussi ! Quel plus bel hommage ?

Forcément, ce choix radical a dû rebuter un certain public d’autant que le personnage de Steve Jobs est loin d’être sympathique. C’est même plutôt un sale con et çà fait un bien fou de voir un biopic qui ne soit pas consensuel justement, tout comme ne l’était pas The social Network…écrit par Aaron Sorkin…

Michael Fassbender ne ressemble pas du tout au vrai Steve Jobs mais c’est un acteur caméléon et là pour le coup, il est parfait dans le job…ahah…

Danny Boyle use de son talent de monteur pour donner l’impression que chaque séquence est limite un long plan séquence mettant en parallèle l’époque de sa vie précédente.

Le film a le talent de s’intéresser vraiment au personnage, à son asociabilité, sa suffisance, son manque total d’empathie, ses blessures personnelles de petite enfance qui l’ont transformé en cet être dénué de sentiments normaux.

Son incapacité à être père, son obsession à nier sa paternité est au centre du récit car elle explique beaucoup de choses, ses échecs comme ses succès. D’ailleurs, le film remet l’église au milieu du village et rappelle qu’il connu deux monstrueux fours avant de faire décoller Apple avec l’iMac.

Alors était il trop en avance sur son temps et trop ambitieux sur l’évolution technologique lorsqu’il se planta dans les années 80 et fut licencié de la propre entreprise qu’il avait créée ? Ou était il juste trop buté et trop sûr de lui pour assumer le minimum de souplesse nécessaire ? C’est à ces traits de personnalité complexe que le film s’intéresse.

Un tel degré d’exigence et une telle qualité dans le jeu, dans le choix scénaristique et les dialogues sont rares pour une production de cette importance.

La piste aux Lapins :

 

N°12 – « Captain Fantastic » de Matt Ross

« Captain Fantastic » a été vendu à travers les festivals où il a cartonné auprès du public et de la presse, comme un « feel good movie« . Il est vrai que l’histoire de ce père aux valeurs de gauche anti capitalistes, qui élève ses six enfants à la dure, en pleine nature, a de quoi provoquer bien des sourires et des adhésions tant son discours est utopiste. Et pourtant ce serait faire injure à la qualité du film que de le réduire à un slogan marketing alors que c’est une très jolie fable.

Tout d’abord parceque Viggo Mortensen est un formidable acteur, une nouvelle fois excellent. Mais surtout parceque le film aborde des thématiques bien plus profondes qu’un message altermondialiste vu et revu. On y parle donc d’utopie et de la confrontation de cette dernière au monde d’aujourd’hui, aux désidératas d’adolescents qui doivent chacun trouver leur chemin.

Le long métrage aborde donc frontalement les limites du militantisme actif, des choix radicaux de s’exclure de la société d’aujourd’hui, sans les juger ni dans un sens ni dans un autre, avec juste un regard bienveillant sur ces êtres attachants tout comme sur ce grand père matérialiste mais plus ancré dans cette réalité qui a uniformisé le monde.

Le film a ce souffle de l’innocence, cette tendresse pour ses personnages, cet humour premier degré qui fait du bien car il est loin du cynisme dont nous sommes tellement habitués depuis deux décennies.

Et puis surtout, « Captain Fantastic » est très émouvant et vous cueille à des moments attendus et pourtant, çà marche. Est ce que c’est cliché ? Et bien pas forcément, non, car le naturel et la simplicité de l’histoire désarçonnent à bien des moments. Et surtout le film ne porte pas de jugement moralisateur ou de conclusions définitives. Il ouvre des fenêtres et c’est cette générosité sur le monde qui le rend troublant.

On a peur pour ces personnages lunaires et marginaux car ils sont totalement hors sol et pourtant si irrésistiblement attachants. Ils ont en partie compris le sens de la vie en communauté mais cette théorie ne tient pas la confrontation. Et c’est ce qui fait la préciosité de ce récit, cette capacité à faire toucher du doigt un mode de vie parfois risible et parfois enviable tout en emportant une adhésion de tout instant.

Captain Fantastic est un film lumineux à voir de toute urgence.

La piste aux Lapins :

 

N°11 – « Star Wars Rogue One » de Gareth Edwards

Voici donc le 1er spin off de la saga Star Wars, Disney ayant décidé de rentabiliser l’achat de Lucas Film en lançant entre chaque épisodes des deux nouvelles trilogies en cours, un film se situant à un moment de l’histoire officielle et s’intéressant à d’autres personnages que les Skywalker. Pas de Jedi et d’enjeux de filiation ici mais l’histoire d’une bande de rebelles décidés à voler les plans de l’étoile noire pour permettre à la résistance de détruire ensuite cet engin de mort. Le film se situe donc avant « Un Nouvel espoir« , le quatrième épisode et 1er historique.

Et le moins qu’on puisse dire c’est que le film est excellent alors qu’on pouvait craindre une simple démarche commerciale et que les reshoots nombreux opérés cet été sur le film pouvaient grandement rendre dubitatifs sur le résultat.

On ne connaitra jamais l’ampleur effective des scènes retournées à la hâte mais le film a clairement une identité à part entière dans la galaxie Stars Wars tout en étant un film de la saga. Comme pour le septième épisode sorti l’an dernier, le féminisme est assumé avec une héroïne emblématique. Félicity Jones est de tous les plans et elle assure grave face à un casting de tout premier plan avec Ben Mendelson en grand méchant, Diego Luna, Mads Mikkelsen, Riz Ahmed ou Forest Whitaker. Il est évident que le casting aide à incarner ces personnages ultra tendus dans une galaxie où l’Empire est sur le point d’écraser la rébellion.

Le robot K-2SO est un des personnages les plus réussis, et non un faire valoir comique. Un certain personnage de la trilogie originelle est de retour, de façon totalement inattendue puisqu’on ne voyait pas comment le faire revenir et bien sûr Dark Vador is back ! Alors certes, il a très peu de scènes mais ceci suffit à assurer le fan service.

Globalement le film est très tendu et c’est avant tout un film de guerre, sans l’humour potache qu’on peut trouver dans d’autres Star Wars, c’est sombre voire même très sombre. Le film est crasseux et montre un monde totalement dominé par l’Empire, où les rebelles ont du s’adapter à la violence de leurs ennemis et oublier certains de leurs principes. Cette idée est excellente car elle donne de l’humain et de l’attachement immédiat aux personnages. Or cette complexité là faisait défaut au Réveil de la force.

Ce choix scénaristique qu’on n’attendait pas de Disney rassure et donne au film une très belle ampleur. Le dernier quart d’heure fait décoller le film, déjà d’excellente facture, parmi les meilleurs de la Saga, juste après L’empire conte attaque et Un Nouvel Espoir. Tous les ingrédients des meilleurs opus sont là, y compris des enjeux dramaturgiques simples et forts. Rogue One est donc non seulement une excellente surprise et satisfera tous les fans mais c’est surtout le signe que Disney a choisi de respecter religieusement l’univers en question et de se fixer des objectifs de plus en plus haut, et çà, c’est très très rassurant. La saga Star Wars retrouve le souffle et se renouvelle.

La piste aux Lapins :

 

La suite des 10 premiers films 2016 dans quelques jours…

Enregistrer

Les meilleurs films 2015 du Blanc Lapin : Partie 2 – N°10 à N°1

Voici la suite et fin du classement de mes films préférés de cette année 2015…après la première partie que vous pouvez retrouver ici.

 

N°10 – « Strictly Criminal » de Scott Cooper avec Johnny Depp

Après 15 ans de perdition totale dans des rôles où il se caricaturait, Johnny Depp revient à son meilleur.

Car on l’oublie un peu mais Depp est l’un des meilleurs acteurs de sa carrière, une carrière qui débuta par Tim Burton à son époque inspirée, le magnifique « Dead Man » de Jim Jarmusch, le génial « Las Vegas Parano » de Terry Gilliam, Emir Kusturica et son très beau « Arizona dream« …bref, un temps où Depp ne jouait ni pour le fric avant tout ni pour faire marrer ses gamins en se travestissant jusqu’à ne plus jouer que le même rôle incessant et agaçant, fatiguant. Quel gâchis…

Il aura fallu donc que Scott Cooper, excellent réalisateur de « Crazy Heart » et « Les brasiers de la colère » s’attaque à l’un des criminels psychopathes les plus terribles du crime organisé des années 70 et 80 pour que Depp rejaillisse. Alors certes, il est grimé une fois de plus mais bon, Marlon Brando avait assuré un retour fracassant en son temps en parrain de Francis Ford Coppola. La comparaison s’arrête là car « Stricty criminal » n’atteint pas ce niveau. Mais le film est très bon et surtout, il donne une image différente de ces rues de gangsters que Scorsese ou Brian De Palma ont immortalisées.

Johnny Depp incarne donc James «Whitey» Bulger, petit mafieux de Boston qui va prospérer en devenant informateur du FBI via un de ses « amis » d’enfance, John Connolly, joué par un Joel Edgerton tout en beaufitude et cynisme mêlés.

Depp est glaçant avec ses lentilles bleu-grises et son teint blafard. Il évolue tel un vampire manipulateur, capable d’une violence extrême à tout moment. Seuls trois personnes comptent, sa mère, son frère sénateur joué par le toujours parfait Benedict Cumberbatch, et son petit garçon. Le reste ne compte pas. Ou tout du moins le reste ce sont les affaires et les façons de les mener, par la peur. Comme si son humanité se limitait à trois personnes et peut être une cause, l’indépendance irlandaise. A part cela, le reste des humains sont des pions. Il incarne le crime organisé « personnifié » comme le dit l’un des personnages. Et c’est l’un des meilleurs rôles de Johnny Depp, assurément.

Et puis Scott Cooper est juste ultra doué. Le travail de reconstitution par son équipe du Boston des seventies est excellent. La mise en scène est tendue, brusque.

Espérons maintenant que Depp se ressaisisse avec d’autres projets de ce type. En tout cas, ce « Strictly Criminal » est une grande réussite.

 

N°9 – « Star Wars, Le réveil de la force » de JJ. Abrams

Enfin, çà y est, je l’ai vu. Que dire d’un film dont on a tout dit depuis 2 ans et l’annonce du projet de suite à la plus célèbre saga de space opéra du septième art ? Que dire du retour du casting iconique qui a bercé notre enfance ou adolescence selon l’âge auquel on a découvert la première trilogie historique ?

Kathleen Kennedy, directrice de LucasFilm après avoir été une star de la production hollywoodienne auprès de Steven Spielberg, a réussi son pari.

Elle réuni le scénariste de « L’Empire Contre Attaque » et « Le retour du Jedi« , Lawrence Kasdan, et JJ. Abrams, cinéaste très doué dans le blockbuster mais qui manque de personnalité. Et au final, Abrams se révèle un bon choix car il est fan absolu de Star Wars et qu’il sait faire du neuf avec du vieux et respecter un univers tout en le faisant évoluer. Il l’a prouvé avec Star Trek…Et pour le coup c’est ce qu’il fallait.

La production n’a cessé de vouloir rassurer les fans, leur expliquer qu’ils avaient compris pourquoi la prélogie très contestée des années 2000 n’avait pas plu, revenir à plus d’effets spéciaux classiques, par des vrais déguisements et maquillages, des vraies maquettes et du numérique plus discret. De même le tournage s’est effectué en pellicule. C’est le premier succès artistique du film. L’univers croqué est bien celui qu’on avait laissé, il est crédible, cohérent, un peu old school parfois mais c’est çà Star Wars !

Le second succès tient à la passation de génération qui s’effectue avec une grande fluidité, faisant revenir Chewbaca, Han Solo, Leia et tous les autres mais en respectant un très bel équilibre pour que la nostalgie prenne avec nos vieux héros laissés en 1983, il y a 32 ans, dans cet univers très très loin, et les nouveaux personnages dont chaque caractère a le temps d’être travaillé. Harrison Ford est LE héros de ce premier film, l’emblème de la saga et le plus émouvant est de le voir jouer un Han Solo abimé certes par le temps mais toujours aussi cynique et dilettante. Daisy Ridley, John Boyega et Oscar Isaac assurent la relève avec brio.

Et puis il y avait une lacune atroce dans la prélogie, c’était l’absence de méchant d’envergure. C’est peut être la déception du film. Le général Hux joué par Domhnall Gleeson, est classique, et le capitaine plasma du Nouvel ordre joué par Gwendoline Christie (Games of Thrones), n’a aucun intérêt. Rayon gentils, on ne voit pas non plus pourquoi avoir embauché le très grand Max von Sydow, dont le rôle n’est pas clair et inutile…

Autre déception, le méchant Leader Snoke, sorte de Palpatine, joué par Andy Serkis en motion capture (Gollum, César dans « La planète des Singes« ). Le design du personnage est décevant.

Concernant le « remplaçant » de Dark Vador, c’est beaucoup mieux. Le personnage de Kylo Ren est joué par Adam Driver, un jeune et très bon acteur. Son visage est ambigu et sied très bien le personnage et d’ailleurs on voit son visage, ce qui est une très bonne idée.

Ici, le personnage est un méchant en construction, ce qui laisse présager des idées scénaristiques passionnantes par la suite. Il est imposant comme un Vador mais perd en mystère, certes, mais du coup on est certain de ne pas revivre exactement le même scénario puisque la production choisit de raconter beaucoup de choses sur lui. Un méchant complexe, c’est ce qui aide de nombreux films à décoller et c’est ici un atout majeur, bien entendu.

Star Wars reste une grande saga familiale, ponctuée de batailles spatiales, de combats au sabre laser et le film met au premier plan un jeune noir et une jeune femme ! C’est généreux, souvent drôle, bourré de clins d’œils. Respect !

La mythologie Star Wars est donc relancée avec un très bon film et une fin des plus réussies, la meilleure des sept films, assurément. Il n’était pas du tout gagné d’arriver à trouver l’alchimie de la trilogie d’origine. Très beau résultat que ce retour aux sources salvateur !

 

N°8 – « Birdman » d’Alejandro González Iñárritu

J’attend ce nouveau long métrage du mexicain depuis l’annonce que j’avais faite de son casting il y’a deux ans. Il faut dire que l’idée de prendre Michael Keaton, ex Batman de Tim Burton, pour jouer un ex acteur « super-héros », has been qui tente de relancer sa carrière à Broadway, c’est juste génial.

Ensuite voir Alejandro González Iñárritu prendre un vrai risque et délaisser son cinéma sombre (Babel, Amours chiennes, 21 grammes) pour une comédie ne pouvait qu’exciter votre dévoué blanc lapin.

Après il y’a eu l’accueil triomphal au festival de Venise jusqu’à ses quatre oscars la semaine dernière.

Le film est en effet une réussite même si certains reprocheront à Iñárritu ce qu’on lui assène à chaque fois, à savoir son manque de retenue, son côté bourrin et bigger than life. C’est vrai qu’il en fait des caisses. C’est vrai que l’idée de tourner uniquement en longs plans séquences peut faire poseur mais moi j’adore car le film est généreux. Il est certes monté pour récolter des prix avec sa thématique et ses acteurs tous excellents mais pourquoi bouder son plaisir ?

Edward Norton n’a pas été aussi bon et présent depuis des lustres, Naomi Watts est parfaite en écorchée et Michael Keaton trouve le rôle de sa vie, à mi chemin entre introspection personnelle et fiction. Il est juste excellent de bout en bout. Iñárritu va donc se moquer du milieu du show bizz, des critiques de théâtre élitistes qui préfèrent mettre tout Hollywood dans un sac d’égocentriques enfants-gâtés plutôt que de leur laisser une chance. Il nous parle aussi de la difficulté de survivre dans ce métier d’acteur où tout le monde s’adore en apparence mais où tout le monde est concurrent. Keaton incarne donc cet être qui a pété les plombs plus jeune en atteignant les sommets de la gloire puis qui a subi une chute d’Icare, et enchainé une carrière peu reluisante jusqu’à avoir la cinquantaine et être au pied du mur. La blessure narcissique du personnage est vraiment belle à contempler. Il tente de se refaire en montant une pièce dont il sera le rôle titre et qui lui permettra de prouver qu’il sait jouer. Ou comment se défaire de l’étiquette du rôle de sa vie que lui colle encore le public 20 ans après ? Birdman parle de tous ces acteurs emprisonnés par un succès et qui n’arrivent jamais à s’en sortir par le haut, plantant toute leur carrière ainsi que leur vie familiale. On y voit tout l’égocentrisme d’un homme qui a voulu retrouver sa flamme et qui pour cela a gâché sa vie personnelle, sa vie de père, jusqu’à perdre toute identité.

L’utilisation d’effets spéciaux en plein film d’auteur est aussi quelquechose de particulier dans le long métrage. Elle permet de coller parfaitement au personnage et à l’imprégnation mentale de son double à l’écran, celui qui lui a permis de s’envoler et qui fait que si il redécolle, il ne souhaitera surtout plus jamais revivre l’abandon du public et les affres de la descente aux enfers. La poésie côtoie le surréalisme de certaines scènes avec jubilation. Ce personnage est à la fois touchant et insupportable. C’est un type centré sur lui mais d’une telle solitude qu’on finit par s’attacher. Iñárritu le ridiculise pour mieux le suivre de plus près, avec toute la force du plan séquence qui nous met dans l’esprit que la vie est un théâtre continu où le combat est permanent.

Le film est drôle, souvent cynique, parfois dingo, d’une grande maitrise technique et toujours surprenant. On pourrait même dire qu’il est baroque et parfois agaçant mais c’est ce qui fait que le film est très bon. Ce regard de l’intérieur des coulisses d’un théâtre est une intrusion au cœur d’un univers barré et composé d’êtres très particuliers…un cirque d’égos délirants et touchants à la fois.

Alejandro González Iñárritu a signé un film formellement brillant, audacieux, une leçon de cinéma, aidé par un casting à hauteur d’un sujet fort. Un vraie grande réussite et la récompense d’un beau pari de mise en scène.

 

N°7 – « La tête haute » d’Emmanuelle Bercot

Avec « La tête haute », Emmanuelle Bercot signe un film magistral sur les fonctionnaires qui ont pour mission de tenter de recadrer et donner un sens à la vie d’enfants élevés dans des conditions si difficiles, qu’ils sont beaucoup trop violent pour susciter quelque espoir.

On va suivre Malony, interprété de façon très juste par le jeune Rod Paradot, gamin de 16 ans tête brulée qui ne maitrise pas sa colère, s’avère analphabète et a très peu suivi le parcours éducatif tellement son cas était difficile. Comment ramener un être sauvage dans un droit chemin qui lui permette au moins d’avancer et de ne pas se couper tous les ponts ? Comment instaurer un contact et tout doucement lui faire comprendre que c’est pour son bien et avant tout pour lui que les mesures de protection, de mises en centres fermés, sont nécessaires.

Benoit Magimel interprète un éducateur humain mais blessé et fragile pour avoir connu un parcours lui même compliqué. C’est sans doute l’un des plus beaux rôles de Magimel et l’un très grandes forces du film. La grande Catherine Deneuve joue quant à elle la juge des mineurs, tiraillée entre son humanité et les choix qu’elle doit rendre pour le bien de la société, l’adolescent étant parfois dangereux et toujours imprévisible. Elle est impériale.

Bercot choisit de filmer une histoire des plus crédibles, avec toute la dureté qu’on connait dans son écriture mais aussi des élans de tendresses extrêmement pudiques qui permettent au film d’atteindre de hauts sommets d’émotions. Ce n’est pas parceque son film est parfois raide quand traduit le fonctionnement de la justice ou d’un système éducatif spécialisé normé, qu’elle oublie d’y ajouter le jugement propres de ces hommes et femmes qui luttent contre des enfants mutilant leur avenir sans réflexion aucune. C’est une belle déclaration d’admiration à ces métiers qui font honneur à la république.

Ce drame bouleversant est surtout solaire car il tire de l’espoir de situation très sombres, d’impasses impossibles à franchir. Cette mise en scène âpre aidée par un jeu de comédiens d’une très grande justesse feront sans nul doute de ce film l’un des grandes réussites de l’année.

 

N°6 – « Mia Madre » de Nanni Moretti

Quinze ans après sa palme d’or pour « La Chambre du fils« , Nanni Moretti signe son film le plus émouvant et peut être bien son meilleur film, tout simplement.

Margherita est réalisatrice, elle tourne son nouveau film, social dont l’un des rôles sera tenu par un célèbre acteur américain, joué par John Turturro. Mais sa mère est hospitalisée. Avec son frère, joué par Moretti lui-même, ils tentent de gérer  le quotidien de leur mère, lui s’étant mis en disponibilité pour s’occuper d’elle et Margherita essayant de gérer sa mère, son plateau, son ex et sa fille adolescente.

On sent dans ce récit de l’accompagnement d’une mère vers la fin, beaucoup de l’histoire personnelle de Nanni Moretti et du décès de sa propre mère. Mais en choisissant de faire de la fille une réalisatrice, il prend un certain recul par rapport à son histoire. Il nous raconte ainsi cette séparation par la mort avec un regard bienveillant et moqueur par rapport à lui-même, à ses obsessions professionnelles. Surtout on y voit un superbe hommage à sa mère à travers les yeux des autres. La pudeur du récit force le respect, le film ne tombe à aucun moment dans le pathos, toujours avec un ton juste.

L’actrice principale, Margherita Buy, incarne cette femme de 50 ans tout en nuances. Dévorée par les doutes ou la peine, elle est de quasiment tous les plans et elle crève l’écran.

Le rapport de chacun des enfants à cette mère, ex professeur, qui aime la vie et s’avère curieuse de tout, ne pourra que vous émouvoir. Le film est d’une grande sobriété, parfois il est même très drôle et burlesque grâce aux scènes de Turturro.

Nanni Moretti sait si bien nous cueillir avec des situations simples, dans lesquelles chacun peut se reconnaitre, qu’il nous livre un film vraiment bouleversant. C’est un film pour dire adieu à sa mère, accepter l’inéluctable, pour une femme qui a vécu, fait son temps et que la vieillesse et la mort rattrapent comme elle rattrapera tout le monde.  En soit, le film est assez tendre et préfère montrer les lueurs de vie que de tomber dans le morbide. Le fait que le film soit solaire accentue bien évidemment l’émotion générale. Mais il ne s’arrête pas là et parle de son Italie à lui, comme dans toute sa filmographie, et toujours avec un petit regard cynique et distancié.

Chose inhabituelle il me semble, Moretti use des rêves ou de la figuration des pensées pour décrire les angoisses ou des souvenirs, et c’est plutôt très réussi. Ce procédé facilite la mise en abime de l’intériorité du personnage principal.

« Mia Madre » est émouvant, drôle, social et marquera la filmographie de Nanni Moretti. C’est aussi l’un des plus beaux films de 2016.

 

N°5 – « Le Fils de Saul » de László Nemes

Les films traitant de l’extermination juive sont assez rares et la plupart du temps des documentaires, au premier rang desquels figurent les deux piliers fondateurs du devoir de mémoire, « Shoa » de Claude Lanzmann et « Nuit et Brouillard » d’Alain Resnais.

Côté film de fiction, c’est plus compliqué. On pense à « La vie est belle » de Benigni ou « La liste de Schindler » mais l’histoire ne se situait pas dans un camp d’extermination.

Alors pour filmer une cruauté complexe à montrer à l’écran, László Nemes fait un choix de mise en scène simple. Il va filmer Saul en gros plan et laisser l’horreur se dérouler autour de lui en arrière plan, en filmant les corps certes, mais sans insister, souvent hors champs, par pudeur. De même les victimes n’ont pas de visages, afin d’éviter tout pathos.

Cette histoire de juif chargé d’accompagner les victimes à la chambre à gaz puis de ramasser les corps, les empiler, nettoyer …est évidemment un moyen habile d’entrer dans le cauchemar et de ne pas rester aux portes du camps. László Nemes nous montre aussi les fours crématoires, les cendres, les habits délaissés, l’industrialisation de ces meurtres de masse, l’individu devenant une unité mais tout çà, vous le savez déjà. Vous le savez mais c’est bien une piqure de rappel. C’est important de ne pas laisser l’oubli avaler cet épisode hallucinant de l’histoire ni de laisser les professionnels du match de génocides, réduire cette destruction de vies à un complot ou un détournement du réel. Le plus effroyable est de constater que les racines du mal sont toujours là et qu’elles repoussent toujours.

« Le fils de Saul » demande évidemment un certain effort par son thème, son absence totale d’échappatoire (contrairement au Benigni ou au Spielberg). Ce n’est pas un film moralisateur ni qui fait pleurer. C’est sec, factuel, effroyable et c’est probablement le meilleur moyen d’utiliser la fiction de façon intelligente sur l’extermination. Saul ne prononce quasiment aucun mot. Il est juste brutalisé chaque minute et ne tient qu’à l’instinct de survie, jusqu’à ce qu’il trouve une raison de retrouver une dignité humaine. En voulant honorer un mort, un enfant qu’il pense être le sien et qui ne l’est pas forcément, il s’accroche à ce qui a été un semblant d’humanité dans une vie antérieure.

Grand prix du Jury du festival de Cannes 2015, ce cinéaste hongrois entre de façon fracassante parmi les réalisateurs à suivre. Certes le sujet ne peut que toucher mais c’est bien sa mise en scène radicale, cet étouffement qu’il arrive à créer qui fait que son film mérite d’être vu. Il faut un grand talent pour traiter du sujet et en sortir indemne, sans voyeurisme, pour montrer l’horreur sans qu’elle soit frontale, ce qui est encore plus marquant.

 

N°4 – « A Most Violent Year » de J. C. Chandor

L’histoire se déroule en 1981 à New York et suit le destin d’un homme ayant monté sa boite dans le commerce du pétrole mais dont l’ambition fait des envieux, qui tentent par tous moyens de l’empêcher de se développer.

Le troisième film de J. C. Chandor est son meilleur mais il aborde une thématique qui traverse ses trois premières œuvres. Dans « Margin Call« , avec Kevin Spacey, des traders essayaient de sauver leur peau, la veille de l’explosion de la bulle financière de 2007, dans « All is lost« , Robert Redford tentait de survivre seul en plein océan indien, alors que la coque de son bateau était percée, en pleine tempête.

Ici le personnage d’Oscar Isaac tente de garder son calme et d’encaisser les coups bas de ses concurrents, faisant face à l’adversité avec fierté et courage.  J. C. Chandor aime les personnages confrontés à une crise majeure, un danger imminent et comment ces derniers réagissent, gardent leur sang froid et arrivent à surpasser leurs peurs et leurs doutes.

Le long métrage est d’autant plus original et intéressant que des films ou la mafia gangrénait New York, on en a vu des tonnes. Mais New York filmé comme cela, dans ses petits quartiers périphériques, dans ce petit milieu des transporteurs, des petits entrepreneurs, c’est plus rare. Et puis surtout, J. C. Chandor s’intéresse à un homme profondément honnête, avec une morale, un état d’esprit, une ligne de conduite qu’il suit malgré les tentatives de corruption, de déstabilisation par la violence de ses concurrents.

Oscar Isaac est au demeurant excellent comme d’habitude et d’une très grande classe. Son jeu est sobre, tout en retenue. On comprend le plaisir qu’il a de retrouver Jessica Chastain, avec qui il a fait ses classes et suivi ses cours de jeune acteur de théâtre il y a dix ans. Leur complémentarité à l’écran fait mouche et Jessica Chastain confirme qu’elle est l’actrice hollywoodienne qui monte.

Ce film est majeur pour la connivence parfois inévitable qu’il montre entre capitalisme sauvage et corruption voire criminalité. Certes, l’Amérique permet à un immigrant de partir de zéro et de construire un empire mais ces liens douteux de castes entre puissants et pègre, peuvent à tout moment couper la tête des nouveaux entrants. Le film est un thriller sans aucune longueur, avec de la substance, du fonds et un personnage très attachant. La complexité du récit est parfaitement bien gérée, le réalisateur ayant non seulement l’ambition de présenter un récit tout en nuances, mais réussissant à ce qu’il ne stagne jamais, là où il aurait pu plonger dans une rhétorique confuse ou démonstrative. Les films noirs sont en fait assez rarement originaux, avec un tel souffle, une atmosphère aussi bien taillée sur mesure.

J. C. Chandor voit le rêve américain vu comme un cauchemar hypocrite. Il prend le soin de développer son analyse avec une fausse lenteur, compensée par une montée progressive de l’émotion et des enjeux. Il est tout simplement un grand metteur en scène. L’éthique et la manipulation sont de très bons thèmes pour ce jeune réalisateur (à peine 40 ans) et donneront lieu par la suite, je l’espère, à d’autres pépites comme cet excellent « A most violent Year« .

 

N°3 – « Kingsman : Services secrets » de Matthew Vaughn

Je n’attendais pas « Kingsman » spécialement. Pourtant Matthew Vaughn a réalisé l’excellent « Stardust » et surtout le « X Men, le commencement« , avec brio.

Sa collaboration avec Bryan Singer sur la franchise X men avant qu’il ne le laisse la reprendre, a peut être été bénéfique.

En effet j’étais dubitatif sur le fait qu’il ne poursuive pas l’aventure X men après ce succès mérité. Le projet en lui même me faisait beaucoup trop penser à « Kick Ass« , son autre adaptation de Mark Millar, que j’avais détestée. Le film était faussement badass, faussement trash, les persos étaient transparents et la cool attitude générale m’avait sérieusement gonflé puisque derrière j’y avais vu un trou béant.

Et bien avec « Kingsman », c’est très très différent. C’est même l’inverse.

Tout d’abord parceque Colin Firth est un acteur génial, qu’il a une classe folle et qu’il est idéal dans un rôle d’agent secret. Ensuite parceque Samuel L. Jackson est aussi excellent et que même si il cabotine, il le fait hyper bien. Si on ajoute Mark Strong, Michael Caine et le ptit nouveau, Taron Egerton, qui assure grave, déjà, le casting est au top.

Ensuite le film joue avec les codes de James Bond avec un humour violent, délirant, trash, décomplexé mais qui fait mouche. Ce second degré sied tout simplement aux personnages et à l’univers qui nous est décrit.

Enfin et surtout, Matthew Vaughn n’a pas lésiné sur des effets spécieux excellents et sur un élément un peu important…le scénario !

Là où celui de Kick Ass était franchement mauvais, celui ci réserve des surprises et perd donc le spectateur. Ce qui aurait pu être une comédie fadasse devient alors au contraire un film d’action comique, 10ème degré mais extrêmement cruel. Il mélange les genres, introduit du Tarantino fou dans du film d’espionnage avec un humour un peu con. Le résultat est élégant, jouissif et désinvolte.

J’ai juste vu un film super fun, à l’univers ultra référencé bourré de clins d’œils et politiquement très incorrect…et vous savez quoi, ben j’ai aimé ! Étonnant non ?

Un divertissement pop et jouissif de haute tenue.

 

N°2 – « Youth » de Paolo Sorrentino avec Michael Caine et Harvey Keitel

Paolo Sorrentino a loupé de peu la palme d’Or il y a deux ans avec « La Grande Bellezza« , et on peut légitimement se demander si en la ratant avec ce petit bijou en 2015, il ne va pas subir la malédiction de certains grands réalisateurs comme Pedro Almodovar, jamais récompensés.

En tout cas l’Italie a trouvé un nouveau maitre qui redort ses lettres de noblesses, faisant des clins d’oeils à peine voilés à Fellini et Francesco Rosi tout en développant son propre style.

On va donc suivre avec « Youth » deux amis de 60 ans, qui approchent des 80 ans et passent au même moment des congés dans un hôtel luxueux des Alpes, où se côtoient des stars du foot, du cinéma et de très riches clients.

L’un, joué par Michael Caine, est maestro. Il n’exerce plus depuis de nombreuses années et se refuse à diriger de nouveau un orchestre malgré les appels de la Reine d’Angleterre. L’autre, joué par Harvey Keitel, est un cinéaste qui cherche avec son équipe de scénaristes à boucler l’écriture de son dernier film, celui qu’il laissera en testament.

Le duo d’acteurs que Sorrentino a eu la géniale idée de réunir, plane très très haut. Ces grands messieurs du septième art que sont Michael Caine et Harvey Keitel ont trouvé un superbe film pour briller de tout leur talent. Le respect est total pour ces deux carrières sans fautes. Bien entendu, le culte qui se cache derrière ces deux acteurs rend d’autant plus crédible à l’écran leur rôle de vieil artiste reconnu.

Ensuite le film va traiter de nombreux sujets avec une grande simplicité, dans la pureté des paysages alpins, avec un humour toujours subtil. Il est l’heure des bilans sur la carrière et la vie professionnelle des deux personnages, ne sachant pas vraiment quoi faire à présent, comment prendre le dernier virage avant la fin. La fille de l’un lui envoie dans la tronche son égoisme froid et distancié, l’actrice fétiche de l’autre le fait qu’il décline artistiquement en même temps que physiquement. Paolo Sorrentino nous parle aussi d’amitié, sur la très longue durée, des regrets, des trahisons, du sentiment curieux de ces octogénaires qui n’ont plus d’avenir et qui se rendent compte qu’ils ont consommé tous leurs crédits. Les deux ont eu de belles vies mais que faire à présent ?

Comme dans « Les fraises sauvages » d’Ingmar Bergman, les discussions sont nombreuses mais ici Sorrentno introduit divers personnages pour donner le change. Paul Dano est excellent en star de ciné Indé tandis que Rachel Weisz est subtile en femme et fille blessée.

Et puis la réalisation est ultra léchée, Sorrentino se permettant des scènes oniriques pour illustrer l’état d’esprit de ses protagonistes. Ceci peux sembler too much et trop « m’as tu vu? » dans un film d’auteur. C’est juste moderne et poétique. Et surtout très inspiré…

« Youth » est une claque d’émotion qu’on se prend en pleine face car c’est un très bel hymne à la passion pour un art, à la création comme pivot d’une vie, vecteur d’espoir et de dignité. Le film est lumineux, ensoleillé malgré son sujet dépressif. Et puis cet humour caustique permet à l’ensemble d’insuffler un charme salvateur à l’histoire.

Paolo Sorrentino a eu raison d’être ambitieux dans son sujet. Il nous livre l’un des plus beaux longs métrages de cette année.

 

N°1 – « Mad Max Fury Road » de Georges Miller

Enfin, voici ce film culte que j’attendais depuis 10 ans ! La production fut difficile, reportée maintes fois mais c’est avec grande classe que Georges Miller revient 30 ans après son troisième Mad Max pour nous livrer une quatrième aventure de son héros.

La première idée géniale est de conter une aventure qui pourrait se suffire à elle même, puisqu’on connaît Max, inutile de ressituer le contexte. D’ailleurs Tom Hardy est immédiatement crédible en homme qui a perdu tout espoir en l’humanité et qui ne fait que survivre. L’absence de Mel Gibson et son remplacement se passent avec une facilité déconcertante. Il faut dire que Tom Hardy doit dire trois phrases durant tout le film.

Et c’est là où Miller nous explose les rétines et nous montre qu’il est un maitre du film d’action. Son scénario tient sur un ticket de métro et pourtant, le film est halletant et fascinant du début à la fin. Il choisit son méchant de Mad Max 1 pour incarner Immortal Joe, un gourou dictateur qui a la main mise sur un réservoir d’eau naturelle mais qui se meurt et tente de se projeter via la naissance d’un fils valide. Il a créé une secte dont il est le dieu vivant et dont les jeunes War Boys sont des fous au cerveau lavé depuis l’enfance, prêts à sacrifier leur vie pour un hypothétique Valhalla qu’il leur a vendu. L’après civilisation que Georges Miller nous donne à voir est non seulement originale et barbare mais elle s’inscrit dans la mythologie post apocalyptique qu’il a lui même créée début les années 80…le tout est cohérent et nouveau en même temps. Or Miller a inspiré une bonne part de la SF, ciné, bd et mangas quand il s’agit d’imaginer des mondes où l’humain est redevenu une bête sans règles et sans morale. Bref, le boss est de retour…

Troisième bonne idée, il fait de son film une œuvre féministe à bien des niveaux dont le rôle principal à égalité avec Mad Max, est celui de Furiosa, interprétée avec brio, desespoir et classe par Charlize Theron. Il ajoute un troisième rôle inspiré de War Boy perdu avec Nicholas Hoult, qui donne à l’ensemble une touche naïve de rédemption et d’espoir bienvenue.

Et puis le film est un concept, celui d’une longue course poursuite quasi ininterrompue de 2h où Georges Miller, ses équipes et ses comédiens vont nous livrer un spectacle pyrotechnique hahurissant, qu’on ne peut plus voir au cinéma de nos jours car tout est en images de synthèses, là où lui choisit de vraies cascades. Et pour le coup, çà se voit à l’écran, c’est matériel et très très impressionnant. C’est comme si le cirque du soleil nous livrait un show adulte et violent. Le sens du détail des scènes d’actions, la mise en scène furieuse de ce réalisateur de 70 ans, qui a réalisé au final très peu de films, m’a juste coupé le souffle. C’est beau de voir une telle arlésienne de cinéma arriver enfin sur les écrans et dépasser tous les espoirs. Le film est bien meilleur que les trois premiers Mad Max, il va plus loin, son univers est plus cohérent, les effets spéciaux ont évidemment évolués, le casting est plus riche. Je n’ai pas vu de film d’action aussi brillant depuis de nombreuses années.

Et je me suis juste pris une putain de claque de cinéma !

Assister à la renaissance spectaculaire d’un mythe c’est un vrai bonheur.

Vous devez courir voir Mad Max Fury Road ! Abandonnez ce que vous êtes en train de faire et trouvez la première séance près de chez vous !

 

LE CLASSEMENT 2015

 

Pour remonter le temps du Blanc Lapin…

Et pour celles et ceux qui cherchent un film à voir en streaming ou VOD, je vous invite à consulter mes classements des meilleurs films des années précédentes !

 

Année 2009 (cliquez-ici pour le détail complet)

 

Année 2010 (cliquez ici (15 à 10) et ici (9 à 1) pour le détail complet)

 

Année 2011 (cliquez ici (15 à 8) et ici (7 à 1) pour le détail complet)

 

Année 2012 (cliquez ici (15 à 8) et ici (7 à 1) pour le détail complet)

 

Année 2013 (cliquez ici (20 à 11) et ici (10 à 1) pour le détail complet)

 

Année 2014 (cliquez ici (20 à 11) et ici (10 à 1) pour le détail complet)

 

Les meilleurs films de l’année 2015 du Blanc Lapin – Partie 1 : N°20 à 11

Exercice délicat chaque année mais pour la 7ème fois, voici le classement des films préférés par votre blanc lapin cette année…avec du N°20 à 11…

 

N°20 – « Lost River » de Ryan Gosling

Pour son premier film en tant que réalisateur, Ryan Gosling a choisi d’être extrêmement ambitieux au niveau de sa mise en scène et de sa bande-originale, s’inspirant très fortement des réalisateurs avec qui il a travaillé dont Derek Cianfrance (« The place Beyond the pines« ) ou Nicolas Winding Refn (« Drive« , « Only God Forgives« ).

Cianfrance lui a inspiré la caméra naturaliste qui suit ses protagonistes perdus et paumés dans un quart monde imaginaire et Winding Refn l’esthétisation à outrance et la BO qui va bien, même très bien tout au long du film.

Celles et ceux qui ont détesté l’absence de scénario de « Only god forgives« , sachez le…vous détesterez « Lost river ». Vous le trouverez poseur, vous estimerez qu’il en fait trop, que ses images sont trop léchées, trop belles et qu’il n’ y a pas suffisamment de didactisme.

Moi personnellement j’ai beaucoup apprécié cet effort et je ne l’ai point trouvé élitiste ni démonstratif, juste exigeant. J’aime les films axés sur de la pure mise en scène. Un film peut être réussi avec une histoire des plus simplistes. Or ici c’est le cas. Ryan Gosling instaure un climax pesant au cours d’une première heure qui peut sembler longue pour qui veut voir une histoire balisée. Puis le film décolle avec une poésie morbide.

La violence et le ridicule voire le grotesque côtoient un léger brin de mystérieux, enrobés par les flammes de ces maisons en pleine nuit. C’est beau et pas seulement une démonstration. Le cinéma c’est cela aussi. C’est oser sortir des sentiers battus, c’est oser des choix jusque boutistes et ne pas tomber dans la facilité. Et ce n’est pas de la facilité que de sortir de belles images, de beaux rythmes, un bel enchevêtrement de scènes parfois envoutantes et cauchemardesques. C’est du talent, tout simplement.

Bien sûr le film n’est pas parfait, les personnages auraient pu être plus poussés mais pour un premier film c’est très encourageant. La confusion du récit du début fait preuve de liberté mais sous l’emprise de très bons réalisateurs pour l’inspirer. Visuellement réussi et original, la fascination qu’il provoque reste longtemps dans la rétine. Allié à un récit plus construit, Gosling peut se faire un nom dans la mise en scène.

 

N°19 – « Le Grand jeu » de Nicolas Pariser

Avec ce premier film en forme de thriller politique, Nicolas  Pariser livre une œuvre par bien aspects impressionnante de maitrise.

Bien sûr, Pariser a eu l’intelligence de réunir un excellent casting avec Melvil Poupaud, André Dussollier, Clémence Poésy ou encore Sophie Cattani.

Il a su parfaitement les diriger et utiliser les qualités propres à chaque acteur pour donner une densité à chaque personnage, très bien écrit.

Il va donc mêler un écrivain qui n’a pas supporté son succès d’il y a 15 ans et s’est isolé du monde, à un complot politique dont le maitre d’œuvre est joué par un André Dussolier, dans un rôle délicieux de manipulation.

L’étrangeté et le calme de Clémence Poésy tout comme l’attitude douce amer de l’exe du héros, jouée par Sophie Cattani, permettent au long métrage de ne pas être sec et de se trouver ballotté entre le désenchantement du personnage principal et la possibilité d’un futur puisqu’il a connu un passé heureux.

Melvil Poupaud, trop rare sur nos écrans, est à nouveau parfait dans sa prestation, aidé par des dialogues assez rarement aussi bien écrits.

Le film a beaucoup de charme alors qu’il nous parle des lendemains qui chantent, de désillusions qui peuvent tourner au cauchemar.

Le grand jeu parle du système politique cynique comme de la cohérence entre des idéaux et la mise en pratique de ces derniers.

Le film manque peut être de tension parfois et aurait mérité quelques rebondissement plus dans la veine du genre. On regrette parfois que tout un pan de l’histoire semble se passer hors champs.

Disons que le suspense n’est pas assez fort mais que le jeu d’acteur, le fond des dialogues et la mise en scène rattrapent en bonne partie cette lacune volontaire probablement.

Il n’en demeure pas moins que « Le Grand jeu » est un film élégant vivement conseillé par votre blanc lapin préféré.

 

N°18 – « Knight of Cups » de Terrence Malick

Je suis un grand fan de Terrence Malick, cet auteur culte qui se cache derrière « Les moissons du ciel« , « Badlands« , « La ligne rouge » et « Le nouveau monde« , quatre bijoux d’onirisme, d’ode à la vie…puis le maitre a pris un tournant dans sa carrière avec « Tree of life« , qui fut récompensé de la palme d’Or. J’ai beaucoup aimé le film avec Brad Pitt malgré l’absence totale de dialogues, Malick décidant d’opter exclusivement pour une voix off exprimant les tourments et pensées des personnages sur des images perchées exprimant tant leurs émotions que des émerveillements du cinéastes sur la filiation, la passation d’une génération à l’autre etc…Il poursuit avec « A la merveille » et un Ben Affleck muet et là pour le coup je décroche complet car le film est encore plus radical, détruisant encore plus le lien narratif entre les époques de la vie d’un homme infidèle.

Avec « Knight of Cups« , Malick retrouve Christian Bale mais n’abandonne pas ce nouveau style qui semble lui convenir même si il peut perdre le spectateur et rendre son propos parfois autiste et reclus sur ses propres réflexions. C’est dommage car sa mise en scène est somptueuse et son choix artistique trop radical. Il n’invite pas le public à entrer dans ses ressentis de la vie car justement, les personnages ne s’expriment qu’en voix off par bribes de phrases ou de réflexions. C’est donc décousu et il convient de s’accrocher pour suivre, recomposer le lien volontairement mis de côté. Le film étant chronologique, l’effort n’est pas considérable mais il existe tout de même.

Quant aux réflexions du cinéaste, on en loupe forcément puisqu’il ne les exprime pas par des mots et des pensées constituées autour d’un argumentaire. Il est donc vite possible de décrocher. D’autant que le film peut paraître long parfois. Pourtant, pourtant, malgré ces remarques, le film a quelquechose de fascinant. Je ne peux m’empêcher de me dire que je l’ai vu à un moment où je n’étais pas disponible pour voir ce type de film. C’est sensuel, sensitif et brillant par les thèmes abordés sans aspect démonstratif mais juste avec des scènes de vies où Chistian Bale est de tous les plans mais n’exprime aucun mot de sa bouche. On devine juste dans quel univers il évolue et quels sont les dispositions des autres personnages voire ce qu’ils ont du vivre pour en arriver là. C’est un film sur un homme en perdition de repères. Et c’est ce choix d’illustration radical qui nous montre un Christian Bale évoluant comme un étranger au milieu de sa famille, de fêtes somptueuses et décadentes, d’un Las Vegas de stripteaseuse ou tout simplement en pleine nature. On ne comprend pas tout et c’est frustrant. Mais le montage de Malick, le foisonnement d’images de toute beauté dont urbaines (ce qui est nouveau), font de « Knight of Cups » un récit déroutant par sa splendeur et sa prise de hauteur.

C’est donc compliqué de noter ou critiquer un tel film. J’ai plutôt adhéré au concept, été happé par la virtuosié hypnotique de Terrence Malick mais j’ai été aussi sorti du film à plusieurs reprises par manque de narration et besoin qu’on m’aide à y retourner. J’aimerais déjà revoir le film et surtout que Malick revienne davantage à un cinéma plus classique pour moi, simple blanc lapin, qui n’ait pas les chakras suffisamment ouverts pour tout percevoir d’un coup d’un seul. « Knight of Cups » est un film énigmatique et une expérience sensorielle déroutante.

 

N°17 – « Sicario » de Denis Villeneuve

Denis Villeneuve s’est imposé comme l’un des grands réalisateurs à suivre avec le superbe « Incendies« , le très bon thriller « Prisoners » et s’apprête à réaliser la suite de « Blade Runner« , ce qui rassure sur ce projet.

Avec Sicario, il s’intéresse à un membre un FBI jouée par une Emily Blunt au visage énigmatique,  qui va être recrutée dans un groupe d’intervention du gouvernement américain ayant pour mission de faire tomber un baron mexicain de la drogue, à tout prix, quelles que soient les méthodes utilisées.

Le film se veut réaliste et premier degré d’où certaines scènes violentes et qui paradoxalement sont du fait des agents du gouvernement et non des narcos trafiquant. On les voit dans l’action là où l’horreur des représailles des narcos se voit par des images furtives des victimes ou tout simplement par un personnage qui raconte comment ils se vengent, un peu ce que Ridley Scott avait adopté dans « Cartel » comme méthode. La violence de la description des assassinats est souvent plus traumatisante car elle laisse deviner et imaginer et s’en avère plus effroyable encore.

Bien entendu, Benicio Del Toro traine avec souplesse son énorme carcasse de félin et imprègne le film de son talent. C’est un personnage sombre dont la dualité le rend dangereux à tout moment. Le personnage est taillé pour lui et arrive à donner un visage humain aux narcos comme aux repentis mais aussi à expliquer la spirale infernale de ces milieux de fous.

Alors j’ai entendu beaucoup de gens me dire que le thème les emmerdait et que des tas de films avaient été faits sur le sujet. Oui, mais tout est question de latent et celui de Denis Villeneuve est très grand. Il embrasse son histoire comme un film d’action aux enjeux moraux vraiment intéressants. Jusqu’où aller pour faire tomber l’ennemi, faut il aller jusqu’à adopter se propres métopes ou faut il s’arrêter avant et comment juger de la limite ?

Villeneuve est virtuose dans sa mise en scène avec pour exemple cette scène où il fait d’une ville mexicaine un monstre en la regardant du haut du ciel et en faisant s’y immerger un ballet de véhicules des forces spéciales, qui partent dans l’inconnu et le danger total.

Il filme le crépuscule et l’abime morale dans laquelle il faut plonger pour trouver ces narco trafiquants et les détruire. Un très bon film.

 

N°16 – « Foxcatcher » de Bennett Miller avec Channing Tatum et Steve Carell

Le plus flippant dans ce film du réalisateur de « Truman Capote », c’est qu’il est tiré d’une histoire vraie. Un milliardaire se prend de passion pour la lutte et décide de débaucher deux frères champions toute catégories et de fonder une école puis remporter les Jeux Olympiques;

Prix de la mise en scène lors du dernier festival de Cannes 2014, le film de Bennett Miller est d’une maitrise formelle implacable. Sa mise en scène sobre, tout en retenue voir froide et distanciée, va permettre d’instaurer un cadre idéal à l’évolution du drame.

Steve Carell, transformé et à 1000 lieues de ses rôles comiques, impressionne dans son rôle de grand frustré, qui a raté sa vie personnelle, dans l’ombre de sa mère, et décide d’utiliser son pouvoir et son argent pour tordre le cou à la réalité. Sa mégalomanie, son besoin de revanche sur les autres, de prouver à sa mère qu’il est autre qu’un héritier chanceux, font du personnage un être terrifiant. Il ne parle que très peu, énigmatique, son regard est insondable et son comportement parfois flippant. C’est l’histoire d’un médiocre qui utilise son argent pour assouvir ses phantasmes de gloire et son patriotisme délirant. Le désir d’un puissant qui n’a que son argent comme atout est terrible. Le risque qu’il détruise ce qu’il n’obtient pas, ce qu’il ne possède pas, va accompagner tout le long métrage, comme un danger qui se tapit dans l’ombre.

Le film nous surprend par son évolution, faussement linéaire, son calme, qui sous tend une explosion possible à tout moment de l’un des protagonistes. Channing Tatum ajoute un autre rôle intéressant à sa carrière et prouve qu’il a l’intelligence de vouloir la construire avec soin. Il devient l’objet manipulé d’un monstre froid.

Mais plutôt que de détailler de façon didactique la psychologie des personnages, Bennett Miller préfère des silences. Le climax du film est étouffant, baigné de silences pour mieux exacerber l’isolement progressif et la perte de repère du personnage de Channing Tatum.

Le film se fait oppressant et inquiétant, sans pour autant distiller de rebondissements classiques du thriller. Cette tension atypique, confrontée à une mise en scène d’apparence classique, donne une tonalité vraiment originale.

« Foxcatcher » parle de liberté et du prix qu’on est prêt à y mettre pour la sacrifier.

Une excellente expérience

 

N°15 – « Loin de la foule déchaînée » de Thomas Vinterberg

Revenu de 10 ans de manque d’inspiration criant, l’auteur du chef d’œuvre « Festen« , signe une troisième réussite d’affilée après les sombres mais très réussis « Submarino » et « La Chasse« .

Et lui qui nous avait habitué à du super sobre, on peut dire qu’il change radicalement de style, tout en conservant la grande pudeur qui caractérise sa mise en scène.

Thomas Vinterberg adapte donc le célèbre roman de Thomas Hardy, qui se déroule à l’époque victorienne, dans une campagne anglaise où une jeune héritière va se faire courtiser par trois hommes en même temps, trois hommes issus de milieux différents.

Le personnage est troublant car il est indépendant et d’un caractère déterminé dans un monde d’hommes, surtout pour gérer une grande ferme. Carey Mulligan est parfaite comme d’habitude, son physique fragile donnant d’autant plus de nuance et de trouble à son caractère indécis. C’est qu’en fait cette femme ne sait pas trop qui elle veut comme époux et si elle souhaite se marier. Elle est très en avance sur les mœurs et n’hésites pas à faire attendre ses prétendants, sans aucun jeu ou manipulation, juste parcequ’elle ne sait pas, et qu’elle déteste qu’on la force. Face à elle, les excellents Matthias Schoenaerts et Michael Sheen crèvent l’écran de leur désirs enfouis, de la solitude qui ravage leur âme, de leur patience et de leur chevalerie.

Le film est une grande tragédie classique et Thomas Vinterberg nous sort tous ses talents de mise en scène pour livrer de superbes scènes de campagne, aux couleurs nuancées selon les saisons. Le travail sur la lumière est admirable. La pudeur qui se dégage de ces histoires de personnages brisés ne sachant pas comment provoquer l’étincelle, fait de « Loin de la foule déchainée » un film hors du temps. Il aurait pu être réalisé il y a 20 ans comme dans dix. Mais il faut suffisamment d’esprit et de finesse de la psychologie des personnages pour les diriger avec un résultat aussi émouvant. Car oui, Vinterberg a beau être froid et aimer les situations déprimantes, il trouve toujours ce qu’il y a de beau dans l’humain pour donner une touche d’espoir à chacun de ses films.

Et lorsque il s’attaque à du romanesque, ceci donne un film d’une grande maitrise formelle et d’une émotion contenue mais vive à souhait. Un bel émoi flamboyant en sortant de la séance.

 

N°14- « Dheepan » de Jacques Audiard

On a beaucoup critiqué cette Palme d’or attribuée au plus grand cinéaste français actuel. On lui a reproché d’être réactionnaire par sa vision étriquée de la banlieue française, montrée à travers le seul prisme de gangsters ultra violents. Il est vrai que cette histoire de réfugiés politiques fuyant le Sri Lanka et se retrouvant dans un autreenfer peut surprendre, d’autant que la vision de l’intégration en Grande-Bretagne y est montrée de façon idyllique…

Mais ces reproches, si ils peuvent se comprendre en partie, ont tout de même un goût très politique et oublient deux éléments importants du choix de Jacques Audiard. Tout d’abord Audiard dévoile un film noir se situant dans un contexte bien particulier et n’a aucune ambition de dresser un portait complet des visages de la banlieue. Et ces critiques sont assez insultantes à l’égard de l’intelligence du spectateur et d’Audiard lui-même. Nous avons tout de même assez de recul pour resituer l’histoire. Cette image pourrait conforter des électeurs extrémistes dans leur vision apocalyptique du terrain banlieusard…peut être…après on ne peut pas toujours contrôler la connerie. Si ces derniers sont assez idiots pour résumer banlieue à chaos, et bien comment dire, pauvres d’eux mêmes !

Plus intéressante est l’actualité dans laquelle le film sort, en plein drame des réfugiés. Le hasard des calendriers est terrible et le film est intéressant parcequ’il montre ce qu’offre l’intégration à la française. La petite fille apprend grâce à l’école et s’intègre plus facilement que ses « faux » parents à qui on n’offre pas grand chose pour s’en sortir. Le film s’intéresse au repli identitaire, difficile à contourner lorsque la langue ne peut pas être maitrisée. Et puis surtout, en faisant débarquer en France une famille de toc de trois personnes ne se connaissant pas, Audiard ne choisit pas l’angélisme et donne corps à une histoire parfois bouleversante, de trois individus sans aucune racine, étrangers entre eux dans leur propre refuge, devant à la fois s’adapter à un pays et se découvrir entre eux.

Et puis Audiard prend la tangente et passe au thriller…le tout donne un résultat curieux, pas son meilleur film mais un très bon résultat tout de même.

Le film est parfois violent mais pourtant il se dégage de Dheepan quelquechose de plus doux que dans les autres films d’Audiard, amorcé dans « De Rouille et d’Os ». On assiste à la construction d’une relation amoureuse au fil d’un récit tantôt film social, tantôt film noir. Cette alternance fait du long métrage un objet fragile, souvent plus maladroit mais aussi plus aimable que de plus grands films d’Audiard.

 

N°13 – « Mission impossible : Rogue Nation » de Christopher McQuarrie

Tom Cruise gère sa franchise depuis 20  ans déjà avec une régularité de métronome, utilisant le retour à « Mission impossible » quand sa carrière flanche un peu, les films ayant tous plutôt bien fonctionné au box office. Mais là où son souhait d’avoir recours à de très bon réalisateurs était louable, l’expérience de Brian De Palma puis de John Woo ne fut pas des plus mémorables. Le matériau d’origine de la série Tv était bien trop éloigné et le caractère égocentré sur Tom Cruise avait quelque chose de gênant, malgré l’indéniable efficacité des scènes d’actions. Les deux volets suivants de JJ Abrams et Brad Bird intégraient de nouveaux seconds rôles avec Simon Pegg puis Jeremy Renner, Ving Rhames étant le seul rescapé du premier volet de De palma.

Et en voyant ce Rogue Nation, on se dit que c’est de qui manquait à la franchise, l’élèment clé de la série Tv, une équipe « Mission impossible », soudée et donc de l’affect là où il y en avait bien moins précédemment. Ceci humanise le personnage d’Ethan Hunt et en même temps le rend plus faible, dépendant de ses co-équipiers et moins omniprésent.

C’est ce qui différencie aussi la franchise d’un James Bond vers lequel les films lorgent de plus en plus, même si 007 a aussi quelques repères à travers Q, M et Moneypenny. Et c’est là le second grand compliment à faire à ce cinquième volet. Il n’a nullement à rougir des meilleurs James Bond, y compris du méga succès Skyfall il y a trois ans.

Le film présente davantage de scènes comiques que par le passé. Il se dote de deux éléments majeur à la réussite d’un film d’action, un méchant charismatique et qui n’est pas binaire à travers  Sean Harris et une présence féminine qui ne soit pas un faire valoir potiche avec l’excellente Rebecca Ferguson. Cette dernière est l’égale de Hunt au féminin et bluffe nos agents à bien des reprises, donnant une touche inédite à la franchise.

Evidemment les scènes d’actions sont impressionnantes à bien des reprises, et Tom Cruise inspire le respect du fait des cascades qu’il assure seul dans la plupart des cas. Comme d’habitude me direz-vous…si ce n’est que Tom a 53 ans et que çà ne se voit pas, du tout. Les poursuites sont rudes, les combats bien virils et violents tout en restant réalistes. Ajoutez à cela un scénario de faux-semblants malins et vous serez forcément conquis.

La mise en scène de Christopher McQuarrie est fluide et ne tombe jamais dans une version clipesque et hystérique souvent vue en cas d’accumulation de scènes d’action. Le déroulé de l’histoire est limpide et laisse justement des scènes parlées faire respirer le long métrage entre deux morceaux de bravoure.

Bref, « Mission impossible » est une leçon d’équilibre entre action, scénario à rebondissements malins, personnages de caractères contrebalançant Tom Cruise, suspense permanent. Le retour aux codes de la série « Mission impossible » donne une identité renforcée au film par rapports aux nombreux autres films d’espionnage.

C’est un excellent divertissement et de très loin le meilleur opus des cinq films. Le respect du travail bien fait et donc du spectateur se ressent à tous les niveaux.

Ce n’est pas baclé, çà ne se repose pas sur ses lauriers et surtout, la franchise se remet en cause et c’est très très frais comme sentiment.

 

N°12 – « Un pigeon perché sur une branche philosophait sur l’existence » de Roy Andersson

A 72 ans, le suédois Roy Andersson, rare au cinéma, termine sa trilogie entamée avec « Chansons du deuxième étage » il y a 15 ans.

Et tout en respectant son style singulier inimitable, il remporta le lion d’or à Venise en septembre 2014 !

Andersson va comme à l’accoutumée nous présenter une série de saynètes, de tableaux dans lesquelles des personnages évoluent dans un plan à la fois fixe et plan séquence, souvent avec une mine blafarde atroce. La mise en scène est si particulière qu’elle devient un personnage du film et donne aux rebondissement une amplification comique bienvenue.

Car oui, Roy Andersson, c’est drôle, très drôle même. Son humour noir et son cynisme décortiquent les sentiments généraux qui traversent l’être humain mis dans certaines situations. Il les observe de loin comme dans un tableau de maitre et l’impression en sortant du film est d’avoir vu des tableaux vivants. A chaque scène, vous vous attachez au cadre et au décors dont le moindre détail est pensé. Certes le film peut paraître lent du fait du style même d’Andersson mais l’enchainement des scènes évite en général cet écueil. Ces dernières sont liées entre elle par deux personnages, vendeurs pathétiques de farces et attrapes.

Et puis le film s’assombrit peu à peu pour devenir cruel et sans concessions sur les limites de l’humanité et l’atrocité dans laquelle des hommes en groupe ou en castes peuvent tomber. Le pathétique, l’absurde côtoient ces vies sans panache, sans courage, sans objet et c’est jouissif car Roy Andersson ne les condamne pas, il les observe juste de façon détachée et distante. Le surréalisme vient même mélanger les époques pour mieux faire ressortir l’intemporalité de certaines sentiments humains.

Et puis surtout, Roy Andersson c’est un cinéma original, vraiment différent de tout ce que vous voyez, on est loin du film social, du film Marvel, du film de guerre, d’un genre quel qu’il soit puisque ce style n’existe que chez lui ! L’artiste risquant de ne plus tourner (il a réalisé 5 films dans toute sa carrière), vous seriez inspirés de tenter la visite de son musée décalé…

 

N°11 – « Vice Versa » de Pete Doctor

Cela fait de nombreuses années que Pixar ne nous émerveille plus, jouant sur des suites inférieures à leurs succès passés, si l’on met à part « Toy Story 3« .

Or tout ce qui a fait du studio un électron libre résidait dans l’originalité de ses scénari, l’inventivité créatrice de ces concepts et l’approche du public à la fois adulte et tournée vers les enfants, chacun y trouvant son compte. Cet universalisme bluffait bien souvent car il ne sacrifiait pas la qualité artistique du résultat à l’exigence de ses histoires, abordant des thèmes novateurs pour l’animation, et ne se contentant pas d’innover techniquement.

Alors forcément, « Vice Versa » fait du bien. L’idée fait penser à « Il était une fois la vie« , série animée des années 80, avec une touche bien personnelle. On va donc suivre les émotions d’une petite-fille, que sont Joie, Tristesse, Peur, Colère et Dégoût. Le début du film est très drôle comme au meilleur de Monstres et Compagnie avec ces personnages hauts en couleur et l’interaction de leurs fonctions stéréotypées avec les agissements de l’enfant. Mais tout le talent des magiciens de Pixar et de nous montrer l’évolution du personnage, de voir la petite fille grandir au grès des aventures de Joie et Tristesse, expliquant comment les sentiments vont se complexifier et interagir entre eux. Le long métrage regorge de très bonnes idées et de personnages attachants comme l’ami imaginaire.

Et puis comme souvent, Pete Doctor n’hésite pas à distiller de la mélancolie au milieu d’un film pour enfants voire même parler de dépression chez une gamine, sujet pour le coup jamais abordé dans un film d’animation. Sur cet aspect, « Vice Versa » frappe fort car expliquer la construction d’une identité et le mode opératoire de la sélection des souvenirs pour y arriver, relève d’un sacré défi ! Tout en restant ludique…

J’ai juste eu un petit sentiment de déception dû probablement à deux facteurs. Le premier réside dans les personnages et les situations plus enfantines que d’autres Pixar comme « Là Haut » ou « Wall E« …le second est lié à la longueur du périple de Joie et Tristesse dans le Cortex de l’enfant. En effet, les liens entre l’environnement de la petite fille et son intérieur sont peut être moins fréquents, laissant passer une baisse de rythme du film, qui avait débuté très fort. Cependant ce serait bouder son plaisir que de ne pas reconnaitre que « Vice Versa » est une belle réussite du studio, à voir sans hésitation car ils sont de retour et en grande forme ! Tant visuellement qu’en terme d’émotions mêlées, le film fait mouche à bien des égards dans ce récit initiatique de l’intérieur.

 

Et dans quelques jours, vous aurez la suite, à savoir les 10 premiers…

Les meilleurs films 2014 du Blanc Lapin – Partie 2 – N°10 à N°1

Suite et fin du classement du Blanc Lapin des films préférés 2014…

Alors alors, qui squate le podium cette année ?

Etes vous d’accord avec ce jugement toujours contestable ?

On commence…

 

N°10 – « The double » de Richard Ayoade avec Jesse Eisenberg, Mia Wasikowska

Quatre ans après le remarqué « Submarine« , Richard Ayoade revient avec une adaptation du second livre de Dostoïevski, « Le double ».

Le Jacob du livre s’appelle désormais Simon et l’histoire est transposée dans une société très kafkaïenne là où le livre se situe en russie. C’est donc l’histoire d’un jeune homme timide, qui travaille pour une entreprise dirigée par un Général lointain et tout puissant. Simon est invisible, effacé et son travail n’est pas respecté. Il tombe amoureux d’une jeune femme, jouée par Mia Wasikowska, étrangère à son charme car de charme, il n’en n’a pas. Cette absence totale de charisme et de caractère va se confronter violemment à un autre jeune homme qui surgit dans son quotidien et dans son entreprise. Sauf que ce garçon est son double parfait. Personne ne semble se préoccuper ou se rendre compte qu’ils sont sosies. Au contraire, l’autre fait l’unanimité rapidement, il est enjoué, volontaire, drôle, roublard. Il se permet même de l’utiliser et de reprendre son travail à son compte, à plaire à sa place, à gravir les échelons à sa place, à être celui qu’il aurait pu être avec une autre personnalité, à prendre sa place.

La métaphore est non seulement filmée telle quelle mais avec des choix de mise en scène qui donnent au film une patine ressemblant fort à « Brazil » de Terry Gilliam, le non sens et la profonde depression de cet univers étant en effets très proches. Il y’a pire comme référence. Or Richard Ayoade ne se plante jamais dans ces emprunts donc Gilliam aurait du mal à rejeter l’héritage.

Jesse Eisenberg confirme quant à lui qu’il est l’un des plus talentueux acteurs parmi les trentenaires hollywoodiens. Son visage enfantin et naif peut tout aussi bien verser dans le cynisme qu’on décelait déjà dans « The social Network« . Sa double partition est excellente car elle ne vire dans l’excès d’aucun des deux côtés. Elle est juste suffisante pour distinguer l’un de l’autre, les deux étant plutôt maitres de leurs expressions. Il appuie sur le bon détail du visage et des mouvements pour interpréter le falot ou le winner. L’un est plus gauche quand il marche. Le film tient sur ses frêles épaules.

« The double » est donc un film sur l’identité, la projection de l’être dans un « sur soit » nettoyé de ses scories, de ses défauts tellement encrés dans la personnalité qu’ils vous rattrapent. Le propos est celui de l’affirmation de soit face à la rudesse du monde du travail et de la vie en société tout simplement. L’enfer c’est les autres et les autres font rarement des cadeaux. Dès lors qu’est ce qui différencie un être avec une aura du même que l’on ne remarque pas. Quels codes plaisent au plus grand nombre et qu’est ce qui provoque le désintérêt ? Bien entendu, il s’agit d’une vision caricaturale, d’une fable sur un personnage qui n’a pas choisi spécialement de jouer le jeu de la représentation, qui a bien évidemment un caractère mais pas celui qui convient. Et qui ne sait pas se transformer d’agneau en loup.

L’utilisation de la bande son est également pertinente, car poussée dans les accès de violence uniquement entre violons stridents et envolées enflammées. Bien vu. Ou plutôt entendu.

Surréaliste et fantastique à la fois, l’oeuvre a quelques défauts bien sûr, dont un aspect pudding pour son accumulation et son rythme qui s’accélère de façon surprenante. Mais c’est justement cet aspect hors du temps qui m’a séduit aussi. Le film est visuellement très réussi, superbement interprété, angoissant et drôle à la fois, nihiliste et sombre, trop référencé parfois mais captivant.

 

N°9 – « The Grand Budapest Hôtel » de Wes Anderson

Avec « The Grand Budapest Hôtel » Wes Anderson était très attendu après le succès critique et public de « Moonrise Kingdom » il y’a deux ans.

Suivant la même recette d’un casting plein comme un oeuf de stars venant faire des caméos, Anderson change légèrement de style pour opter pour une comédie plus assumée. Il déclare sa flamme à la vieille Europe mais aussi au cinéma des débuts faits de décors superbes de carton pate, colorés et absoluments pas réalistes. En dédiant son film à Stefan Sweig, il assume aussi légèrement plus de fond, en décrivant un monde sur le point de sombrer dans la barbarie nazie.

Le rythme de « The Grand Budapest Hôtel »  est plus saccadé que ses précèdents films, ce qui peut donner un peu le tournis dans ces aventures cartoonesques que Hergé n’aurait pas reniées.

Ce choix fluidifie le récit et le rend plus accessible. Et puis l’humour s’avère toujours fin et décalé, jouant à fond sur les propres codes du style de cinéma qu’il a crée, de « La famille Tenenbaum » à « The Darjeeling limited« .

Le film brille par ses détails, son inventivité à chaque plan et son coté fantasque et dixième degré. La marque Anderson est plus que jamais là, avec ses plans fixes dont une action perturbe le décor de maison de poupée. Il ballade sa caméra de ses célèbres travellings au milieu des maquettes de l’hôtel ou de la prison, assumant le côté théâtral pour mieux isoler son récit dans un pays imaginaire. Et puis il y’a ces fameux gros plans sur des visages d’une pleiade d’acteurs tous aussi bons les uns que les autres.

Cependant, votre Blanc Lapin préféré émettrait un bémol. Le film, du fait de son rythme et de son choix comique plus prononcé, s’avère moins émouvant et moins surprenant puisqu’on connait le style Anderson. Mais le résultat est ausi plus romanesque, toujours autant nostalgique de l’enfance et des récits qui y rattachent son auteur.

Enfin, Ralph Fiennes est excellent et So British. Il a et il incarne, le savoir vivre, le panache et la désinvolture dans un monde qu’il porte aux nues et qui s’est déja envolé…si vite que la brutalité du vingtième siècle le rattrape.

« The Grand Budapest » est un film charmant et très divertissant.

 

N°8 – « Les poings contre les murs » de David Mackenzie avec Ben Mendelshon et Jack O’Connell

« Les poings contre les murs » raconte l’entrée et la difficile intégration en prison pour adultes d’un gamin, Eric. Ultra violent, Eric sait que son père, Nev, est déjà emprisonné au même endroit. Ce dernier a très peu connu son fils et les rapports entre les deux ne vont pas faciliter l’apaisement du garçon.

A toutes celles et ceux à qui je parle du film, on me dit « ouais bof, encore un film de prison« . C’est vrai que le film n’est pas une comédie ou une love story, que le genre est ultra balisé et que des films de prison on en a vu un paquet, et des très bons, dont « Un prophète » dans les derniers bijoux en date.
Mais justement, « Les poings contre les murs » évite les clichés et redites et surtout, inscrit son récit dans un contexte inédit, celui du rapport père-fils. Un père qui a carbonisé son fils en étant absent toute son enfance, du fait de son incarcération, va devoir assumer son rôle pour tenter de sauver le futur de sa progéniture.

Le film est sombre et réaliste, et se passe quasiment exclusivement à l’intérieur et très peu dans la cour de la prison, mettant ainsi l’accent sur la claustrophobie et la promiscuité. De la corruption de certains matons aux mafias qui se sont créées, l’histoire se déroule en milieu très hostile.

Mais une lueur d’espoir traverse le film avec grâce. Tout d’abord elle prend la forme du personnage de Rupert Friend, civil bénévole que tente de ramener à un certain apaisement les rapports entre un groupe de taulards suivant une thérapie de groupe. Là le jeune homme va comprendre qu’il n’est pas seul à ne pas savoir canaliser sa violence. Jack O’Connell livre une prestation vraiment de haut niveau pour un jeune acteur de 23 ans, lui qu’on a découvert dans la série Skins. Son personnage cherche le père qu’il n a pas eu tout en voulant lui prouver qu’il peut vivre sans lui.

Ben Mendelshon, génial acteur vu dans « Animal kingdom« , « Cogan kill them softly » ou « The place beyond the pines« , livre à nouveau un excellent personnage. Dans le rôle de bête enfermée qui retrouve son instinct paternel, il est juste, sobre et très bon. Et bien que le film soit au final bouleversant, son réalisateur, David Mackenzie, ne cède à aucun moment à la facilité, au sentimentalisme…cette réconciliation d’un homme avec son passé, cette projection qu’il a de préserver un avenir pour son fils, fait sauter le mur de ce film de prison pour en faire une très belle oeuvre sur la filiation.

Alors ne vous arrêtez pas à l’étiquette « film de prison » et poussez donc la porte de cet enfer, ça ne dure que 1h45 et c’est une très belle réussite et l’un des films à ne pas manquer en 2014.

 

N°7 – « Gone girl » de David Fincher

David Fincher est l’un des plus grand réalisateurs hollywoodiens. Chaque film est en soit un événement. Si « Gone girl » n’atteint pas les niveaux de ses chefs d’œuvre, « Fight club« , « Zodiac » et « The social Network« , il n’en demeure pas moins très au dessus du lot.

En choisissant d’adapter un thriller sur la mise en accusation d’un homme suite à la disparition de sa superbe et parfaite épouse, on pouvait craindre un thriller efficace mais un film mineur pour Fincher. Fort heureusement les ingrédients habituels sont là avec un casting surprenant. Ben Affleck est parfait en  mec pataud et au bout du rouleau de son couple, et aussi à l’aise dans la naïveté que la vilénie. Rosamund Pike est quant à elle excellente dans son rôle de petite fille modèle et pourrait grâce à ce film décrocher bien des rôles par la suite.

Fincher use de son brio habituel de mise en scène pour faire glisser son thriller vers une manipulation et des rebondissements qui ne sont pas sans rappeler son film « The Game », l’esbroufe et le trop plein de surprises en moins. Le réalisateur a beaucoup appris en 15 ans et surtout à en faire moins, pour le bien du film.

Et puis surtout, le regard narquois et moqueur qu’il livre de l’Amérique modèle, du couple et des médias sont savoureux. Certains reprochent au réalisateur sa misogynie mais c’est idiot. Il s’amuse juste des faux semblants, de l’hypocrisie du paraitre en société, y compris de l’image que véhicule un couple « modèle » et de son utilité pour les membres du couple. La puissance des frustrations exprimées par ce couple qui se déteste mais n’ose mettre un terme à leur prison par soucis divers et variés, est à la fois violente et perverse.

« Gone girl » est un film noir et paranoïaque, qui vous bluffera par son côté ironique et cruel. Captivant et malin, le film doit être vu tant pour  sa mise en scène que pour son script ou son jeu. Un des très bons films de cette fin d’année.

 

N°6 – « Under the Skin » de Jonathan Glazer avec Scarlett Johansson

Diriger un film de SF quasi muet, où la parole se fait rare, centré sur la beauté venimeuse d’une Scarlett Johansson qui passe le plus clair de son temps à conduire un grand van dans des villes paumées d’Ecosse, c’est comment dire…ultra casse gueule !

Et pourtant, Jonathan Glazer signe là l’un des films de SF les plus originaux de ces dernières années, par une réalisation sobre, des choix radicaux et une utilisation géniale de l’imagerie fantômatique et perdue d’Ecosse et du charisme de son actrice star.

Pour son adaptation de la nouvelle de Michel Faber, Glazer choisit donc de coller à une extraterrestre qui s’est glissée dans la peau d’une humaine ultra sexy. Nous allons donc suivre cet être sans aucune explication sur la façon dont elle a débarqué sur terre et sans aucune parole entre elle et ceux qui l’ont envoyée.

Surtout, nous allons voir à travers ses yeux les humains comme des individus totalement étrangers, comme une race extérieure à la notre. C’est un peu l’histoire d’un oeil venu de l’espace qui se baladerait au milieu des hommes. L’alien a une mission, celle de faire disparaitre des hommes après les avoir séduits. Mais plutôt que de faire de cette mante religieuse un assassin sanguinaire, le personnage va plutôt se contenter de chasser, de séduire et d’attirer ses proies, laissant le reste se dérouler sous forme d’un symbolisme assez fascinant et troublant, rendant hommage à bien des imageiries des années 70. Les chimères que le réalisateur vous montre à l’écran au milieu de scènes pourtant d’une grande banalité, vous heurtent et vous suivent de façon fantômatique bien après la séance.

Le film comporte peu de textes mais aussi peu de musique. La bande-son est stridente et créé une atmosphère opressante, qui va amplifier des scènes d’une grande limpidité, nous amenant au bord de certains précipices plutôt inédits en matière de SF. Les aliens sont rarement gentils au cinéma mais on comprend souvent leur objectif et surtout on les voit du côté humain. Le renversement de situation et d’approche est pour le coup très réussi. Et puis surtout, l’absence totale de réflexes humains, d’empathie pour ces derniers, donne lieu à des scènes quasi muettes mais terrifiantes sans pour autant verser dans l’hémoglobine. Pas du tout même. Les effets spéciaux s’avèrent inutiles face aux talent de mise en scène de Jonathan Glazer.

Le film est visuel avant tout, fascinant par sa fluidité et sa simplicité, l’abstraction donnant à l’objet filmique non identifié un statut tout particulier. « Under the skin » est un film sensoriel et une expérience de cinéma, un film surréaliste, très esthétique et sombre à la fois. Le film est anxiogène et fait froid dans le dos à bien des moments mais réserve un final destabilisant, d’une vision poétique assez géniale.

Enfin si il peut paraitre long à certains, j’ai pour ma part totalement adhéré à ce film conceptuel novateur, gonflé et porté par une Scarlett Johansson qui a rarement été aussi envoûtante et pertinente dans son choix de projet artistique.

« Under the skin » est une excellente surprise est l’un des films de 2014 à voir de toute urgence !

 

N°5 – « Dallas Buyers Club » de Jean-Marc Vallée avec Matthew McConaughey

Le réalisateur de C.R.A.Z.Y a eu une excellente idée que celle de s’intéresser à l’histoire de ce personnage atypique et antipathique, atteint du VIH et qui décida de ne pas suivre les traitements officiels pour prendre d’autres médicaments vendus au Mexique. En effet l’histoire est très originale et permet au réalisateur d’aborder divers thèmes avec une efficacité redoutable.
Le personnage principal est un texan machiste, homophobe et ultra égocentrique. Il n’a rien pour lui, c’est une loque. Mais voilà, à force de se piquer à l’hero, il contracte le virus du Sida. Se rendant compte rapidement que les traitements adoubés par les autorités sont destructeurs, il va décider de prendre un chemin de traverse car il n’a rien à perdre. Ces derniers furent prescrits par un corps medical rémunéré par les grands laboratoires. Et lui en trouva des plus efficaces et décida d’en faire commerce, permettant à des centaines de malades de prolonger leur vie de plusieurs années.

Le film raconte sa lutte contre les autorités et les labos, qui ne voulaient évidemment pas autoriser des traitements nuisibles à leurs propre business et qui omettaient volontairement des études scientifiques étrangeres dans leurs rapports ; un cynisme qui glace le sang. Cet aspect du film est passionnant. Mais le meilleur du long métrage se trouve dans la transformation d’un véritable connard, se faisant du fric avec la maladie, en un mec moins mauvais. Matthew McConaughey livre une superbe prestation et confirme qu’il est l’acteur du moment. Jared Leto, qui avait mis sa carrière entre parenthèses pour se consacrer à son groupe musical, trouve quant à lui son meilleur rôle dans ce travesti associé dans l’affaire de revente de médicaments, qui va réussir à faire changer le regard homophobe d’un gros con de texan en un regard humain et tolérant.

Et c est tout le talent de Jean-Marc Vallée que de conter sans violons cette histoire de combat et de survie qui va mener ce type à devenir moins con et à lutter contre la connerie du système, l’hypocrisie et l’appat du gain morbide des grands laboratoires. Un type seul et butté qui va tenir tête et adresser un gros bras d’honneur à ces tristes sires.

Le film est enlevé, et contrairement à Philadelphia, ne tombe pas dans le larmoyant. Et c’est tout l’interêt que de conter cette histoire vue d’un hétéro homophobe confronté lui même au rejet…car il a la même maladie que tous ces « Pd » sur lesquels il crachait.
« The dallas Buyers Club » est à la fois bien réalisé, d’une interprétation de haut vol et illustre une scénario impecable et intéressant. Que demander de plus? Le triumvirat d’un excellent film est là !

 

N°4 – « The Rover » de David Michôd avec Guy Pearce et Robert Pattinson

David Michôd revient trois ans après son excellent « Animal Kingdom » et change radicalement de style, signant probablement son premier chef d’oeuvre.
L’histoire se passe dans le désert Australien, 10 ans après une crise économique majeure ayant ruiné les sociétés occidentales et les ayant faites entrer dans le quart monde. Un homme se fait piquer sa voiture et décide de poursuivre à tout prix la bande qui le lui a volée.

Qu’y a t-il comme lien entre les hommes lorsque tout s est effondré ? Redevient-on des bêtes ou reste t il quelquechose ? Et c’est quoi ce qu’il reste ?  Le film dissèque le cadavre de nos sociétés occidentales…après la chute…lorsque l’abondance et les échanges matériels se sont stoppés 10 ans auparavant, laissant place à la misère. L’égoisme et le chacun pour soit de nos sociétés modernes a préparé le terreau d’une survie encore plus brutale lorsque le décor disparait. Aucune entraide et aucun soutien n’est à chercher chez d’autres être humains puisque le déshumanisation a précédé le cataclysme économique.

Avec des dialogues tendus et rares, des flashs de violence ponctuant le récit, David Michôd livre un Mad Max ultra sombre, un mad max sans le côté fun et grand public.
Il choisit dès le départ d’encrer son film dans une noirceur qui fixe un cap. Le personnage de Guy Pearce, qui veut absolument récupérer sa voiture, le seul bien qui lui reste, va t-il avoir un sursaut d’humanité et pourquoi est il aussi acharné ? Et puis surtout, sa rencontre avec un gamin paumé et pas bien méchant, naïf et mentalement diminué, lui donne la possibilité d’une rédemption ou au contraire de plonger encore plus dans l’abime…selon les choix qu’il fera…
Le suspens est donc construit autour du dénouement du film et on le comprend très vite. Savoir pourquoi cette quête est primordiale et si le personnage peut retrouver un soupçon d’empathie pour son prochain sont les deux et presque uniques thèmes du film. Mais la mise en scène est tellement brillante et le jeu des acteurs tellement bon, qu’on adore plonger dans ce vide nihiliste, ce puit sans fond.

Robert Pattinson est excellent dans son rôle à contre emploi face à un Guy Pearce égal au talent qu’on lui connait. Son personnage mutique a un regard alternant entre sauvagerie, survie, lueurs du passé.
Le délitement du lien social a déja eu lieu, le besoin de survivre s’étant déjà substitué au reste. On assiste aux ravages du capitalisme une fois mort, à la destruction de la morale et à cette absence de but pour chaque individu, laissé à lui même, sans cadre…sans idéal puisque les grandes utopies sont déjà mortes avant la chute.
Le film montre une violence écrasante et étouffante et utilise le désert australien et son imagerie post apocalyptique bien connue pour illustrer le propos. The Rover réinvente le genre. The Rover fait partie de ces films coups de poing auxquels vous pensez plusieurs jours après parceque l’impact a réveillé un mixte de réflexion et d’imageries mêlées de façon novatrice. Un film effrayant et somptueux à la fois.

 

N°3 – « Mommy » de Xavier Dolan

Après 4 films très réussis et déjà un public fidèle, le petit prodige Xavier Dolan a mis la croisette à ses pieds et failli remporter la palme d’or 2014, repartant avec un prix du jury comme lot de consolation.

Entendons nous, Dolan divise. Il est jeune, talentueux, beau, immodeste, limite insupportable dans ses interviews. Mais bon. Il a du talent, énormément de talent et son « Mommy » est assurément son meilleur film et l’un des meilleurs films de l’année.

Le réalisateur choisit donc de retourner au thème de prédilection de son 1er film, « J’ai tué ma mère« , à savoir le rapport filial complexe entre une mère et son fils. Sauf qu’ici, le fils a des troubles compulsifs violents, ce qu’on nomme le symptôme TDAH.

Pour interpréter la mère veuve et la voisine qui va se prendre d’affection pour ce duo improbable, Dolan convoque ses deux fidèles interprètes, Anne Dorval et Suzanne Clément, tout simplement excellentes. Xavier Dolan est aussi un très bon directeur d’actrices. Antoine-Olivier Pilon, découvert dans le célèbre clip de Dolan pour Indochine, est quant à lui une révélation, dans un rôle pas si facile qu’en apparence.

Ensuite Dolan utilise comme d’habitude une BA décalée, des ralentis et effets de style qui agaceront certains et qui raviront le grand public, car c’est généreux, tout simplement. Et que quand l’émotion pointe le bout de son nez, Dolan souhaite nous cueillir et nous emporter loin à chaque fois. Ceci peut sembler redondant, clipesque, facile même, mais pourtant, çà marche !

Cette histoire est rude, très rude mais magnifique car son thème est l’amour impossible à gérer entre une mère dépassée par les évènements et son fils incontrolabe et malade. Et puis l’idée d’introduitre une tierce personne, accidentée de la vie, qui va vivre une aventure particulière et perturbante, est tout simplement géniale ! On sent la passion révolutionner la vie morne de cette femme brisée. Elle trouve dans ce gamin et sa mère, un but dans la vie et une amie, une raison de revenir dans le monde des vivants et une âme qui peut la comprendre et qu’elle peut aider. C’est beau car c’est généreux, vivant, vivifiant même.

Xavier Dolan arrive à nous faire rire d’un sujet particulièrement difficile et cruel, et dans la scène d’après il nous tire des larmes en une scène surprenante. Inspiré plus que jamais par Pedro Almodovar, son cinéma est jouissif car il connait bien des codes et les manipule avec brio.

« Mommy » est un film sur l’espoir, quoiqu’il arrive, dans la pire des situations, un film fort car résolument optimiste malgré son sujet. Il a l’énergie de la jeunesse de son réalisateur, sa générosité. C’est émotionnellement fort, techniquement impeccable, hyper bien joué. La candeur de Dolan colle à merveille à l’empathie qu’on ne peut qu’avoir pour ses personnages, de belles personnes, cassées certes mais belles, très belles. Xavier Dolan montre que le cinéma peut transfigurer la pire des histoires et en faire un grand film qui marquera très probablement.

 

N°2 – « Boyhood » de Richard Linklater avec Ethan Hawke, Ellar Coltrane

Voici plusieurs années que votre dévoué BlancLapin attend ce film au concept génial, celui de faire vieillir sans aucun artifice ses acteurs, en les filmant chaque année sur une période de 12 ans.

J’étais donc ravi quand Richard Linklater obtint l’ours d’argent à Berlin en février dernier…mais aussi fébrile à l’idée d’être déçu.

Fort heureusement, il n’en n’est rien. Linklater retrouve son acteur fétiche, Ethan Hawke en papa divorcé tentant de tenir sa place avec ses deux enfants, vivant avec leur mère, interprétée par Patricia Arquette.

Le film va suivre le quotidien d’un gamin de 6 ans, joué par Ellar Coltrane et de sa famille, jusqu’à l’âge de 18 ans. Bien entendu, le procédé est émouvant en soit et relativement inédit. Mais cette idée aurait pu vite tourner en vrille ou apporter son lot de sentimentalisme malvenu.

Sauf qu’ici, Linklater choisit de raconter les petits riens de la vie, rien d’exceptionnel, pas de destin fulgurant, juste comment un enfant se forge sa personnalité pour devenir l’adulte qu’il est à 18 ans.

Les influences des parents, l’évolution des modes, des phénomènes de société comme Harry potter, de l’environnement politique (la guerre en Irak, l’élection d’Obama) vont façonner un individu, à travers le prisme de son entourage. Et c’est celà qui est magnifique dans ce film.

La simplicité et l’humilité du récit pour une histoire universelle, l’histoire du vieillissement naturel au sein d’une famille. Linklater aborde ainsi l’identité culturelle et politique, la difficulté d’assumer le rôle de père dans un couple séparé, les émois de l’adolescence, la déchirure de voir partir ses enfants devenus adultes, et tout un tas de thèmes d’une grande banalité…sauf qu’ici, ils font plus vrais que nature, de façon quasi documentaire, et donc, de façon assez fascinante.

Le découpage du film permet de passer d’une année à l’autre de manière très naturelle. Et puis parfois, la mélancolie s’empare du récit mais là aussi sans jamais verser dans le mélo. Cette chronique familiale vous touchera forcément car elle capte quelquechose qui d’habitude sent beaucoup plus le fictionnel.

Le film est calme et ambitieux à la fois, d’une douceur et d’une grande justesse. Le jeune Ellar Coltrane fera espérons le une belle carrière par la suite, avec son air faussement mystérieux, d’autant plus touchant qu’on l’a vu grandir sous nos yeux.

L’appréciation du temps qui passe est au coeur du récit et de sa morale d’ailleurs, Linklater estimant que l’on est toujours plus heureux en vivant le moment présent qu’en se rattachant au passé ou en se tournant trop vite vers l’avenir. Une morale facile ? Peut-être…mais le résultat est là.

« Boyhood » est un très beau film, l’un des plus beaux de cette année et probablement l’un des meilleurs. Il serait vraiment dommage de ne pas vous déplacer pour tenter l’expérience.

 

And the winner is…

 

N°1 – « Her » de Spike Jonze

L’auteur de « Dans la peau de John Malkovich » se fait hélas extrêmement rare. Et pourtant, il est l’un des réalisateurs indépendants américains avec un vrai univers et de vrais concepts à chaque fois qu’il passe derrière la caméra. Son dernier, « Max et les Maximonstres« , sorti en 2009, était à la fois tendre et cruel et réussissait à capter de façon particulièrement délicate les états d’âmes de l’enfance.

Avec « HER« , Spike Jonze signe cette-fois ci seul son scénario, sans son fidèle Charlie Kaufman, et livre une oeuvre tout aussi originale et décalée mais avec une dose d’émotion encore plus forte. Bien sûr la psychée humaine reste son terrain de jeu. Mais cette fois-ci son film est élégant, limpide au niveau de la narration et surtout, il vous prend aux tripes.

Entondons nous, non seulement Spike Jonze a réussi à me faire pleurer avec son histoire d’amour entre un homme et la voix de son ordinateur, mais il s’est en plus débarrassé de tout effet de mise en scène pour livrer une oeuvre majeure sur la solitude et sur la naissance des sentiments, leur évolution et le besoin vital de se sentir aimé. Il cherche surtout à illustrer ce qui fait de nous des humains à travers un être artificiel, symbole du phantasme féminin absolu.

« HER » est un pur chef d’oeuvre d’émotion, délicat, joué avec une partition exceptionnelle par Joaquin Phoenix et la voix si particulièrement chaude de Scarlett Johansson.

L’anticipation est ici ultra réaliste et traite du remplacement progressif du lien humain par des liens autres, l’étape d’après les réseaux sociaux…il en exploite la facilité et de nouveaux horizons qui peuvent paraitre glauques et tristes parfois et très touchants dans d’autres scènes. Et puis surtout, il s’attarde sur le sentiment d’abandon, sur le deuil après avoir été délaissé par la personne aimée puis sur le besoin de recréer une autre histoire et sa mécanique…Le film est plutôt ensoleillé et joyeux la plupart du temps, jouant sur l’absence d’objet du désir masculin de chair et de sang, pour mieux s’intéresser à l’amour et à son rôle dans la reconstruction et la projection.

Le film est brillant de bout en bout, sur une thématique originale, d’une douceur incroyable, poétique, romantique, mélancolique et au final bouleversante. C’est bien entendu le meilleur opus de Spike Jonze et ce sera probablement l’un des plus beaux films de 2014. Un état de grâce rare au cinéma.

 

Et voici LE podium ! cliquez pour voir la vie en grand format…

 

 

Les meilleurs films 2014 du Blanc Lapin – Partie 1 – N°20 à 11

Pour la sixième année consécutive, votre Blanc Lapin préféré vous livre ses choix, subjectifs, des meilleurs films de l’année 2014 …

Vous n’aurez pas le même classement et je n’ai pas tout vu…mais bon quand même un certain nombre de films voire un nombre certain…

On commence avec du 20ème au 11ème film…

 

N°20 – « Quand vient la nuit » de Michael R. Roskam avec Tom Hardy, Noomi Rapace

« Quand vient la nuit » est l’exemple parfait du passage réussit d’un auteur européen à Hollywood, passage qui aurait pu s’avérer casse gueule à deux niveaux. Tout d’abord le belge Michael R. Roskam fut auréolé en 2012 par la presse mondiale sur « Bullhead« , ensuite parcequ’il s’agit de son second long métrage seulement et que les studios les plus puissants lui font de l’œil.

Alors certes, niveau casting, il est difficile de faire mieux. Tom Hardy a rarement été aussi bon, dans ce rôle d’ex petite frappe un peu limité, avec une diction au ralenti, un peu empâtée. Noomi Rapace crève l’écran comme d’hab, Matthias Schoenaerts retrouve son réal de Bullhead et le regretté James Gandolfini livre une prestation ambiguë comme celle de son Tony Soprano. Et puis le scénariste est juste Dennis Lehane, l’écrivain de « Mystic River », « Gone baby Gone », et « Shutter Island », qui pour la première fois n’adapte pas un de ses livres.

Mais surtout, Michael R. Roskam a la grande classe d’arriver avec un polar humble, d’une facture en apparence très classique. Trop classique dirons certaines mauvaises langues alors que justement, c’est en rendant hommage par la petite porte d’entrée à ses grand ainés que Roskam nous cueille par ses effets de surprise. Le film est davantage une étude du milieu mafieu des bars dépôts qui blanchissent l’argent sale des bas fonds de Brooklyn. Ou comment lorsque l’on a été élevé dans ces quartiers, il est très difficile de s’en extirper, de vivre en dehors de ce système parallèle où la violence et le diktat de la mafia font partie du paysage, qu’on le veuille ou non. C’est même une donnée intégrée. Roskam filme des individus qui ont abandonné, des loosers victimes d’avoir baissé les bras. Ses personnages sont pour l’un dépressif et prêt à faire n’importe quoi pour s’échapper, avec un amateurisme limite touchant, et l’autre blasé par son quotidien de chien chien de malfrats, prenant un recul assez étrange par rapport à la vie. Et c’est ce qui rend ses personnages froids mais attachants tout de même car on sent qu’il y’a eu de l’humain avant qu’ils déconnent complet, s’ennivrent du crime organisé et se brisent les bras contre plus forts qu’eux.

C’est un film sur l’échec dans son propre milieu et la reconstruction dans un froid sec et vif, dans une ambiance crépusculaire qu’un James Gray n’aurait en rien reniée.

Le film a beau être classique dans sa forme, il arrive à vous décontenancer par ses personnages, leurs fêlures et sa violence sous-jacente qui peut vous exploser à la figure à tout moment mais qui pourtant reste la plupart du temps tapie dans l’ombre.

Un scénario subtil, des acteurs excellents et une mise en scène modeste et ample font de ce « Quand vient la nuit » un des très bon films à voir en cette fin d’année 2014.

 

N°19 – « Only lovers left alive » de Jim Jarmusch

Jim Jarmusch est rare et si il a marqué les cinéphiles avec « Down by law« , « Dead man« , ou « Ghost dog« , son dernier, « the limits of control » était ennuyeux et involontairement parodique de son cinéma. Il fallait remonter à « Broken flowers » en 2006 pour trouver un film notable dans sa filmo.
Aujourd’hui il revient en s’attaquant au film de genre, ce qui peut paraitre surprenant de la part de ce cinéaste égérie du ciné indépendant US.
« Only lovers left alive » laissera forcément sur le carreau un public qui ne peut s’habituer au rythme du réalisateur, à sa lenteur. Et pourtant, le film signe son retour inspiré, reprenant les codes du film de vampire pour faire une déclaration enflammée aux artistes et à la solitude de ces derniers, faisant partie d’un tout dans l’évolution culturelle de nos sociétés, permettant aux prochains artistes d’apprendre de leurs prédécesseurs et de porter plus loin leur œuvre.

Le film est doux, romantique et les personnages attachants.

Tilda Swinton est comme d’habitude géniale, et trouve un excellent pendant en Tom Hiddleston, grâcieux et très attachant pour un vampire. C’est que Jarmush utilise la métaphore pour faire de ces derniers avant tout des ex-humains, qui aiment le genre humain et le génie de certains mais reprochent à la masse des vivants leur stupidité, leur vision à courte vue. Ils se portent plus comme des garants des œuvres qui ont façonné l’humanité que comme des bêtes assoiffées de sang.

On est très loin des prédateurs habituels et plus proches d’individus emprisonnés dans une profonde mélancolie mais un désir toujours vif de créer ou de découvrir. L’idée est bonne et bien exploitée et l’humour est comme toujours présent.

Bien sur on ne tombe pas de sa chaise mais on sourit et la lenteur devient au final une berceuse d’une grande classe, un peu snob mais pas trop, juste ce qu’il faut pour dresser le paysage. On se prend d’affection pour ces morts qui ne cherchent pas à tuer les « morts vivants » à savoir les vivants mais qui sont un peu perdus et déphasés face à l’évolution du monde.

Jarmusch parle de la difficulté à s’insérer dans le monde d’aujourd’hui pour des individus qui n’ont pas les mêmes codes, pas les mêmes envies que le tout venant…qui ne se reconnaissent pas dans une culture pop mondialisée et qui du coup s’isolent dans leur cocon plus culturel et précieux, à l’abri du bruit extérieur, dans une certaines sérénité intemporelle. Ils comblent leur perte de repères dans le meilleur de ce qu’a créé l’homme et cette approche des vampires s’avère charmante, emprunte d’un dandysme désenchanté vraiment plaisant.

 

N°18 – « Young Ones » de Jake Paltrow avec Michael Shannon, Nicholas Hoult

Le genre post apocalyptique est un cimetière de films râtés, subissant toujours l’ombre majeure de Mad Max, dans lequel Nicolas Hoult sera également de la partie pour « Mad Max Furry road« , 4ème du nom.

Seul le film « The rover » a permis il y’a deux mois d’apporter du sang neuf.

Autant dire que Jake Paltrow, pour son premier film, pouvait difficilement trouver plus casse gueule.

La réussite du film est donc d’autant plus louable. La première grande idée est de trouver un postulat original par rapport aux histoires déjà vues, à savoir que le monde a subi une sécheresse telle que l’eau est devenue une denrée très rare, presque aussi rare que l’or, soit une science-fiction pas si éloignée des risques à venir pour l’humanité.

A partir de là, Jake Paltrow va construire son film en trois actes autour de trois acteurs, trois générations et trois très bons acteurs.

Michael Shannon n’est plus à présenter, fidèle de Jeff Nichols et devenu mondialement connu en général Zod dans le dernier Superman, l’homme est brillant à chaque fois. Il incarne ici un père de famille tentant de survivre en plein desert sur une terre fertile mais sans eau, en compagnie de sa fille, jouée par Elle Fanning, un peu sous-exploitée et son fils adolescent, Kodi Smit-McPhee. Ce dernier, vu récemment dans « La Planète des singes, l’affrontement« , fut découvert dans « La route » et « Laisse moi entrer« . Son physique énigmatique et filiforme donne à cet adolescent admiratif de son père un style qui colle à merveille au récit. Il ira très loin.

Et puis bien sûr il y’a un de mes chouchous, Nicolas Hoult, découvert dans la série « Skins » puis dans « A single Man » et les nouveaux X-men. Le jeune homme est toujours juste et solaire mais là il trouve son meilleur rôle, un personnage ambigu et terriblement contrasté, une excellente surprise lui permettant de prouver qu’il a de multiples registres à exploiter.

Mais au delà du casting malin, le réalisateur évite les clichés ou le sentimentalisme sur lesquels il aurait pu buter. Il reste sobre et nous raconte une histoire de survie, de vendetta, de morale en milieu hostile.

Certes le film n’est pas exceptionnel, mais il a un charme particulier, une originalité propre par son ton écologique et sa façon très western d’aborder le récit.

L’atmosphère du film vise dans le mille de cette typologie de SF. La thématique est aussi celle de l’héritage, et mélange efficacement tragédie grecque et western dans un résultat limpide et bien huilé. Jake Paltrow a tout simplement du talent, qui ne demande qu’à grandir et à s’épanouir.

Amateurs de SF, courrez-y ! C’est une belle réussite et une belle surprise de cet été.

 

N°17 - »71″ de Yann Demange avec Jack O’Connell

Une recrue de l’armée britannique, Gary Hooke, d’une vingtaine d’années, est envoyé pour une de ses premières missions en Irlande du Nord. A Belfast, les combats font rage entre l’armée, l’IRA et les conflits religieux. Mais dès la première sortie, l’opposition avec la population tourne à l’émeute et Jack se retrouve coupé de ses camarades, pourchassé par des militants de l’IRA souhaitant le tuer à coups de revolver.

L’escouade militaire l’abandonne, forcée de rentrer sous la pression de la rue. Il va tenter de survivre.

Yann Demange est français de naissance mais il a grandi à Londres. Il a fait ses armes à la télévision dans de nombreuses séries. Et pour son premier film, il frappe très très fort. Le film est encensé par la presse à juste titre.

Tout d’abord il est surprenant par son thème. On s’attend à un film de guerre et c’est le thriller qui va mener cette course à la montre morbide, portée par un Jack O’connell halluciné par ce qui lui arrive. La révélation masculine de cette année 2014 signe donc sa second performance de haut vol après « Les poings contre les murs » et avant « Invincible » d’Angelina Jolie et « L’homme qui tua Don Quichotte » de Terry Gilliam. Il bouffe l’écran et il assure grave car il est de quasi chaque scène. Ses dialogues sont limités mais sa performance relève davantage du physique, de l’expression de ses peurs et espoirs sans parler. Il est très bon.

Le film de guerre est un genre lourd à mettre en scène et le sujet de cette guerre civile complexe a déjà livré quelques bijoux comme « Bloody Sunday » de Paul Greengrass, plusieurs Ken Loch, « Au nom du père« , « Hunger« , etc…

L’idée de montrer le conflit des yeux d’un très jeune militaire anglais qui ne fait que son boulot et n’a aucune opinion politique particulière est excellente. Ce dernier se retrouve être la proie de sanguinaires des deux côtés, qui ont perdu tout recul et toute humanité. Yann Demange traite aussi de l’impact d’une guerre empétrée depuis des décennies, où ceux qui sont du côté du pouvoir comme les opposants en face ont fini par s’organiser de façon mafieuse, par clans ultra violents.

Le film est sec, court, et montre beaucoup avec une économie de mots tout en livrant un suspens étouffant. En effet la brutalité des protagonistes et des situations peut faire décéder n’importe quel personnage à n’importe quel moment. Cette façon d’instaurer dès le début une tension et un danger permanent, de montrer la population aussi stressée par les militaires que par les représailles de l’IRA, arrive à rendre éprouvant le quotidien de ces individus, à restituer le chaos dans lequel ils évoluent.

La réalisation est nerveuse, parcourue de plans séquences assez bluffants dans les ruelles de Belfast comme dans les tours d’immeubles d’une tristesse sans nom.

On pense parfois à « Bloody sunday » et au style documentaire de Gaul Greengrass, qui renforce l’impact du sujet mais Yann Demange y ajoute un style propre, via le thriller.

Le réalisateur ne tombe à aucun moment dans le pathos et ne s’attarde pas sur les morts et l’horreur des situations, la course poursuite obligeant le héros à s’enfuir pour survivre. Ceci donne au film une énergie, celle que vous avez quand vous remontez du fond de l’eau pour retrouver votre respiration. Yann Demange film l’instinct de survie, bestial, tout en montrant la déshumanisation des protagonistes au bout de tant d’années de guerre pour la liberté. On y voit une population qui a perdu quasi tout espoir et livre un combat dans la peur, sans vraiment croire à un futur heureux, car les morts ont été trop nombreux.

En ne portant pas de jugement sur les deux camps, le réalisateur en revient à un constat basique, la guerre c’est con, de chaque côté et si les raisons de l’avoir entamée sont justes, pour la liberté, au bout d’un moment chacun perd ses repères et ses principes. Le sacrifice engouffre alors tout. Aucun jugement moral sur le bien ou le mal de la part du réalisateur, juste un constat, particulièrement efficace.

 

N°16 – « Deux jours, une nuit » de Jean-Pierre et Luc Dardenne

Jean-Pierre et Luc Dardenne n’ont pas remporté de 3ème palme d’or avec « Deux jours, une nuit » mais si ceci avait été le cas, je n’aurais pas crié au scandale, loin de là.

Fidèles à la fibre sociale de leur cinéma, les deux frères s’intéressent à la violence du monde du travail, lorsqu’en période de crise, le fait de conserver son travail devient une nécessité vitale et provoque des angoisses incontrôlables. Le personnage de Marion Cotillard vit ce besoin de ne pas être licenciée de façon physique, comme si toute sa vie y était rattachée, comme si plus rien n’existait derrière, qu’elle ne pourrait plus retrouver un travail une fois happée par le chômage.

Alors bien sûr, le pitch peut sembler caricatural. Un patron sans cœur offre le choix à ses employés entre refuser une prime de 1000 € chacun pour garder l’une d’entre eux parmi les salariés ou empocher leur prime et voter pour son licenciement. En reportant la responsabilité sur les collègues de l’employée à virer, le patron n’a effectivement aucun sens moral. Cette simplification extrême ne rend pas bien compte de la réalité. Mais elle a au moins le mérite d’explorer l’éventail des réactions possibles, entre égoïsme et repli sur soit ou regain de solidarité, de personnes acceptant d’aller au delà de leurs petites personnes, se soudant face à à un quotidien salarial où chacun défend sa peau.

Par la justesse et la sobriété de leur mise en scène, les Dardenne arrivent à éviter de tomber dans le panneau revendicatif éculé et font poindre de fortes émotions tout au fil du récit. Marion Cotillard endosse un rôle casse gueule où elle aurait pu en faire des caisses mais, et c’est peut être au delà de son talent, une direction d’acteurs toujours aussi exceptionnelle, qui permet aux Dardenne d’utiliser au mieux la star, et de la rendre crédible en simple ouvrière dépressive.

Surtout, les frangins arrivent à faire que le film ne soit pas répétitif alors que le thème est quand même là aussi glissant puisqu’on voit une femme aller tenter de convaincre ses collègues un par un de voter pour elle et de sauver son job. Sauf qu’ici, le film est d’abord plein de suspens, et surtout, il est construit comme une lutte tant pour sauver son emploi que pour retrouver une dignité alors même qu’il est humiliant d’aller quémander l’aide des collègues. Mais les Dardenne vont au delà du simple rôle social du travail et de la reconnaissance et de l’insertion qu’il donne. Ils prouvent magnifiquement que l’important n’est pas, justement, de conserver tel ou tel emploi. L’important est ailleurs, dans la volonté de redresser la tête, de se battre, pour soi et ses proches, de se prouver que quels que soient les défis, le futur peut être amélioré. Cette pirouette qui permet au film de se terminer sur un message positif et d’espoir, donne au long métrage tout son sens. Un très beau film sur la reconquête de soi et de sa dignité et une grande réussite.

 

N°15 – « Tom à la ferme » de Xavier Dolan

Xavier Dolan est doué, mais semble parfois présomptueux, il agace certaines critiques et conquiert d’autres par son talent.. et vous savez quoi? Ce n est pas pret de se calmer.

Outre son prochain film, « Mommy« , en competition pour la palme d’or 2014, le jeune québécois a déja fait ses preuves, à 25 ans à peine. En trois longs métrages, il a montré qu’il savait super bien diriger les acteurs, dont lui, que ses dialogues étaient vifs et drôles (« J’ai tué ma mère« ) qu’il etait très (trop?) référencé par de grands metteurs en scène comme Wong Kar-Wai (« Les amours imaginaires« ), et puis même qu’il savait prendre des risques. Son « Laurence Anyways«  m’avait moins séduit de par ses longueurs, et par un jeu et une mise en scène qui se regardait parfois trop le nombril. Mais le film avait au moins le mérite d’aborder un thème original avec une classe certaine et un sens du rythme, de la colorimétrie et de la Bo incroyables.

Avec « Tom à la ferme« , il vous faudra oublier les tics de mise en scène de Dolan. Ce dernier, en rechangeant de style pour le thriller, oublie justement ce qu’on pouvait lui reprocher. Ici Dolan va donc s’intéresser à une histoire d’homophobie ordinaire dans une campagne reculée et utiliser ce cadre coupé du monde pour en faire un thriller oppressant.

Tom vient de perdre son petit ami et arrive dans son petit village perdu pour son enterrement. Il constate que la mère du défunt ne connait rien de lui ni de l’identité sexuelle de son fils. Pire, son « beau frère », brute épaisse, va le menacer et le terroriser afin qu il reste dans le déni de l’homosexualité du défunt et lui invente une vie afin de préserver sa mère.

Dolan abandonne la virtuosité et les couleurs chamarrées pour livrer un film plus sec, plus gris et embrumé, moins aimable, et instaurer ainsi l’inconfort. Tout ceci permet de bien faire ressentir l’isolement de Tom, qu’il interprète avec finesse. Il préfère les cadres serrés sur le visage des protagonistes et l’économie de mots, afin de créer une ambiance de malaise propice au ressenti du personnage. On y suit un rapport trouble, jamais très clair. Est ce que la victime tombe amoureuse de son bourreau ? Est ce que le frère est homo refoulé ? Est ce juste un psychopathe ? Tom veut il juste s’autodétruire de chagrin, perdu apres la disparition de l’être aimé ?
Peut être un peu de tout mais jamais Xavier Dolan ne choisit la linéarité du récit, le sous texte étant libre d’interprétation…et pour le coup, j’ai trouvé cela très bon, surtout dans ce style nouveau qu’il a le culot d’aborder, et qu’ il a raison d’aborder, pour prouver qu il n’est pas qu’un ptit con doué, mais un vrai metteur en scène ambitieux. Déjà cinq films dont quatre vus et il ne fait aucun doute que la carrière de Dolan pourrait s’avérer passionnante car il a de l’ambition et sait remettre en question ses acquis pour explorer d’autres voies. Alors certes, on sent qu’il s’aime beaucoup mais et alors ? Où est le problème ? On s’en fout franchement. Des tas de réalisateurs ont un énorme égo et c’est peut être celà qui leur permet de se surpasser. Tant que Dolan livrera des oeuvres originales comme « Tom à la ferme », moi je suivrai le talent plutôt que les jaloux.

 

N°14 – « X Men Days of future past » de Bryan Singer

Bryan Singer avait réussi à faire passer de façon crédible les héros X-men du comic book au grand écran au cours des deux premiers longs métrages, qui figurent encore comme de très bons exemples de réussites d’adaptation en matière de comics. Hélas, parti sur d’autres projets, le troisième volet fut saccagé et ce n’est qu’il y’a trois ans que la franchise fut relancée avec Matthew Vaughn à la réalisation et Bryan Singer au scénario et à la production. « X-men le commencement » avait l’intelligence d’allier reboot et prequel en s’intéressant à la naissance de l’amitié entre les deux mutants opposés, le professeur X (James McAvoy) et Magento (Michael Fassbender). En pariant sur deux supers acteurs pour incarner ces personnages cultes étant jeunes, en travaillant un scénario mélé à une histoire dystopique des USA, en reliant le tout à la Shoa, en intégrant un casting jeune et frais, le film fut une réussite totale et l’un des meilleurs films de supers héros de ces dernières années.

Les X-men sont des héros attachants car ils sont calqués sur une minorité se battant pour ses droits, pour ne pas être exclus et exterminés pour leurs différences. « X-men days of future past » va jusqu’au bout de cette logique et frappe très fort tant en terme de scénario qu’en terme de mise en scène.

Le film est un blockbuster intelligent, complexe, très bien construit. Le film est sombre, ultra référencé seventies là où le précédent était sixties. Singer a eu la géniale idée de reprendre l’arc narratif de l’une des histoires les plus connues des X-men, où les vieux personnages, dans un futur apocalyptique où des robots tueurs exterminent les mutants, décident d’envoyer dans le passé Wolverine, retrouver dans les années 70 Xavier et Magneto mais surtout, Mystique, afin de modifier le passé.

Le film aurait peu être incompréhensible par le nombre de personnages mais reste au contraire très fluide, avec des pointes d’humour qui déjà figuraient dans le précédent. Le film est surtout une suite parfaite à « X men le commencement », où nous retrouvons nos personnages quelques années après, le fauve (Nicholas Hoult), Mystique (Jennifer Lawrence) et les deux anciens amis.

Wolverine devient le personnage central qui réunit les deux générations et s’avère être la colonne vertébrale du film, avec des clins d’oeils multiples à sa propre histoire. Mais surtout, Mystique devient l’enjeu principal des différents camps. L’objectif est de la sauver, de la ramener à la réalité car les trois protagonistes l’aiment, que ce soit le professeur X, Mageto ou le Fauve.

Le film est sombre, ultra référencé seventies là où le précédent était sixties, et surtout, les personnages sont attachants…

Le spectacle est là, du début à la fin et annonce un troisième volet en 2016 qui espérons le, atteindra le même degré d’exigence. Quand on respecte les fans à ce point et qu’on les prend pour des spectateurs intelligents aimant tout autant effets spéciaux excellents et intrigue finement élaborée, on ne peut que recevoir des louanges, et c’est le moindre des mérites.

 

N°13 – « Twelve years a slave » de Steve McQueen

Steve McQueen n’en est qu’à son troisième film et pourtant, après les excellents « Hunger » et « Shame » il signe avec « Twelve years a slave » LE film qui manquait au septième art sur le thème des atrocités de l’esclavage des noirs aux Etats-Unis.
Chiwetel Ejiofor porte le film sur ses épaules et aura sans nul doute une carrière brillante par la suite. Face à lui, Michael Fassbender retrouve une 3ème fois McQueen dans le rôle d’un esclavagiste ignoble, à la mentalité crasse et sadique, un rôle taillé sur mesure dans lequel il excelle.

Mais ce qui fait la force de cette histoire vraie c’est surtout que Steve McQueen arrive à nous tirer des larmes sèches, sans tomber dans le pathos, avec la froideur et le calme de l’esclave regardant droit dans les yeux de son bourreau.

La lenteur du film permet d’accentuer l’aspect hors du temps de cet enfer de déshumanisation ainsi que la longueur du calvaire de cet homme né libre et kidnappé pour être revendu en tant qu’esclave.

McQueen montre en un seul plan effroyable, celui de la pendaison, à quel point l’avilissement et la peur pouvaient rompre toute solidarité de caste entre esclaves, ces derniers vacant à leurs occupations pendant que l’un d’entre eux faisait l’objet de sévices innommables. Ou quand l’asservissement au rang de bêtes et de propriété atteignait toute son ignominie.

En inintéressant au personnage de Benedict Cumberbatch, sudiste plus humanise que les autres, le réalisateur montre aussi l’impact de cette culture raciste sur des esprits pourtant portés à la compassion. Mais le plus détonnant dans le film est de toucher du doigt l’abime qui séparait les Etats du Nord de ceux du Sud à la veille de la guerre de Sécession. Deux conceptions de la nature humaine totalement opposées divisaient les états mais la loi protégeait les bourreaux en toute impunité, les progressistes n’ayant aucune emprise et vivant dans un monde et une société coupée des régions sudistes arriérées.

McQueen arrive donc à disséquer la mentalité des victimes comme des tortionnaires avec une grande retenue, sans en rajouter car c’est inutile. Il livre un film violent et émouvant jusqu’aux tripes. Un film important et qui fera date.

 

N°12 – « Un homme très recherché » d’Anton Corbijn avec Philip Seymour Hoffman

Vous vous souvenez sans doute de l’excellent « La Taupe » sorti il y a deux ans. Thomas Alfredson adaptait le culte John LeCarré (La Maison Russie,  Le Tailleur de Panama, La Constance du jardinier) avec brio et un casting composite de trèss haute volée (Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy…). Le film se passait dans les années 70 et le style, la colorimétrie caractérisaient très fortement l’oeuvre.

Pour son travail sur LeCarré, le réalisateur de « Control« , Anton Corbijn, reste fidèle à la sobriété de l’auteur mais axe moins sur le style de l’image son récit. Situé de nos jours en Allemagne, à Hambourg, l’histoire est plus que d’actualité. On y suit en effet un groupe d’espions chargés de faire tomber un financeur de groupe djihadistes et de tenter de l’apater via un jeune homme, potentiellement dangereux et très recherché…

Le film s’intéresse aux luttes de pouvoir entre diverses organisation d’espionnage et à la manipulation des services pour recruter des taupes dans des milieux à infiltrer.

Le film réussit avec brio à passionner par l’intelligence de son scénario, construit comme thriller psychologique, plus limpide que « La taupe » et surtout par la prestation d’un acteur, Philip Seymour Hoffman.

Disparu en janvier dernier, ce dernier était assurément l’un des meilleurs acteurs au monde et sa prestation de félin ne nous fera d’autant plus que le regretter. Son imposante masse se déplace avec une grâce et une légèreté fascinante. Il incarne à la fois un homme fin et brillant mais aussi brisé par ses erreurs passées dont celle d’avoir fait confiance à ses homologues et d’avoir eu une éthique, une morale. Son personnage mélancolique, parfois blasé mais tenant bon pour atteindre le but de sa mission, est particulièrement réussi.

Autour de lui, Rachel McAdams, Robin Wright, Willem Dafoe et tout le casting se meut admirablement dans ce puzzle. Cette vision réaliste, sans artifices, sans action rocambolesque de l’intérieur des services secrets, est sidérante. Des hommes et femmes cherchent à l’aveugle comment arrêter de futurs terroristes et c’est pour le coup, flippant, car ils sont peu nombreux et que tout repose sur leur intelligence, leur réseau et leur capacité à anticiper le coup d’après.

« Un homme très recherché » est un film à la hauteur du talent de Philip Seymour Hoffman et lui rend hommage en concluant sa carrière par une œuvre d’excellent niveau. C’est un film intelligent, haletant malgré l’absence de coup de feux et de morts ! Un comble pour un film d’espionnage et la gageur d’une mise en scène, d’une partition d’acteurs et d’une histoire à découvrir de toute urgence.

 

N°11 – « Interstellar » de Christopher Nolan avec Matthew McConaughey

A l’heure où la terre se meurt et devient hostile aux humains, l’humanité court à sa perte. Le seul espoir est de trouvera de nouveaux mondes dans l’espace, accessibles uniquement en traversant des trous noirs, chose jamais réalisée jusqu’alors…

Christopher Nolan est devenu un prestidigitateur assez bluffant à Hollywood, réussissant des films intelligents et ambitieux (Memento, Le Prestige), puis renouvelant le genre super héros en lui donnant des accents adultes, réalistes et brutaux avec la trilogie Barman The Dark Knight, ou encore réussissant l’exploit de dépasser les 100 M$ au box office avec un film d’auteur et d’action brillant, « Inception« .

Quand il a repris ce projet avorté de Steven Spielberg, on aurait pu craindre le pire. Qu’il s’attaque à de la SF pure avec l’acteur du moment, génial Matthew McConaughey était certes excitant. Mais l’aspect mélo de certaines œuvres de Spielberg collait mal à l’univers cartésien de Nolan.

C’était sans compter sur sa capacité à s’inspirer de grands auteurs de lSF. Des critiques ont cité Stanley Kubrick ou Tarkovski (Solaris), c’est forcément écrasant et pourtant, pas totalement faux. La traversée des trous noirs ramène à 2001, forcément, et l’aspect métaphysique du propos aux deux auteurs cultes. Certains trouveront ridicule les choix scénaristiques et les décrochages par rapport à une logique cartésienne justement. C’est que Nolan décide de ne pas tout rendre concret et crédible comme Alphonso Cuaron dans « Gravity« . Le propre de la SF est de savoir justement s’affranchir de certaines barrières pour mieux explorer son réel sujet, l’humain, son devenir, sa représentation, sa projection dans le futur. Alors certes Nolan nous parle d’Amour et ceci fait un peu bizarre de la part de cet intellectuel d’habitude opaque à ce genre d’émotions dans son cinéma.

C’est justement cet aspect qui a mon goût est très réussi. Le pathos aurait été atroce traité par Spielberg. Ici Nolan a une pudeur qui sied à merveille au propos. Il n’en fait pas trop, juste le strict nécessaire pour emporter le spectateur. Nolan recycle différemment ses thématiques habituelles, l’obsession (pour un tour de magie dans Le Prestige, pour une femme disparue dans Inception), de l’affect brisé (Batman, Inception). La relation fille-père très forte au centre du long métrage est portée par deux acteurs majeurs du moment, Jessica Chastain, d’une classe incroyable et Matthew McConaughey donc, qui excelle comme toujours depuis cinq ans.

Ensuite on reproche à Nolan d’être bavard. C’est vrai que son film est rempli de scènes de dialogues. D’ailleurs le personnage de Anne Hathaway fait une réflexion très amusante au moment du décollage, un clin d’œil du réalisateur. Mais ces réflexions sur le lien filial, sur ce qui nous motive à travers notre progéniture, sur la notion d’héritage, de pardon et de trahison ou juste de vieillissement et de mort, s’insèrent parfaitement dans le sujet du film. Car c’est le sujet ! Pourquoi vouloir vivre et survivre, pour quelles raisons l’espèce humaine tient-elle cet instinct ?

L’humanité seule dans l’infiniment grand, voilà ce que Nolan arrive a montrer brillamment à l’écran, ce sentiment de finitude et de solitude que chacun ressent lorsque l’on sort la tête du quotidien pour s’élever un peu et que l’on est agnostique ou athée. Le film montre des personnages incapables d’exprimer leurs sentiments, préférant les cacher derrière des théories sur le sujet. Serait ce un aveu du réalisateur, lui même un peu trop porté sur l’intellectualisation permanente du lien humain ?

Nolan est ambitieux et si son film est maladroit par moments, il résout l’essentiel, nous toucher sans que sa mise en scène d’excellence n’étouffe le propos.

Un film désespéré sur l’espoir, un film sombre sur l’humanité et en même temps cherchant le bout du tunnel, « Interstellar a des aspects universels par ses thématiques écolos, le besoin de l’homme d’explorer toujours et surtout, la définition de l’espèce humaine.

 

La suite du classement dans quelques jours…